Dez anos depois da estreia do sucesso Rita Lee Mora ao Lado, a atriz Mel Lisboa volta a interpretar a roqueira-mor em um musical inédito, desta vez inspirado na autobiografia da cantora. Com direção de Márcio Macena e Débora Dubois, Rita Lee – Uma Autobiografia Musical.Quando Mel Lisboa pisou pela primeira vez em cena como Rita Lee em 2014, ela não poderia prever algumas coisas: primeiro, de que seriam meses de casa cheia num dos maiores teatros de São Paulo. Segundo, que a própria Rita apareceria sem avisar, abençoaria sua performance e ainda voltaria para assistir ao espetáculo. Trabalho, aliás, que rendeu a Mel prêmios como melhor atriz e a colocou de vez entre os maiores nomes do teatro nacional, com uma frutífera e diversificada carreira. A nova montagem ainda tem direção musical de Marco França e Marcio Guimarães e, junto com Mel, estão no elenco Bruno Fraga, Fabiano Augusto, Carol Portes, Debora Reis, Flavia Strongolli, Yael Pecarovich, Antonio Vanfill, Gustavo Rezê e Roquildes Junior.Diferentemente do projeto anterior, dessa vez, Mel conta a história de Rita com base no livro da cantora, lançado em 2016 e um dos maiores sucessos editoriais do Brasil. O livro narra os altos e baixos da carreira de Rita com uma honestidade escancarada.

Inspirada em sua própria jornada pessoal e na sua dedicação ao teatro, a atriz e dramaturga Jandira Martini (falecida em janeiro de 2024) escreveu sua última dramaturgia para o teatro JANDIRA – em busca do bonde perdido. E é ela quem define: “Um monólogo sobre uma situação imprevista, surpreendente. Uma atriz que se revela, diante de seu público, ao narrar, com humor, sua inesperada e assustadora experiência. Auto ficção? Sem dúvida. Um stand-up? Seria, se fosse cômico. E cômico não chega a ser. Nem trágico. Apenas dramático.”Isabel Teixeira, um dos nomes mais relevantes do teatro brasileiro, com 40 anos de carreira e diversos prêmios é a atriz que dá voz ao texto autobiográfico de Jandira Martini neste tocante solo. Para dirigir o espetáculo, nada mais apropriado do que Marcos Caruso, amigo e dupla constante de Jandira, com quem escreveu inúmeras peças e roteiros de audiovisual. Ambos foram convidados para este projeto pelos produtores Fernando Cardoso e Roberto Monteiro, sócios na Mesa2 Produções. A peça convida o público a um passeio pelas memórias mais marcantes da autora através de um texto direto, enxuto e coloquial, evocando os blocos carnavalescos da cidade de Santos - sua terra natal -, as descobertas da infância, momentos dramáticos e a vida dedicada ao teatro.

Whitechapel é uma banda de deathcore formada em 2006 em Knoxville, Tennessee. Conhecida por sua sonoridade pesada e técnica, mistura elementos de death metal e hardcore, conquistou uma base de fãs fiel com álbuns como The Somatic Defilement e A New Era of Corruption.Thy Art Is Murder é uma banda australiana de deathcore formada em 2006, conhecida por seu som brutal e letras provocativas. Com álbuns como Hate e Human Target, o grupo se destacou na cena metal com sua abordagem agressiva e técnica.

A mostra Ofício: Barro: Gabriella Marinho – Argila-Griô reúne 25 trabalhos, cerca de metade deles inéditos, criados a partir de 2017 pela artista visual, educadora e pesquisadora que, em suas esculturas e instalações, reflete sobre corporeidade e subjetividade, explorando tanto as relações entre as peças e o espaço, quanto a plasticidade pictórica que a pintura oferece sobre esse material.Desde sua criação em 2019, o projeto Ofício, desenvolvido no Galpão das Oficinas de Criatividade do Sesc Pompeia, tem se destacado como um espaço inovador para a exploração e valorização de diversas formas de expressão artística. A edição de 2024, intitulada Ofício: Barro, celebra a argila como um material fundamental na criação de utensílios e obras de arte que moldaram culturas milenares, desde a Mesopotâmia até o Egito Antigo. A modelagem do barro não só preserva tradições ancestrais, mas também se revela uma poderosa ferramenta para expressar reflexões e sensibilidades contemporâneas.Gabriella Marinho, com sua participação no projeto Ofício, destaca a importância da arte em argila não apenas como forma de expressão, mas também como meio educativo e transformador

O espetáculo de Lara Castagnolli no Centro da Terra é uma experiência imersiva e sensorial que apresenta suas músicas autorais do aguardado disco Araribá, com lançamento previsto para fevereiro ou março de 2025. O show é uma jornada de exploração e introspecção, na qual Lara conduz o público por um mergulho profundo em suas composições e parcerias, revelando a sinergia entre o corpo, a alma e a natureza.As músicas de Araribá evocam uma fusão do ser com o ambiente, estimulando os sentidos e despertando emoções e reflexões únicas. Cada canção é uma ode à natureza, onde melodias e letras se entrelaçam para refletir as várias formas de perceber e interpretar nós mesmos e mundo ao nosso redor. Esse disco orgânico germina das sementes plantadas por Lara ao longo de sua trajetória, traduzindo seu processo de autoconhecimento e conexão com o imaterial e o atemporal.

Infância de Graciliano Ramos, que foi indicada ao Prêmio Shell de melhor composição musical para Alexandre Rosa, faz nova temporada no Ágora Teatro.A encenação literária, teatral e musical, narra a meninice do autor alagoano por meio de suas memórias. Até a adolescência, a vida de um dos maiores escritores do país foi marcada por agruras junto à família e às escolas. E o seu percurso para transpassar o analfabetismo foi árduo e duro. No entanto, testemunhas nele uma transformação radical que o levou a se aproximar do universo das letras, o qual nunca abandonou.

A produtora e selo indie Balaclava Records apresenta o show da banda inglesa Bar Italia. Formado em 2019, em Londres, bar italia é composto por Nina Cristante (voz), Sam Fenton (voz e guitarra) e Jezmi Tarik Fehmi (voz e guitarra). O grupo traz uma sonoridade que remete à bandas pós punk dos anos 80, mas também muito do indie dos anos 90, de grupos como Sonic Youth, Pavement e Yo La Tengo, com destaque para as performances de Nina, que lembram momentos de Hope Sandoval (Mazzy Star) e PJ Harvey no início de carreira.

Em 2019, a escritora e roteirista Camila Fremder resolveu resgatar a essência das crônicas que escrevia no começo de sua trajetória e transformou o material em um podcast. Assim, nasceu o “É Nóia Minha?”, que já conta com mais de 300 episódios, mais de 31 milhões de plays e cerca de 1 milhão de ouvintes mensais, em seus quase 5 anos no ar. Agora, o público poderá assistir a episódios ao vivo: a podcaster trará suas nóias ao palco, refletindo sobre situações corriqueiras com o público do teatro. O formato é um projeto especial, com roteiro de Fremder e Alvaro Leme e figurino de Rodrigo Rosner.

Thriller, Billie Jean, Black or White, Human Nature e Beat It, são alguns dos inúmeros hits do Rei do Pop a serem reproduzidos durante o espetáculo.

PYOTR ILYICH TCHAIKOVSKY Variações sobre um tema rococó, Op. 33PYOTR ILYICH TCHAIKOVSKY Andante CantabileANTON BRUCKNER Sinfonia nº 4 em Mi bemol maior – RomânticaDurante o Ensaio podem acontecer pausas, repetições de trechos e alterações na ordem das obras de acordo com a orientação do regente.

Vivência onde o convite é para que as crianças e suas pessoas adultas responsáveis mergulhem nos sons e ritmos das culturas afro-brasileiras, em uma proposta vibrante e musical para que os pequenos experimentem instrumentos de percussão, participem de rodas de música e de dança.

Formados em 1964, os Skatalites compeltam 60 anos de existência em 2024. São os criadores do Ska e do Reggae e a primeira backing band do lendário Studio One, local que revelou ao mundo Bob Marley, Peter Tosh, Jimmy Cliff e outros nomes históricos para a música do século XX.Na sua nova visita ao Brasil, o grupo toca seus clássicos como “Latin Goes Ska”, “Eastern Standard Time” e “Phoenix City”. No Brasil registrou o DVD “Arena”, gravado no teatro do SESC Pompéia, em São Paulo, além de um especial na MTV Brasil.

O objetivo dessa oficina é possibilitar a todos o acesso a jogos que costumam ser pouco acessíveis, atendendo pessoas de todas as idades e classes sociais. Com um acervo de mais de 100 jogos, a mediadora Titânia oferece uma experiência divertida e educativa, ensinando os alunos a jogarem.

Deficiente visual, negro, artista e ativista, parte da trajetória de Ray Charles (1930-2004) será contada nos palcos no espetáculo Ray – Você Não Me Conhece, com texto e direção de Rodrigo Portella.O elenco é formado por César Mello, Sidney Santiago, Abrahão Costa, Luiz Otávio, Flavio Bauraqui, Leticia Soares, Luci Salutes, Lu Vieira, Roberta Ribeiro, e pelas crianças Caio Santos e Victor Morais. Com direção musical de Claudia Elizeu e André Muato, a montagem traz uma banda ao vivo, composta por piano, baixo, bateria e sopros, que interpretará os grandes sucessos de Ray Charles. .Baseada no livro homônimo de Ray Charles Júnior, a peça mergulha na vida e obra do músico Ray Charles, explorando não apenas os desafios e conquistas de sua carreira, mas sobretudo a complexa relação entre pai e filho.

Com texto crítico da curadora e pesquisadora Luciara Ribeiro, a exposição apresenta um conjunto inédito de pinturas, esculturas e instalações que demonstram a expansão material e conceitual na prática do artista, enquanto aprofunda os temas debatidos ao longo de sua carreira.A primeira individual de No Martins no Brasil em cinco anos,  investiga as relações entre sujeito e as estruturas sociais dominantes, permeadas por debates existenciais clássicos. Exemplo dessas reflexões é o conjunto de pinturas produzido para a exposição, nas quais o artista empresta sua imagem na forma de autorretratos. Pensando em dimensões que não se limitam a si, Martins se coloca em ambientes marcados por símbolos relacionados à brevidade e aos impasses da vida, assim como signos que dizem respeito à sociedade brasileira. Uma dessas pinturas revela uma cena de aniversário com balões, faixas e uma mesa com garrafas de refrigerantes. O personagem sopra as velas de um bolo, ao lado do qual repousa um crânio.

O mais recente cabaré de palhaços está de volta para a sua edição comemorativa de fim de ano, com apenas o melhor do pior.Uma noite onde o inesperado é garantia e o fracasso, uma possibilidade real. “Pagô Passô - Um Cabaré de Fracassos Espetaculares” é um espetáculo que convida os participantes a abraçarem o risco em sua forma mais pura. Este é um cabaré para todos, mas especialmente para aqueles que estão dispostos a pagar pelo privilégio de falhar espetacularmente. O palco é aberto tanto para aspirantes a palhaços quanto para artistas experientes que queiram testar suas cenas diante de uma plateia, sem a certeza de aplausos.

Monumento do repertório barroco, o Oratório de Natal é um dos mais marcantes testemunhos da profunda religiosidade e da elevação musical de Johann Sebastian Bach.

Eleito Artista do Ano pelos leitores do Diapason e Melhor Solista Instrumental pelas Victoires de la Musique Classique, Jean-Guihen Queyras distingue-se por seu ecletismo musical. Solista de longa data do Ensemble Intercontemporain, trabalhou intimamente com Pierre Boulez. Neste programa, no entanto, o artista, que já colaborou com a Osesp em outras ocasiões, volta-se para o repertório romântico.

A galeria apresenta uma individual de Flávio Cerqueiro, artista paulistano que trabalha com técnicas tradicionais da escultura em bronze. A mostra tem o seu texto curatorial assinado por Zoe Diao, que aponta: "Em mais de quinze anos de carreira artística, o trabalho de Flávio Cerqueira tem sido uma investigação multidirecional sobre a existência e a experiência do ser humano na sociedade contemporânea. As esculturas figurativas de Cerqueira são frequentemente estátuas não-monumentais em escala tamanho real, retratadas como adolescentes entre uma ação na sua própria temporalidade, ou por vezes explorando a sua própria materialidade. A expressão facial neutra, juntamente com o vestuário cotidiano das esculturas, diminui as potenciais interpretações que fazem referência a arquétipos da vida real, e são, portanto, autônomas, alegóricas e semioticamente indexadas."

No centenário do surrealismo, o Espaço Arte M. Mizrahi apresenta a exposição coletiva *Quimeras – 100 anos do Surrealismo*, uma jornada que explora as profundezas do imaginário e do inconsciente em um contexto contemporâneo. Sob curadoria de Jurandy Valença, a mostra reúne um conjunto de 54 obras, entre pinturas, gravuras, desenhos, esculturas e fotografias, de 18 reconhecidos artistas nacionais e internacionais que oferecem diferentes interpretações do surrealismo e suas influências persistentes nas artes e na literatura.O Surrealismo, fundado por André Breton em 1924, revolucionou a forma como o inconsciente e a imaginação eram abordados nas artes. Inspirado por elementos do romantismo e caracterizado pela ênfase no poético e no onírico, o movimento foi, acima de tudo, uma rebelião contra os padrões conservadores de sua época. O surrealismo não só redefiniu os contornos da arte, mas também impactou profundamente o pensamento filosófico e cultural, ao destacar o papel da imaginação e da fantasia na construção da realidade.Valença observa que o surrealismo ainda mantém uma força emancipada e provocadora, mesmo um século após sua origem. Segundo o curador, "o surrealismo, mais do que um movimento histórico, é uma forma de ver o mundo que resiste ao tempo e desafia o espectador a questionar as próprias noções de realidade. Ao selecionar as obras, buscamos não só a representação tradicional do movimento, mas também como ele reverbera nas expressões e interpretações artísticas de hoje".Na exposição, figuras como o alemão Walter Lewy, que se manteve fiel ao surrealismo até o fim da vida, e brasileiros como Flávio de Carvalho e Mário Gruber, que criaram universos que transcendem o comum, estão ao lado de nomes como Regina Silveira e Cildo Meireles, cujas obras estabelecem diálogos menos evidentes, mas significativos com o movimento. Também presentes estão os brasileiros Octávio Ferreira de Araújo, com cenas que evocam mistério e magia, e Marcello Grassmann, que explora figuras mitológicas e combina o humano e o animal. A mostra aborda a questão da representatividade feminina no surrealismo, reconhecendo que o movimento foi historicamente misógino. No entanto, propõe um olhar crítico sobre essa questão, explorando como o surrealismo, apesar de suas limitações, contribuiu para discussões sobre identidade e subjetividade.A exposição *Quimeras – 100 anos do surrealismo* convida o público a refletir sobre a atemporalidade do surrealismo e sua capacidade de transcender fronteiras culturais e temporais, expandindo os limites da percepção e da interpretação artística. Ao explorar como o imaginário e o inconsciente seguem vivos e desafiadores na produção artística contemporânea, a mostra reafirma o surrealismo não apenas como um marco histórico, mas como um movimento em constante transformação, que continua a inspirar novas gerações de artistas e a ressoar profundamente nas sensibilidades atuais.

Numa linda casa de campo morava Dona Porca Porpeta com seus Três filhos: Paçoca amais velha, Pururuca e Costelinha o mais novo. Certo dia os Três porquinhos decidirammorar sozinhos, despediram-se de sua mãe e saíram pela floresta à procura de um bom lugar para montar as suas casinhas. Sua mãe Dona Porca Porpeta ainda avisou: “- Cuidado com o lobo que vive nessa floresta...”, mas eles não ouviram e saíram cantarolando. Costelinha foi o primeiro a encontrar o lugar para montar sua casinha, ela seria de palha,mas logo apareceu o lobo espertalhão que assoprou a casa e a derrubou. Depois foi a vez do Porquinho Pururuca que construiu uma casinha de madeira, claro, com as madeiras caídas para não desmatar as florestas. Como já era de se esperar, surgiu o Lobo novamente e derrubou a casinha. Mas o porquinho, muito esperto, preparou uma bomba na porta de traz da casa, ela explodiu deixando cair uma colméia de abelhas na cabeça do lobo. Assim depoisde duas casinhas destruídas, foi à vez da Porquinha Paçoca construir a sua casa em local adequado e ensinar as crianças a preservar a natureza com a ajuda de seus irmãozinhos.Construíram uma linda casa de tijolos, bem forte e os porquinhos armaram uma armadilha para o lobo, e o coitado ficou todo arrebentado. No final dessa história o lobo ficou todo machucado e cansado desses porquinhos danados, e então, decidiu voltar para casa da sua mãe.

Dorothy vivia em uma fazenda com seus tios. Certo dia a região a qual morava foi invadida por um ciclone. Uma terrível tragédia acontece e a menina e seu cachorro são carregados pela tempestade. Depois de muito tempo, ambos aterrissam na terra de Oz e sua casa que também tinha sido levada acaba despencando em cima da Bruxa Má do Leste e a mata.Após tal acidente, Doroty é vista como uma heroína. Mas o que ela queria mesmo era voltar para a sua casa. Com a ajuda de seus novos amigos Espantalho, Homem de Lata e Leão ela vai em busca do caminho de volta.

A vida e a obra do autor norte-americano Tennessee Williams (1911-1983) inspirou a criação do espetáculo metateatral Tennessee Williams Deve Morrer, que tem sua temporada de estreia no Sesc Pinheiros.A peça acompanha dois irmãos e artistas de teatro, Rose e Tom, que, enquanto se preparam para entrar em cena, recebem a crítica do espetáculo que estão prestes a iniciar. Frente à dureza da análise do crítico, Tom – que além de ator também é dramaturgo – resolve reescrever a peça como uma resposta à exclusão artística e à intolerância às novas ideias de construção teatral. Ele pretende sublinhar a atitude conservadora e homofóbica da crítica de então.E essa “peça dentro da peça” percorre fatos relevantes da vida e aspectos importantes da obra de Williams, que é, sem dúvida, um dos autores mais importantes do Teatro Moderno do século XX.

O espaço independente Pivô recebe Beijo, exposição de Mariela Scafati e Hélio Oiticica. Para Gonzalo Aguilar, autor do texto crítico, a exposição desloca a ideia de corpo e obra, trabalhando com as pinturas, as telas, as cores, as cordas, o teatro em miniatura (o kamishibai), os sentidos dos espectadores e até o próprio ar como corpos. A mostra é organizada em parceria entre a galeria paulistana Gomide&Co e a galeria argentina ISLA FLOTANTE. Mariela Scafati (Olivos, Argentina, 1973) vive e trabalha em Buenos Aires. Considerada uma das mais importantes artistas argentinas de sua geração, Scafati trabalha a partir da sua formação como pintora e serigrafista e de suas experiências com ativismo social e educação. Foi co-fundadora da ação Taller Popular Serigrafía (2002-07) e é membro do coletivo Serigrafistas Queer desde 2007, criando materiais como slogans e stencils utilizados nas marchas do orgulho LGBTTTIQ+ na Argentina. A artista articula em suas obras experimentações formais, temática queer e questões sociais, políticas e econômicas de seu país. Hélio Oiticica (Rio de Janeiro, Brasil, 1937–1980) é um dos principais nomes da arte brasileira na segunda metade do século XX. Iniciou seus estudos artísticos no Curso Livre de Pintura de Ivan Serpa, no MAM Rio, em 1954, desenvolvendo trabalhos marcados pela experiência do movimento de arte concreta da época. Entre 1955 e 56, foi membro do Grupo Frente, assinando o Manifesto Neoconcreto (1959), a partir do que seu trabalho se expandiu no sentido de abarcar o espectador como participante da obra. Durante a década de 1960, desenvolveu algumas de suas séries mais conhecidas (Bilaterais, Relevos Espaciais, Núcleos, Penetráveis e Bólides) e participou de coletivas consideradas históricas, como Opinião 65 (1965) e Nova Objetividade Brasileira (1967), ambas no MAM Rio.

Uma Boneca para Menitinha é uma história que retrata a vida de pessoas simples e seus afetos mais profundos. A peça traça o ciclo da vida por meio da relação entre neta e avó. A avó, com o sonho de dar à neta um presente de gente rica, deseja comprar uma boneca de porcelana. Durante uma ida ao rio, acaba encontrando uma boneca e, a partir desse momento, um mundo de mistérios, conflitos, surpresas e sentimentos puros toma conta da narrativa.

Mariana Aydar e Mestrinho sobem ao palco da Casa Natura Musical para o show “Mariana e Mestrinho”, trabalho dedicado totalmente ao forró.Ao vivo, o álbum homônimo assume novos significados. Além das faixas do disco, o setlist traz clássicos da música brasileira, como "Lamento Sertanejo" e "Pedras que Cantam", além de um pot-pourri em homenagem a Luiz Gonzaga.Entre os destaques do repertório estão "Preciso do Seu Sorriso", as inéditas e autorais "Boy Lixo" e "Até o Fim" (com participação de Gilberto Gil no álbum), e "Te Faço um Cafuné", que fez parte da trilha sonora da novela Renascer.A banda é dirigida musicalmente por Fejuca e conta com Magno Vito (baixo), Feeh Silva (zabumba e triângulo), Rafa Moraes (violão e guitarra) e Léo Rodrigues (percussão). A direção do show é assinada por Marcus Preto, que já dirigiu espetáculos de Gal Costa, Nando Reis, Simone e Adriana Calcanhotto. O cenário fica por conta de Omar Salomão.

Camisa de Vênus comemora 44 anos de carreira e lança sua nova turnê, intitulada “44 Anos em 44 Músicas".

Um dos maiores nomes da história do samba comemora 40 anos de sucesso ininterruptos e 65 anos de vida, com a realização de uma turnê especial e a gravação de um DVD.

O Transforma Música está de volta para sua segunda edição, celebrando a música queer brasileira e suas múltiplas formas de estranheza e subversão. A programação é completamente gratuita e apresenta talks com importantes nomes do mercado musical, shows que flexionam linguagens da música eletrônica, experimental e pós-punk, além de uma mostra de videoclipes queer nacionais.Dentro da programação de shows, o festival apresenta Karina Buhr, Jonnata Doll e Os Garotos Solventes, Saskia e um tributo a Liana Padilha, da dupla NoPorn, celebrando o legado de seu pop experimental.

Paul Cabannes mergulha em cultura e vivências brasileiras em novo show ‘Alma de Brasileiro’

O musical conta a história da jovem estudante Tracy Turnblad (Vânia Canto), que sonha em se apresentar em um programa musical nos Estados Unidos. A história se passa nos anos 60 e, por ser uma garota gorda, enfrenta desafios para conquistar seu sonho. Para isso, conta com a ajuda de muitos amigos como Corny Collins (Ivan Parente), Link Larkin (Rodrigo Garcia), Motormouth Maybelle (Aline Cunha), Penny Pingleton (Pâmela Rossini) e Seaweed J. Stubbs (Thales Cesar). No caminho ao estrelato, ela precisa superar a rival Amber Von Tussle (Verônica Goeldi) e todas as artimanhas de sua mãe e produtora do programa musical, Velma Von Tussle (Liane Maya). Tracy também contará com o apoio de seus pais Wilbur Turnblad (Lindsay Paulino) e Edna Turnblad (Tiago Abravanel).

O espetáculo Saudade na Miragem, com direção e dramaturgia do japonês Hiroshi Koike, questiona a relação entre religião, espiritualidade, conflito, e a ambivalência da justiça, propondo uma visão do futuro inspirada pelo livro A Guerra do Fim do Mundo, de Mario Vargas Llosa, que se debruça sobre a Guerra de Canudos, ocorrida no sertão da Bahia, entre 1896 e 1897.No elenco, estão atores brasileiros Danilo Dal Farra, Eduardo Okamoto, Fernando Lufer, Jéssica Barbosa, João Guisande, Julio Lorosh, Paulo Sokobauno, Yana Piva e japoneses Jinya Imai e Ichiya Nishikawa. Os artistas foram escolhidos a partir de uma audição, que contou com 384 inscritos.O espetáculo faz parte do projeto Firebird, que faz residência no CPT – Centro de Pesquisa Teatral. Lançada em 2022, a iniciativa busca refletir sobre o futuro do mundo a partir de diferentes culturas, propõe a criação e colaboração entre artistas e músicos de diferentes origens da Ásia, Europa e América do Sul.

Celebrando o ano de lançamento de seu segundo disco de estúdio, Clarissa encerra era AGRIDOCE em grande estilo. Acompanhada de banda completa, a cantora carioca promete além das músicas do álbum, seus grandes hits de carreira como “Nada Contra (Ciúme)”, “Bonita e Miserável” e “Ela”.

Núcleo TUSP da capital apresenta seu mais novo experimento de montagem a partir de As Bacantes de Eurípides, na Sala Experimental em que o processo foi desenvolvido.O deus Dióniso é filho de Zeus e da mortal Sêmele. Quando a deusa Hera, esposa de Zeus, fica sabendo da traição do marido, disfarça-se em forma humana e conquista a confiança de Sêmele, que conta a ela sobre seu amante divino. Hera então a convence de que se ele é mesmo um deus, deveria mostrar-se a Sêmele em sua forma divina. Zeus, que havia prometido jamais negar pedido algum a Sêmele, faz a vontade dela. Entretanto, como os mortais não sobrevivem ao contato direto com a forma original de um deus, Sêmele é fulminada pelo poder de sua manifestação divina. Para proteger Dióniso da fúria de Hera, Zeus o esconde em sua coxa, até que sua gestação se complete e ele possa realmente vir à luz.

Baseada no livro de Itamar Vieira Junior, a peça retrata a história das irmãs Bibiana e Belonísia, e da avó Donana. Através do olhar delas, vamos adentrar um universo repleto de seres encantados, e percorrer o chão de barro do Brasil do interior, de cada um de nós. Um diálogo entre os atabaques da cultura afro-brasileira, a viola sertaneja, e os pífanos do nordeste, promovendo uma gira em cena.

Vivemos em uma sociedade cada vez mais tecnológica e imediatista, que não estimula as capacidades criativas e exploratórias das crianças. Os brinquedos já chegam prontos para uso e com suas funções previamente definidas. Os jogos, que poderiam ser grandes oportunidades de interação e imaginação são, em sua maioria, eletrônicos, e não estimulam as capacidades sensoriais, gerando momentos de isolamento da criança de seu entorno físico e relacional.Portanto, a exploração sensorial através do brincar com o corpo em movimento é de fundamental importância para o desenvolvimento físico, cognitivo e interpessoal da criança. Os brinquedos naturalizados do “Parque de Bambu” se apresentam como um convite à experiência humana sensível, profunda e lúdica.

Teatro do Incêndio mergulha no mito para ritualizar a dor em nova montagem.Encenação inspirada no livro De Dionísio para Koré, de Marcelo Marcus Fonseca, faz versão ritual sobre o corpo.Do encontro com a obra Júbilo, Memória, Noviciado da Paixão, de Hilda Hilst, o diretor Marcelo Marcus Fonseca criou 42 poemas sintéticos que contam a trajetória de Koré (Perséfone jovem), seduzida por Dionísio e transformada nele próprio para devolver-lhe a dor. Escrito em três dias, o livro busca o ponto de vista do Deus grego despedaçado e renascido, em diálogo constante com a obra de Hilst.O espetáculo é uma aventura pela dança e pelo ritual, estabelecendo uma relação mística com a plateia em busca da celebração dos mistérios de Elêusis e Delfos. Fruto das reuniões para preparação da celebração dos 30 anos da companhia em 2026, a peça surgiu como um reencontro com a própria formação da companhia, a sua pele, sua introspecção ritual.

Nessa jornada os pequenos espectadores são convidados a explorar a natureza e as diferenças, acompanhando dois seres indefinidos em sua descoberta mútua. Com cenografia e adereços compostos por materiais naturais, como palha, gravetos e penas, cada cena é uma oportunidade de encantamento e aprendizado.

Adaptação livre do romance de Júlio Verne, o espetáculo conta a aventura de um lorde apaixonado por geografia e seu fiel ajudante. Juntos, eles descobrem que podem dar uma volta completa ao mundo em 80 dias e, assim, partem para uma viagem repleta de peripécias atravessando diversos países e fugindo das armadilhas de Mr. Fix, um vilão que tenta atrapalhar a dupla.A história é contada por dois atores que, para dar vida a todos os personagens, utilizam técnicas acrobáticas, de dança e comédia, além de projeções de vídeo. Para construir os diversos lugares da viagem, também manipulam peças de ferro, rodas e sucatas, a partir das quais surgem barcos, trens e montanhas.

Era uma vez... Havia uma linda menina que se chamava Chapeuzinho Vermelho. Certo dia, sua mãe lhe pediu que levasse docinhos para a Vovó, como já fazia de costume. No caminho ela encontrou um Lobo que deveria ser mau, mas era bom. Às vezes ele ficava bravo, sim, mas só com esses homens que não paravam de sujar a floresta, principalmente o caçador porcalhão que vivia caçando os animaizinhos e jogando lixo no chão!Tudo isso era muito triste. Mas Chapeuzinho e o Lobo tiveram uma ideia e, com a ajuda da Vovó, eles vão ensinar ao caçador que não se deve jogar lixo na floresta nem acabar com os animais! Nessa história, o nosso Lobo Mau é um lobo Guará, que está em extinção... E assim, todos viveram felizes para sempre!

No contexto do mês da Consciência Negra, o Centro Cultural São Paulo lança luz sobre um importante conjunto do Acervo Histórico da Discoteca Oneyda Alvarenga: os raros registros documentais de expressões culturais como a Congada e o Cateretê – documentadas nos anos de 1930 pela Discoteca Pública Municipal e Missão de Pesquisas Folclóricas, sob a política cultural de Mário de Andrade à frente do Departamento de Cultura – e destaca o papel de Oneyda Alvarenga na direção da Discoteca.O conjunto documental, organizado em dois núcleos, compõe a exposição “Reinados Negros no Brasil e a Discoteca Oneyda Alvarenga”, com destaque para os registros de Congadas feitos durante a direção de Oneyda Alvarenga à frente da Discoteca, e homenagem à musicóloga, haja vista que neste ano se completa 40 anos de seu falecimento.

O Teatro do Incêndio estreia o espetáculo De Dionísio para Koré. Com direção de Marcelo Marcus Fonseca e coreografias de Francisco Silva, a montagem é baseada no livro homônimo de autoria de Fonseca, que traz o amor descontrolado de um deus por uma mortal, gerando a morte e o renascimento por meio da constante troca de papéis entre os dois amantes. Do encontro com a obra Júbilo, Memória, Noviciado da Paixão, de Hilda Hilst, o diretor Marcelo Marcus Fonseca criou 42 poemas sintéticos que contam a trajetória de Koré (Perséfone jovem), seduzida por Dionísio e transformada nele próprio para devolver-lhe a dor. Escrito em três dias, o livro busca o ponto de vista do Deus grego, despedaçado e renascido, em diálogo constante com a obra de Hilst.O espetáculo é uma aventura pela dança e pelo ritual, estabelecendo uma relação mística com a plateia em busca da celebração dos mistérios de Elêusis e Delfos. Fruto das reuniões para preparação da celebração dos 30 anos da companhia em 2026, a peça surgiu como um reencontro com a própria formação da companhia, a sua pele, sua introspecção ritual.

Em cartaz há 20 anos, Marcelo Médici apresenta mais uma temporada do solo "Cada um com os seus pobreza". No enredo, o personagem central é um ator de teatro que ao desistir de fazer sua apresentação começa a contar suas próprias experiências. Surgem então os demais personagens, comentando e criticando com muito humor várias situações do cotidiano.

Em um hotel na Nova York de 1953 se passa o hipotético encontro entre quatro famosas lendas norte-americanas – a estrela de cinema Marilyn Monroe, Albert Einsten, cientista criador da Teoria da Relatividade (que levou à criação da Bomba H e, consequentemente, à Bomba Atômica), Joe DiMaggio, renomado jogador de beisebol e marido de Marilyn, e o infame senador Joe McCarthy. Encontro que poderia acontecer hoje, trocando os personagens originais por seus pares na atualidade.Este é o enredo da peça Insignificância, texto do dramaturgo e diretor de teatro, cinema e televisão inglês Terry Johnson, lançado em livro em 1983, na qual os atores Cássio Scapin, Amanda Acosta, Marcos Veras e Norival Rizzo assumem os papéis do Professor, da atriz, do jogador de beisebol e do senador. Este encontro singular destaca uma das questões mais discutidas na mídia contemporânea: as consequências da fama, tanto na vida pessoal de renomadas celebridades, em relação às concessões necessárias para alcançá-la ou preservá-la, quanto à sua exploração para objetivos políticos.

Na comédia “Dois de Nós”, dois casais de gerações diferentes, se encontram num quarto de hotel. Segredos e mentiras começam a ser revelados trazendo à tona um divertido turbilhão de sentimentos, com muita emoção e desafios, que mudarão a vida deles para sempre. De forma poética e bem-humorada, são abordados assuntos comuns aos casais, como rotina, filhos, dinheiro, tempo, realização profissional, desejo sexual, frustrações e mágoas, tudo à luz das mudanças velozes de comportamento, características da atualidade.

Crypta é uma banda brasileira de death metal formada em São Paulo, no ano de 2019.Conta com as ex-integrantes da banda de thrash metal Nervosa Fernanda Lira (baixo e vocal) e Luana Dametto (bateria), e as guitarristas Tainá Bergamaschi e Jéssica di Falchi.

Um espetáculo repleto de aventura, comédia e um toque de suspense, onde cinco amigos enfrentam uma ameaça ao universo perfeito que conhecem. Emily Vick, Leozinho, Katlen, Void e Robson têm suas vidas abaladas quando os cinco elementos que os definem – estrela, lâmpada, foguete, raio e ratinha – são desalinhados. Como consequência, Emily Vick é transportada para um universo alternativo, onde seus amigos trocam de personalidades e, para piorar, o sobrinho Davi, tão amado por ela, não existe.

O Quebra-Nozes no Mundo dos Sonhos é uma releitura do libreto de E.T.A. Hoffmann (1778-1822) que narra a experiência de dois irmãos em uma noite de Natal especial, quando um boneco quebra-nozes ganha vida e os conduz em uma jornada inesquecível por um reino mágico e dançante. O popular conto natalino, nesta versão de Márcia Haydée, uma das mais importantes artistas do país a fazer carreira na Europa como diretora de dança e primeira-bailarina, traz referências do nosso país, com passagens por mundos da capoeira, das danças urbanas e, claro, do balé clássico. A história, assim como na original de 1892, coreografada por Marius Petipa (1818-1910), é conduzida por uma das composições mais famosas de Tchaikovsky (1840-1893), unindo a tradição do balé à inventividade de Márcia. O espetáculo é apresentado pela São Paulo Companhia de Dança.

Turnê que celebrará os 40 anos de história do Dream Theater.

É Iemanjá, a divindade das águas e mãe de todos os orixás, que serve como fio condutor para a narrativa presente nos encontros das contações de história do projeto TERREIRO BRINCANTE E AS HISTÓRIAS DE IEMANJÁ, levando-nos a vivenciar as histórias entrelaçadas nos terreiros das nossas ancestralidades. Além disso, a contação de histórias nos convida a explorar as brincadeiras tradicionais das manifestações culturais dos povos do nosso país, que não apenas divertem, mas também ensinam lições valiosas e encerram os encontros no sagrado.

No solo Dentro do Adversário , o ator Alex Slama traz ao centro do palco reflexões sobre a moralidade e a loucura na sociedade contemporânea a partir da obra O Adversário, do autor francês Emmanuel Carrère. A montagem, com dramaturgia de Leo Lama, e direção geral de Bia Szvat, que assina a encenação ao lado de Herbert Richers Jr, joga luz sobre o narcisismo exacerbado, que pode levar à loucura, ao descontrole ou ao crime.O espetáculo estreia a programação teatral da Casa Slamb, novo espaço cultural do bairro de Pinheiros, inaugurado em abril de 2024. Criado pelos irmãos Artur e Alex Slama, o local oferece práticas integrativas que transitam na união entre arte, cultura, educação e entretenimento, contemplando diversas vertentes dos processos criativos e artísticos.

A Orquestra Bachiana Filarmônica SESI-SP, regida pelo maestro João Carlos Martins apresenta o seu tradicional concerto de Natal, acompanhados dos solistas Jean William (tenor) e Maria Clara Mascellani (soprano).O tenor Jean William abrirá a noite com um exemplo de canto gregoriano à cappella, seguida do Salmo do século 9. À época, a música deixava de ser exclusivamente oral e ganhava seu primeiro sistema de notação gráfica, os “neumas” – iniciando a música ocidental escrita. Historicamente, as primeiras comemorações natalinas se deram com o canto gregoriano, ou cantochão. Institucionalizado no século 7 com a criação da Schola Cantorum pela Igreja Católica Romana e derivado dos cantos hebreus (encontraram-se traços na Palestina e na Síria), o gregoriano compõe-se de uma linha melódica a uma só voz (monodia) flexível, sem acompanhamento instrumental, cantado por um ou várias vozes masculinas. Na sequência da apresentação, entra em cena o contexto barroco dos séculos 17 e 18, marcando a música criada para as festividades natalinas tanto no vocal quanto no instrumental. É o caso das duas árias do mais célebre oratório de Natal “O Messias”, de Georg Friedrich Haendel (1685-1759). Em seguida, “Ave Maria”, uma das melodias mais conhecidas de Franz Schubert (1797-1828) – e uma de suas obras-primas absolutas, será interpretada pela soprano Maria Clara Mascellani. A orquestra interpretará também três das peças mais populares da suíte “O Quebra-Nozes”, composta por Piotr Illitch Tchaikovsky (1840-1893) para balé: A Fada do Açúcar, a frenética dança russa Trepak e o maior hit do compositor, Valsa das Flores. O público poderá acompanhar os grandes clássicos natalinos, como “White Christmas”, “Jingle Bells”, entre outros.

A comédia teatral TOC TOC, escrito por Laurent Baffie, traduzido e montado mundo afora diversas vezes após estrondoso sucesso na França, retorna aos palcos brasileiros com uma nova montagem, trazendo uma abordagem bem-humorada e sensível sobre o Transtorno Obsessivo Compulsivo (TOC). Branca (Danielle Winits), obcecada por limpeza; Maria (Cláudia Ohana), uma religiosa que vive com a sensação de ter esquecido tudo aberto; Lili (Maria Helena Chira), com seu hábito de repetição; Bob (Miguel Menezzes), fanático por simetria; Vicente (André Gonçalves), que não consegue parar de fazer contas; Fred (Riba Carlovich), que luta contra uma síndrome que o faz dizer palavras obscenas, e a assistente do médico (Carolina Stofella) formam esse grupo peculiar. A demora do médico faz com que a única solução seja iniciar uma terapia em grupo, onde, entre crises, brigas e muitas gargalhadas, o público é convidado a acompanhar as dificuldades e as maneiras inusitadas que cada um encontra para lidar com seu TOC.

A galeria Luis Maluf apresenta uma exposição coletiva para celebrar os seus dez anos de atividade. A mostra, com curadoria de Ana Carolina Ralston traz obras de artistas representados pela galeria, entre os quais Aline Bispo, Bu'ú Kennedy, Karola Braga e nomes internacionais como a holandesa Janet VollebregtLicida Vidal, uma das artistas do time Luis Maluf Galeria de Arte apresenta “Dissecada(ou que continha milhares de sementes)”, 2024. A obra une argila expandida, cerâmica, redes de pesca e água para criar um microecossistema. Argilas aquecidas e porosas evocam o impacto ambiental, filtrandoágua que sussurra entre as esferas. A obra reflete a extração e a resistência natural, capturando o ciclo da vida frente à exploração humana.

O maestro João Carlos Martins realiza um concerto em um espetáculo natalino especialmente criado para a ocasião.

Cidade dos Pássaros – Um Musical Brasileiro, livremente inspirado na obra de Rubem Alves, este espetáculo explora a liberdade através dos sonhos e desejos dos jovens de uma geração fragmentada, acelerada pelo ritmo de um mundo virtual. Sob a perspectiva da brasilidade, a peça se desenrola com canções que refletem as transformações do mundo, integrando a ritualidade teatral inspirada pelo célebre Teatro Oficina Uzyna Uzona, fundado pelo mestre José Celso Martinez Corrêa. É uma homenagem musical e teatral pelos 66 anos do icônico Teatro Oficina e pelos 30 anos de trabalho do Grupo Caixa Preta de Teatro, sediado na cidade de Registro, no Vale do Ribeira, interior paulista; uma celebração que valoriza as raízes culturais, presta tributo ao teatro, denuncia as injustiças e exalta a vida vivida com coragem

A história se passa na cidade fictícia de Areado, outrora famosa por sua chuva milagrosa, que caía uma vez por ano, mesmo após a extinção das chuvas no restante do mundo. Contudo, Areado agora enfrenta a mesma seca que devastou o planeta, e a cidade, antes próspera, tornou-se um lugar de desespero e decadência. Nesse cenário, conhecemos Pompeu, um palhaço assombrado por erros do passado, e Iara, uma jovem produtora de rapadura injustamente culpada pela seca.A peça vai além de uma simples história de superação e romance. Trata-se de uma reflexão sobre a seca dos corações, a ausência de amor e a busca pelo autoconhecimento.

Com CORAL PAULISTANO e participação especial do CORAL DOS COLABORADORES DO THEATRO MUNICIPAL DE SÃO PAULO

A Galeria Alma da Rua I apresenta "Raízes do Sentir – Ecos, Reflexos e Conexões" da artista Micha, sob curadoria de Tito Bertolucci e Lara Pap. A artista, com uma trajetória marcada pela investigação profunda das emoções humanas e do universo feminino reúne obras recentes em uma série de esculturas, pinturas, instalações e objetos, revelando a constante busca pela transformação do ser por meio da arte. Em sua sexta exposição individual, Micha explora o coração humano ampliado para além de sua função biológica, tratá-lo como um portal para uma percepção sensível e subjetiva.Com a exibição de obras inéditas e outras que já circularam em bienais e instituições culturais, Micha convida o espectador a se aproximar de uma linguagem visual que vai além da tinta e do papel. Trabalhando com materiais variados como couro, metal, cerâmica portuguesa, gesso, madeira e prata, a artista experimenta texturas e superfícies que complementam o conteúdo simbólico de sua pesquisa.

The Man in the Moone, primeira exposição individual de Julien Bismuth no Brasil, apresenta trabalhos em diversas mídias que refletem o interesse do artista pela linguagem, com enfoque na temática da tradução. A exposição concentra um conjunto de desenhos, serigrafias e trabalhos murais inspirados em imagens e metáforas da linguagem partindo de diversos autores. Uma série de serigrafias, impressas sobre tecido de tela de serigrafia, mostra variações de um desenho feito pelo polímata alemão do século XIX, Alexander von Humboldt, onde cada obra se diferencia por sutis variações na reprodução da imagem original. Os títulos são citações do texto de Dante Alighieri sobre a sua busca da identidade da língua italiana na floresta dos seus vários dialetos. A obra mural, realizada com pigmento em pó, reinterpreta a ilustração do livro The Man in the Moone, do séc. XVII, um dos primeiros livros de ficção científica baseado em descrições de línguas ameríndias pelos primeiros viajantes europeus. A constelação de referências, materiais e técnicas escolhidos, indicam a dimensão alegórica de sua pesquisa, em que qualquer aspecto, até os mais banais, podem transmitir diferentes significados.

A mostra propõe um diálogo entre trabalhos de Maria Andrade e Raquel Garbelotti e seus processos que lidam com distintas ideias de paisagem contemporaneamente. “Das paisagens, dessas que vêm aos lábios” destaca as singularidades de poéticas das duas artistas, ao passo que acentua como a paisagem, ou até mesmo, o meio ambiente, algo que a princípio seria externo, se torna uma instância que atravessa nosso ser, nosso corpo e atua intensamente na percepção que temos de mundo.A curadora Galciani Neves destaca como o espaço expositivo vai evidenciar os diferentes suportes, pesquisas e materialidades de Maria e Raquel, e como os relatos de paisagens criados pelas artistas se entrelaçam.Enquanto Maria Andrade utiliza a pintura como linguagem majoritária, na qual pinta paisagens inventadas de sua memória, numa interlocução entre consciente e inconsciente, Raquel Garbelotti, por sua vez, concentra-se na pesquisa em que revivencia os processos dos jardins modernistas de Burle Marx e os displays de Lina Bo Bardi.

Terceira exposição individual da artista Ana Dias Batista na Galeria Marilia Razuk. Conhecida por seu trabalho multifacetado, que a cada projeto se aproxima de um campo do mundo da vida, Ana Dias Batista transforma a galeria em uma loja de plantas.A instalação, especialmente concebida para o espaço original da Galeria no térreo do Edifício Gisele, no Itaim Bibi, se apropria de materiais comuns nesses estabelecimentos, como flores, cactos, espuma floral e vasos, submetendo-os a arranjos que subvertem ou ampliam a percepção cotidiana.

Nascidos em Santo Amaro, no recôncavo baiano, Caetano Veloso e Maria Bethânia são reconhecidos como artistas essenciais à formação cultural de várias gerações, com trajetórias projetadas para além da música, inspirando criadores em todas as partes e em todas as artes. A turnê Caetano & Bethânia tem um significado especial para a música popular brasileira, para a história dos dois irmãos e para os fãs que sonham em vê-los em um só espetáculo.Em seis décadas de carreira, Caetano e Bethânia sustentaram um pacto artístico silencioso, uma identidade atemporal que aflorou em momentos decisivos: no álbum “Drama” (1972), produzido por Caetano, relevante para seu aprendizado em estúdio no retorno do exílio; na formação do grupo Doces Bárbaros, em 1976, quando Bethânia aglutinou seus manos baianos; no show que virou disco ao vivo, em 1978; em duos pontuais em suas discografias e – impossível esquecer – nas festas familiares no quintal de dona Canô, em Santo Amaro.Fiel a uma história de tantos desejos, a turnê Caetano & Bethânia vai apresentar em todas as regiões do país a eternidade poética de duas vozes que nos ajudaram a viver, mudar e pensar nosso tempo. A festa, a devoção, o canto de Canô, a dança do irmão Rodrigo Velloso, o som do Recôncavo, o samba da Mangueira, Gal, o raio de Iansã, alto astral, lindas canções.

Das pinturas que retratam a realidade do campo e as devoções religiosas que permeiam significativamente a vida dos trabalhadores rurais aos devaneios da arte de tendência popular, “Ozias” ocupa a Danielian Galeria-SP com obras que reafirmam as origens biográficas de Odoteres Ricardo de Ozias. O artista autodidata debutou no mundo da pintura sob o olhar do cotidiano na área rural do pequeno município da Zona da Mata de Minas. Ganhou visibilidade com seu viés de ‘artista do povo’ e se consagrou no cenário cultural internacional com uma mostra individual na galeria David Zwirner, em Londres, em setembro de 2023.Na mostra, estarão obras executadas desde 1962, passando pela produção dos anos 1990, com destaque para “Fogo Nisto!” e “Cortando a Mata”, representações do ambiente rural; e dos anos 2000, destacando-se “Anjos no Céu” e “Rostos”, que denotam as relações do homem e a religiosidade.

Com o espetáculo “Em busca do Natal da Galinha Pintadinha”, a Popó e sua turma prometem encantar as famílias com uma história repleta de magia, música e diversão.O espetáculo narra um imprevisto, que transforma a tradicional noite de Natal na casa da Galinha Pintadinha em uma verdadeira aventura. Tudo começa quando os duendes do Papai Noel fazem uma visita inesperada, e a família da Popó descobre que a estrela da sua árvore de Natal sumiu. Com isso, o Galo Carijó fica desnorteado, e o Pintinho Amarelinho, triste, pois sem a estrela no topo da árvore, as luzes de Natal não acendem.Determinada a salvar a noite, a Galinha Pintadinha com a ajuda da Duende Maria Clotilde, parte pela vizinhança em busca da estrela mais brilhante e bonita para iluminar a decoração e aguardar a chegada do Papai Noel. Nessa jornada, eles visitam o Sapo Cururu no brejo, passam pela casa da Dona Baratinha, enfrentam a bagunça dos gatinhos da Dona Xica e até recebem a ajuda da Borboletinha. Mas será que eles conseguirão encontrar a estrela perfeita a tempo?

A individual de Gabriela Giroletti na Galeria Leme, Mil manhãs, reúne telas de pequeno e grande formato que exploram as possibilidades da pintura, no que se refere à poesia, à técnica e ao conceito. O trabalho da artista discute a prática e a pintura, e demonstra um fundamental apreço pelo mundo natural e seu potencial lírico.Sua produção flutua entre ser figurativa ou abstrata, por exemplo. Isto é, em suas pinturas podemos ver remissões a cenas da natureza ou perceber formas, construções, cores e gestos que existem apenas no campo das explorações artísticas

Exposição individual da artista carioca Ana Holck, com curadoria de Taisa Palhares. A mostra reúne quatro séries inéditas — Suspensos, Expansíveis, Axiomas e Laçados —, todas produzidas em 2024, marcando uma nova fase na trajetória da artista. Com quase 20 esculturas, incluindo 5 móbiles, a exposição explora o diálogo entre espaço e materialidade, utilizando aço inox, porcelana e barro.Conhecida por suas investigações sobre arquitetura e espaço urbano, Holck, em seu novo ateliê no Jardim Botânico, no Rio de Janeiro, tem experimentado com a cerâmica para ampliar a escala de suas criações, equilibrando precisão construtiva e gestualidade.A nova exposição de Ana Holck traz uma abordagem renovada à ideia de circularidade, um tema recorrente em sua produção artística, agora enriquecido com novas camadas de significado. Embora as esculturas não sejam cinéticas, elas transmitem uma forte sensação de movimento e velocidade. Esse dinamismo é intensificado pelos jogos de luz e sombra que as obras projetam, criando formas que se expandem pelo espaço.

Rico Dalasam comemora um marco em sua carreira com um show no Cine Joia, no dia 20 de dezembro, celebrando um ano do álbum Escuro Brilhante: Último Dia no Orfanato da Tia Guga e 10 anos do seu primeiro single, Aceite-C. Este evento convida os fãs a refletirem sobre sua trajetória, culminando a trilogia iniciada com Dolores Dala Guardião do Alívio e Fim das Tentativas.

Temple of Shadows - 20º aniversário

A Casa Triângulo inaugura a exposição inédita Outras Simetrias, com trabalhos da produção recente da escultora brasileira radicada em Nova York Juliana Cerqueira Leite. Neles, Juliana utiliza a escultura para explorar o corpo humano, criando esculturas e desenhos que desafiam percepções tradicionais, integrando o corpo em novos contextos e questionando sua estabilidade. A artista promove a instabilidade através de recortes e justaposições, sugerindo novas presenças e espaços. Seus desenhos revelam aspectos latentes, emergindo do gesto artístico e da aparição.A partir de seu corpo, Juliana criou dois moldes com atadura gessada e espelhados, refletindo a mesma pose. Ambos são cortados verticalmente ao meio, segundo o eixo sagital, onde o próprio corpo se espelha, e depois fundidos perpendicularmente. A artista se lança e relança em um trabalho que, para gerar corpos que criam outros espelhamentos, rompe lógicas preexistentes.

Romy Pocztaruk apresenta uma série de fotografias realizadas em 2023 que são resultado de uma pesquisa sobre a imigração japonesa, em São Paulo, onde há a maior comunidade de descendentes japoneses fora do Japão do mundo. A mostra é acompanhada por um texto crítico assinado pela curadora Ana Carolina Ralston. Como acontece frequentemente em sua prática, através da investigação de um campo social a artista desenvolve um diálogo entre objetos, documentos e imagens para a criação de suas fotografias. Buscando trazer à luz tensões não ditas entre o passado e o presente, a artista abre uma discussão a respeito dos limites entre a prática documental e ficcional ao realizar uma série de fotografias encenadas que exploram fantasias ligadas à herança cultural japonesa no Brasil e sua manifestação no presente.

O grupo de pagode Soweto realiza o último show da sua turnê de comemoração dos 30 anos do grupo, um momento que marca o reencontro de Belo com os parceiros de pagode Claudinho, Dado e Cris. Sucessos como “Mundo de Oz”, "Tempo de Aprender”, “Derê”, “Farol das Estrelas” farão parte do show que conta com mais de três horas de duração, com abertura da sambista Ana Clara e DJ FB.

Na última temporada de apresentações de 2024, o Galpão dos Bonecos apresenta uma peça sobre a jornada do naturalista Charles Darwin em sua passagem pelo Brasil em sua famosa viagem de volta ao mundo.

Uma jornada divertida pelo mundo da imaginação e da educação. Além de figurino e cenografia com temática natalina, o repertório de 20 sucessos musicais ganha a música “Natal do Bita” para embalar a festa das famílias.

Melodias inesquecíveis, orquestração primorosa, dramaturgia sensível: La Bohème, de Puccini, é um dos mais sedutores retratos musicais do amor e da juventude.

ORQUESTRA EXPERIMENTAL DE REPERTÓRIO

O príncipe se vê triste e amargurado ao ser transformado em Fera perto do Natal. Entretanto, sua vida mudará para sempre com a chegada de Bela em seu castelo, assim como o destino dos outros personagens. A Fera voltará a acreditar no milagre de Natal? Será que Papai Noel irá na festa de Natal nesta aldeia? É claro que sim; afinal, nada como as músicas mais famosas desta época do ano para encantar o público.

Exposição individual da artista Nina Horikawa, com curadoria de Ana Avelar. Apresentando uma série de trabalhos em óleo e acrílica sobre tela, Nina explora a ambiguidade das relações humanas e as nuances da intimidade. Seu processo pictórico envolve a criação de camadas e o desenho com o pincel, introduzindo elementos que revelam o invisível na superfície da imagem. O corpo humano e as interações entre humanos e não humanos também são temas recorrentes em sua obra, refletindo sobre o rastro da presença humana.A exposição convida o público a refletir sobre a intimidade e o que está oculto na tela. Um fio condutor invisível conecta as composições, aludindo à interconexão entre os indivíduos.

A CAIXA Cultural São Paulo recebe a exposição interativa VIAJANDO COM TAPETES CONTADORES, um projeto inédito do grupo Os Tapetes Contadores de Histórias. Depois de temporadas em Brasília, Fortaleza e Rio de Janeiro, a exposição desembarca na capital paulista.Com 25 anos de carreira, o grupo desenvolve um projeto singular de transposição do livro para a artesania têxtil, sendo o primeiro coletivo nacional a promover exposições interativas dentro de galerias de arte. A visitação é gratuita. As narrativas costuradas e bordadas à mão pelo próprio grupo, em coloridos bonecos, vestimentas, tapetes, caixas, painéis e livros, ganham vida na voz e interpretação dos integrantes do grupo. São obras criadas no Brasil, França e Peru e servem de cenários para histórias do mundo inteiro. Parte delas poderão ser visitadas e assistidas nas contações de histórias, cuja visitação será mediada e incentiva as crianças na experiência lúdica da leitura e da descoberta.

A partir de dramaturgia inédita, Era Uma Vez: Contos, Lendas e Cantigas revisita as Lendas de Nossa Senhora Aparecida e do Negrinho do Pastoreio, abrindo espaços onde, de forma atraente e delicada, pode-se trabalhar a transversalidade dos elementos das Culturas Afrodescendente e Gaúcha, além de uma reflexão sobre o bullying e as diferenças, trabalho infantil e os aspectos que auxiliam na formação da identidade. É entremeado por cantigas extraídas do Cancioneiro Popular Gaúcho e outras especialmente compostas para o espetáculo, executadas ao vivo acompanhadas por violão e percussão. Vale-se de recursos cênicos simples e poucos objetos, abrindo espaço para que o espectador imagine, envolvendo-se, criando imagens e estimulando lúdico em uma atmosfera de interação.

Drama que mergulha no universo corporativo, explorando o custo humano por trás das grandes empresas. Um confronto entre jornalista e CEO revela as complexidades da tragédia e o embate entre poder e responsabilidade.O drama apresentado no texto Realpolitik de Daniela Pereira de Carvalho busca entender o custo de uma vida no negócio das grandes corporações. Pela natureza de entreter e provocar uma reflexão o teatro se mostra um lugar de convívio cordial entre os envolvidos, mas ao mesmo tempo visceral como experiência de fruição da arte. O texto reflete o drama da Realpolitik no dia a dia do indivíduo.

Desde que apareceu na cena, aos 16 anos de idade, foram muitas as vezes que Chris Brown provou o porquê está no topo quando o assunto é pop e R&B. O seu talento vocal somado à habilidade na dança e a um repertório encharcado de hits conectam o cantor e compositor americano diretamente com a memória afetiva de toda uma geração. Vencedor do GRAMMY 2012 de Melhor Álbum de R&B, pelo disco F.A.M.E, ele é também, atualmente, o cantor de R&B com o maior número de entradas na Hot 100 da Billboard na história. Chris Brown, que tem como apelido Breezy (quem lembra do Lil Wayne o chamando por “Chris Breezy” nos primeiros minutos do remix de “Gimme That”?), vem ao Brasil após 14 anos de espera.

No enredo, os quatro personagens do Quintal estão prontos para realizar uma viagem de muita descoberta. Em cada parada, eles descobrem preciosidades da cultura brasileira e de tradições de cada região deste imenso Brasil. Em cena, o palco se transforma no itinerário da própria viagem. Eles passam por estradas que levam de um lugar a outro, param em vilarejos, visitam fazendas e, nessa saga, conhecem pessoas incríveis que trazem histórias ricas da tradição regional. A viagem será contada com recursos cenográficos e figurinos que aguçam a imaginação do espectador. Em cena com os personagens do Quintal, atores/músicos participam da encenação tocando vários instrumentos, dançando, cantando e se transformando em vários personagens.

A exposição estabelece um diálogo sensível entre temas contemporâneos – tais como a valorização da diversidade, direitos humanos, questões indígenas, de gênero e raciais – apresentados por meio de obras de relevantes artistas nacionais e internacionais, e a celebração da vida de Anne Frank, contextualização histórica e imersão no Anexo Secreto, através de materiais fornecidos pela Anne Frank House Amsterdã.Em um percurso expositivo imersivo, a mostra utiliza O Diário de Anne Frank como obra fundamental, que revisitado no presente torna-se objeto de memória, um potencial manifesto humanista e poderosa declaração ética. A reprodução fiel do Anexo Secreto é uma iniciativa inédita no Brasil, um convite à imersão num espaço de memória reconstituído, com objetos e marcas pessoais mencionadas em passagens do Diário. De relato pessoal, tornou-se uma obra fundamental na trajetória da luta pelos direitos humanos, no combate ao antissemitismo e todas as formas de intolerância, e na construção da ideia de humanidade. Nessa missão, felizmente, Anne não está sozinha. Muitas vozes uniram-se a ela.A exposição propõe um diálogo com o momento atual por meio de um espaço que abriga um conjunto de obras de arte originais de grandes nomes do cenário cultural nacional, como Claudia Andujar, Leonilson, Flávio Cerqueira, Nino Cais, Eustáquio Neves, Anna Bella Geiger, Gê Viana, Erich Brill, entre outros — em empréstimos do MAM (Museu de Arte Moderna), Pinacoteca de São Paulo e galerias de arte.

41ª temporada do clássico ballet "O Quebra-Nozes", uma produção da tradicional Cisne Negro Cia de Dança. Este espetáculo, que se tornou sinônimo de Natal da capital paulista, é apresentado ininterruptamente desde sua estreia, oferecendo ao público a oportunidade de vivenciar a magia das festas natalinas por meio da dança e com a belíssima música de Tchaikovsky.A história, dividida em dois atos, narra a fantasia de Clara, uma menina que recebe diversos presentes na noite de Natal, mas se encanta especialmente com um boneco quebra-nozes, dado por seu tio. Ao adormecer, Clara é transportada para um universo mágico onde brinquedos ganham vida, dançam e travam batalhas, levando-a ao encantador Reino das Neves e ao deslumbrante Reino dos Doces. Lá, Clara e seu príncipe são homenageados com danças típicas de diversos países, culminando em um grandioso grand pas-de-deux da Fada Açucarada.

O espaço expositivo voltado à arte, cultura e sustentabilidade apresenta a mostra individual do fotógrafo Christian Cravo, com curadoria de Carolina Pileggi, fundadora do espaço.A exposição apresenta fragmentos da viagem do artista a países como Gana e Bangladesh em uma reflexão sobre os impactos da ação humana no meio ambiente. Os temas abordados são urgentes e atuais, como a injustiça ambiental e a colonização de resíduos.O artista aborda em suas imagens espaços residuais que emergem do descarte industrial em lixões. Ele propõe uma visão inovadora de áreas frequentemente negligenciadas, apresentando-as como ambientes em constante transformação e resiliência.A mostra também aborda a prática do colonialismo de resíduos, em que países desenvolvidos exportam lixo industrial para países em desenvolvimento, revelando uma dura realidade de desigualdade social e ambiental, amplamente observada desde os aterros de Gana até os desertos do Oriente Médio.

Escrita pós Segunda Guerra Mundial, nasce para o mundo mais uma vez, como sempre surgiu, entre guerras, estremecendo nossas inércias e os abismos que nos circundam.Esperando Godot é uma peça de forte simbologia para a Companhia e a última direção de Zé Celso no teatro Oficina.Estragão (Marcelo Drummond) e Vladimir (Alexandre Borges) são dois palhaços vagabundos que se encontram no fim do mundo, na encruzilhada entre a paralisia e a tomada da ação. Enquanto esperam Godot, embora não saibam quem ou o que é, a dupla se encontra com as personagens que passam pela estrada: Pozzo – O Domador (Ricardo Bittencourt), Felizardo – A Fera (Roderick Himeros) e O Mensageiro (Tony Reis), que traz notícias inquietantes que podem determinar a perpetuação da inércia ou a libertação total da paralisia numa reviravolta absurda.Mas afinal, até quando Esperar Godot?

Dino Fonseca está viajando o país com o seu novo projeto, a turnê “Acoustic Session”.

A exposição imersiva celebra os 25 anos da série de animação. O mundo de Bob Esponja e de seus amigos é transportado para o MIS Experience, com cenários do mundo subaquático: como o abacaxi em que Bob mora e a hamburgueria Siri Cascudo, assim como um acervo de produtos e storyboards originais do desenho.

O Shopping Eldorado recebe uma exposição imersiva focada nos dinossauros de Jurassic World, com esculturas dos animais pré-históricos feitas em LEGO, em diversos tamanhos, utilizando mais de seis milhões de peças do bloco de montar. Além disso, o evento conta com réplicas de cenários dos filmes da saga.

Pela primeira vez, o Brasil recebe uma pista de kart no gelo, em um circuito que promete proporcionar aventuras e adrenalina para as crianças (a partir de 08 anos) e adolescentes.

O Réveillon no Martinelli marca a entrada de 2025 no alto do centenário e histórico Edifício Martinelli, e também a despedida do projeto M100 antes do início das obras que vão dar vida a um novo Martinelli, pronto para ser um dos maiores pontos turísticos do Brasil e do mundo.

“Corpos Luminosos”, primeira individual de Marina Caverzan na Janaina Torres Galeria, convida o público a atravessar fronteiras e acessar novas formas de percepção. Com curadoria de Ana Roman e a participação especial de Artur Lescher, a mostra explora a interseção entre espiritualidade, abstração e cultura contemporânea.Inspirada pelo texto O Mundo Resplandecente, de Margaret Cavendish, do século 17, precursor da ficção científica, a exposição propõe um diálogo entre ciência, filosofia e imaginação, onde “corpos luminosos” emergem como metáfora para expandir os modos de apreensão da realidade.A mostra conta com pinturas, livro de artista e instalação de Marina Caverzan, além de um conjunto de três esculturas em granito de Artur Lescher, criam um ambiente imersivo onde diferentes linguagens artísticas dialogam com questões filosóficas e metafísicas.Indicada ao Prêmio Pipa 2023, Marina Caverzan revigora o repertório do abstracionismo geométrico, imprimindo, à racionalidade, o oculto e o simbólico, onde referências à alquimia, matemática e rituais espirituais se encontram. Em suas pinturas e instalações, a artista explora a abstração como um meio para evocar estados de consciência transformadores, nos quais o visível e o oculto coexistem.

Como parte das comemorações do 20º aniversário do museu, a exposição revisita a trajetória e o legado da instituição. Ao longo de duas décadas, o Museu Afro Brasil abrigou e promoveu exposições que celebram a história e a cultura afro-brasileira, e também desafiam narrativas que limitam o papel dos negros no Brasil e no mundo. Exposições como "Brasileiro, Brasileiros" (2004), "Benin está vivo ainda lá" (2007) e "Isso é coisa de preto – 130 anos da abolição da escravidão: arte, história e memória" (2018) mostram o esforço do museu em se posicionar como um espaço de luta coletiva.

A exposição acontece em um momento de comemorações dos 20 anos do Museu Afro Brasil. Ela enxerga questionamentos sobre o que é definido como 'popular' nas artes, desafiando as categorizações que rotulam muitas vezes esses artistas como 'ingênuos' ou com pouca formação acadêmica.A mostra apresenta obras de mestres como Cândido Santos Xavier, Luiz Antônio da Silva, Ciça - Cícera Fonseca da Silva, M. L. C. - Maria de Lurdes Cândido, Jadir João Egidio, M. C. M. - Maria Cândido Monteiro, Mestre Noza, Manuel Graciano Cardoso, Mestre Vitalino (e família), Véio e Dedé. A pluralidade da arte popular é explorada em várias dimensões, desde as peças multicoloridas e antropo-zoomorfas até o minimalismo das formas. As obras são expostas em diálogo, permitindo ao visitante uma experiência imersiva. A viagem começa com os barcos de Exu de Cândido Santos Xavier, atravessa as memórias e retratos esculpidos da “Família quilombola” de Mauro Firmino e se encerra no realismo fantástico de sereias e seres míticos brasileiros, com esculturas de Resêndio e Manuel Graciano Cardoso.

inspirada nas ideias de Cheikh Anta Diop, "Uma História do Poder na África" destaca a relevância da África na formação das civilizações mundiais, reconhecendo o Egito antigo como parte integrante do continente africano. As obras expostas exploram a intersecção entre passado e presente, com destaque para relíquias egípcias que reforçam a importância cultural e histórica do Egito para a África subsaariana.Dois nomes contemporâneos ganham destaque: a angolana Damara Inglês e a guineense Gisela Casimiro, artistas com obras especialmente comissionadas para essa exposição. Ambas trazem perspectivas atuais que dialogam com o conceito de poder e ancestralidade africana, contribuindo para uma releitura crítica da arte africana em suas diversas manifestações.Entre os artefatos e obras mais marcantes, estão o Trono do Reino Daomé, o Banco Luba e a Cabeça de bronze de Yoba, além de peças raras da antiga civilização egípcia. As conexões culturais entre o Egito e o resto da África, tão defendidas por Diop, são evidenciadas ao longo da mostra, que se divide em cinco núcleos temáticos.

A exposição tem a proposta de apresentar de maneira acessível as obras do artista Rubem Valentim, a partir de uma experiência que inclui fotografias, serigrafias e esculturas adaptadas para pessoas com deficiência. A mostra, baseada em obras do acervo do Museu, abrange elementos com recursos acessíveis instalados no subsolo e obras originais localizadas no primeiro nível do espaço. Os elementos com recursos acessíveis incluem duas reproduções táteis tridimensionais e três reproduções bidimensionais das obras originais que serão apresentadas na exposição instalada no primeiro nível. Além disso, a mostra conta com jogos interativos, um mapa tátil e um retrato tátil do artista homenageado.

O dia a dia do povo brasileiro é atravessado pelas presenças africanas na forma como nos expressamos – seja na entonação, no vocabulário, na pronúncia ou na forma de construir o pensamento. É sobre essas presenças que trata a exposição com curadoria do músico e filósofo Tiganá Santana. Línguas dos habitantes de terras da África Subsaariana, como o iorubá, eve-fom e as do grupo bantu, têm participação decisiva na configuração do português falado no Brasil, seja em seu vocabulário ou na maneira de pronunciar as palavras e de entoar as frases, mesmo que esta estruturação não seja do conhecimento dos falantes. Trata-se de uma história e de uma realidade legadas por cerca de 4,8 milhões de pessoas africanas trazidas de forma violenta ao país entre os séculos 16 e 19, durante o período do regime escravocrata. Além da língua, essa presença pode ser sentida em outras manifestações culturais, como a música, a arquitetura, as festas populares e rituais religiosos.

O circuito expositivo apresenta uma instalação cênica, que evoca o mito de Narciso, paradigma da cultura ocidental relativo ao cultivo da própria imagem, ao olhar do artista para si mesmo. O espelho d’água e a flor amarela em que Narciso se metamorfoseou apresentam a versão mais difundida da fábula. Mais do que uma leitura de fundo psicanalítico, o mito de Narciso é tomado como matéria alegórica referida à questão da autorrepresentação artística e do fenômeno contemporâneo da selfie.A exposição oferece ao visitante conhecer através de uma linha do tempo, a transição dos autorretratos fotográficos analógicos para as selfies digitais e experimentar sensorialmente variações de sua autoimagem refletida em instalações compostas por espelhos multicoloridos.