A turma do Mundo Bita (animação que é um fenômeno entre as crianças) apresenta o seu show musical e educativo, que busca enfatizar a importância da educação inclusiva e democrática, por meio de um repertório com canções inéditas e clássicos de outras temporadas.

A curadoria propõe um recorte de obras, realizadas entre as décadas de 1960 e 1970, no Brasil, por artistas representativos da nova figuração, do teor político e da explosão colorida do pop, como Wesley Duke Lee, Claudio Tozzi, Antonio Dias, Cildo Meireles, Nelson Leirner, Raymundo Colares, Rubens Gerchman, Carlos Zilio, entre outros.

A Mitre Galeria apresenta a primeira exposição individual de Éder Oliveira (1983, Timboteua) em sua nova sede em São Paulo. A exposição intitulada “Pequenos contratos sociais” apresenta pinturas inéditas em médio e grande formato do artista paraense, investigando como modos de organização comunitária são pautados por tomadas de decisões em várias esferas – da macro à micropolítica, de tratados e demarcações coloniais do século 17 a acordos feitos nos dias atuais em conversas informais em mesas de bar ou à beira de um cais.Esses tópicos partem da análise da Amazônia brasileira por Oliveira que, há duas décadas, se debruça sobre o tema da pluralidade das identidades do sujeito amazônida – e das propagações desses estereótipos – em sua prática de pintura. Os novos trabalhos reverberam questionamentos acerca da banalização da violência em núcleos urbanos, tácitos atos de desobediência sociopolítica e a hostilidade sistêmica em torno da conquista de território e moradia.

A galeria apresenta uma exposição individual do artista Claudio Tozzi, com obras realizadas pelo artista entre 1968 e 2024, percorrendo mais de cinquenta anos de intensa produção, durante os quais refletiu sobre o poder da imagem construída em um trânsito visual entre o espaço público e o espaço privado. A mostra conta com texto crítico assinado pelo curador Diego Matos.O artista teve um papel importante na pintura brasileira durante a década de 70, dentro do contexto da Nova Figuração Brasileira, uma leitura crítica sobre a emergente cultura de consumo de massas que se integrava a uma Ditadura Militar recém-instaurada. Dedicava, nesses primeiros anos, uma especial atenção aos símbolos ligados à militância popular, como as imagens da multidão em protesto ou do rosto de Che Guevara.

Primeira individual do artista Jean Araújo (Vitória da Conquista, 1975) na galeria Luciana Caravello. Com curadoria de Roberto Bertani, a mostra reúne 22 obras inéditas que marcam uma constante evolução da pesquisa pictórica do artista, apresentando as recentes experiências com a cor e suas interações com a luz e o espaço. Diferentemente da pintura tradicional, sinônimo de permanência e eternidade, as obras desta exposição produzem um acontecimento cromático que evolui continuamente junto com o espectador e com a mudança da luz, em aberta contradição com a natureza e os cânones do espaço pictórico tradicional.O trabalho e a pesquisa de Jean Araújo constroem um diálogo com os principais nomes da arte óptica e cinética, como Carlos Cruz-Diez, Jesús Rafael Soto e Júlio Le Parc. Tal como os mestres, a obra de Araújo explora o movimento de maneira peculiar: em vez de elementos físicos em deslocamento, é a própria experiência visual do espectador que "se move" conforme ele interage com as cores.

Dois grandes nomes da história da música dividem espaço com uma compositora que só recentemente tem recebido devida atenção. A direção cabe ao franco-suíço Joseph Bastian, regente principal da Orquestra Dijon Bourgogne e da Orquestra Jovem da Ásia, além de maestro titular da Sinfônica de Munique.A ópera Lohengrin pertence ao período intermediário de Richard Wagner, antes que ele escrevesse obras seminais como Tristão e Isolda e a tetralogia O anel do nibelungo. O tocante prelúdio inicial da ópera inicia este concerto.Apesar das oito sinfonias que escreveu e de ter sido figura popular no século XIX – a ponto de ganhar elogios sexistas como “Schubert de saias” ou “Beethoven feminino” –, Emilie Mayer, como a maioria das compositoras de seu tempo, foi quase esquecida após sua morte. Sua obra tem sido recuperada nos últimos anos, e uma das mais impressionantes é a Sinfonia nº 7.Reunindo importantes solistas brasileiros, o programa se encerra com o Réquiem de Mozart. Doente e com outros compromissos, Mozart morreu antes de concluir esta encomenda, que foi finalizada por seus alunos. Isto não impediu, no entanto, que a obra se tornasse uma das mais importantes do autor.

Em SEREI SEREIA? contamos a bonita história da menina Inaê, que nasceu com um grande desafio: ela não pode andar. Sua mãe, então, conta à menina uma história em que, na verdade, Inaê é uma sereia, e por isso ela jamais poderia andar como os humanos. Que ao nascer em nosso mundo, a sua linda cauda de peixe foi transformada em pernas que, porém, não se adaptaram a essa nova condição. Assim, Inaê vive entre um mundo de fantasia, em que ela é a Princesa do Reino do Fundo do Mar, e a sua realidade, onde é uma criança cadeirante que, além das dificuldades diárias impostas pela falta de acessibilidade, também precisa enfrentar preconceitos. O espetáculo da Cia Truks, com sensível poesia, contará a trajetória da menina no caminho do entendimento dos limites entre a fantasia e realidade, bem como a luta da sua mãe para que ela se fortaleça e possa crescer de forma animicamente forte e saudável.

Esta intervenção inédita propõe encontros provocativos entre dança, música e artes visuais, tendo o choro como fio condutor para processos criativos coletivos e transversais nessas linguagens artísticas. As criações coreográficas são acompanhadas de interpretações musicais ao vivo, e contaminam o olhar dos artistas visuais, que se alternam produzindo pinturas de grandes dimensões e projeções audiovisuais. De maneira leve e descontraída, estes encontros abrem espaço para que o público se sinta acolhido e convidado a participar, inaugurando espaços de troca e co-criação.

Uma peça-ensaio, que é também uma peça-filme, sobre a violência racial e de gênero, enfeixando a narrativa sobre o julgamento por assassinato de um homem negro alforriado e o destino de uma jovem mulher negra em 1854, aspectos da trajetória de uma mulher negra desde os anos 1970, e cenas da tortura e da prisão nos porões da ditadura civil-militar. Trata-se de um ensaio sobre o sentido da violência na forma de um exercício de fuga como prática de pensamento: o terror é branco e sua permanência entre nós é a única linha contínua de nossa história

Gesualdo Brilhante, um motorista de aplicativo com dificuldade em dizer não, é surpreendido por três soldados do exército que, desesperados com a ausência de um colega em uma missão inesperada, o convencem a assumir o lugar do desertor. O soldado ausente, preso após um roubo malfadado em um terreiro de candomblé, desencadeia uma cadeia de eventos que obriga Gesualdo a mergulhar em um universo de autoritarismo e violência.Em meio à tensão crescente de uma guerra iminente, Gesualdo, incapaz de resistir ao fluxo, se transforma em uma engrenagem implacável de um sistema bélico. Em meio a tambores e confetes, mesclando a iminência do conflito à efervescência de um desfile de carnaval, os personagens transitam entre o riso e o desespero, entre o grotesco e o sublime. Livremente inspirado em “Um Homem é um Homem” de Bertolt Brecht.

CRYSÁLYDA é um solo de dança que parte da obra autoral “Casulo”, criada em 2021, e utiliza a metamorfose da borboleta como metáfora para as transformações de um corpo trans não binárie, originarie, gorde e periférico. A obra denuncia a pobreza, a violência e o preconceito contra povos originários e negros no Brasil, enquanto narra, poeticamente, um “mundo de dentro” em constante construção e reinvenção. Dialoga com temas como o colorismo, parte essencial das inquietações da identidade de quem cria. Entre ovo, larva, pupa e borboleta, a obra é um manifesto de resistência e reinvenção, ecoando sentidos e pulsões em busca de liberdade.

A exposição apresenta trabalhos variados cuja temática está centrada nos mitos da criação do mundo das religiões afro-brasileiras. Na mostra, estarão reunidos trabalhos de 14 artistas, em técnicas diversas, em cujas obras as narrativas afro-brasileiras estão fortemente representadas. Pinturas, desenhos, esculturas, fotografias, instalações e as mais variadas expressões, linguagens e técnicas dão forma à exposição.Entre o Aiyê e o Orun tem como objetivo colocar em pauta a produção artística afro-brasileira influenciada pela cosmologia africana, num movimento de reconhecimento e valorização das matrizes culturais. Além da relevância artística dos trabalhos expostos, ainda se destaca a diversidade de suportes e técnicas apresentadas, exaltando a diversidade da produção artística oriunda da Bahia, berço da cultura africana no Brasil. A mostra contempla expoentes das artes plásticas como Agnaldo dos Santos (1926- 1962), Carybé (1911-1997), Emanoel Araújo (1940-2022), Jayme Figura (1959-2023), Mario Cravo Jr. (1923-2018), Mario Cravo Neto (1947-2009), Mestre Didi (1917-2013), Pierre Verger (1902-1996), Rubem Valentim (1922-1991), Ayrson Heráclito, Caetano Dias, J. Cunha, José Adário e Nadia Taquary

Artista Visual voltada para as infâncias, Maria Ezou apresenta uma instalação interativa, que materializa uma cidade imaginária e biocêntrica, uma fortaleza onírica onde os seres humanos, seus corpos, as casas e o restante da natureza são partes de um mesmo sistema: harmônico e fantástico. A artista criou 15 esculturas chamadas de "casas-corpos", moldados a partir do tronco de seu próprio corpo e que apresentam, em cada um, pequenas miniaturas.

Diversas e inusitadas soluções de design e processamento sustentável de recursos naturais ganham destaque na exposição inédita "Princípios japoneses: design e recursos". A mostra reúne 16 projetos de 14 criadores que apostam em formas de aproveitamento máximo e minimização de desperdícios dos recursos e materiais, além de iniciativas para valorização de recursos e técnicas tradicionais japonesas. Com muitas possibilidades, a exposição apresenta iniciativas em áreas como arquitetura, design, artesanato tradicional, têxteis, itens de esporte e instrumentos musicais.A inspiração para a mostra nasceu da longa tradição do “não desperdício”, parte da filosofia japonesa mottainai – junção do vocábulo de origem budista “mottai”, que se refere à essência das coisas, com a partícula “nai”, que indica negação na língua japonesa.

A exposição parte da curiosa coleção máscaras mortuárias — moldadas sobre o rosto de pintores como Almeida Júnior e Pedro Alexandrino — para investigar os modos como artistas lidam com o tempo e sua experiência. Reunindo cerca de 40 esculturas, que vão do século XII aos dias de hoje, a mostra é uma oportunidade para refletir sobre a linguagem, ver e rever obras fundamentais do acervo da Pinacoteca.

A exposição apresenta um panorama de 40 anos da fotografia contemporânea feita por mulheres amazônicas. Projeto do Museu das Mulheres, com curadoria de Sissa Aneleh, a mostra nasce de um extenso trabalho de pesquisa que vem sendo realizado há mais de uma década e propõe reflexões sobre identidade, território e memória, a partir da perspectiva de temáticas de 11 fotógrafas.A exposição reúne cerca de 160 obras – incluindo fotografias, jornais artísticos, propostas fotográficas, áudios e vídeos – distribuídas em cinco andares do edifício do CCBB.

Maior exposição realizada pelo Museu Judaico de São Paulo desde sua inauguração em 2021, Judeus na Amazônia abre suas portas ao público no dia 2 de novembro. Reunindo mais de 220 itens entre obras de arte, vídeos, documentos históricos e fotográficos, a mostra propõe dar conta de um capítulo pouco conhecido da história brasileira: a imigração judaico-marroquina para a Amazônia, que aconteceu entre 1810 e 1930, trazendo centenas de famílias que viviam em cidades como Tânger, Tetuan, Fez e Marrakesh. Na região se estabeleceram como regatões, os mascates dos rios, e atuavam no período do auge da economia da borracha levando e trazendo mercadoria das cidades para os seringais. Com curadoria conjunta de Aldrin Moura de Figueiredo, Ilana Feldman, Mariana Lorenzi e Renato Athias, a panorâmica é fruto de uma pesquisa de dois anos realizada pelo Museu e ocupa três andares de sua sede. Com obras de artistas como Claudia Andujar, Donna Benchimol, Thomaz Farkas, Arieh Wagner, Sergio Zalis, Abrão Bemerguy e Mady Benzecry – além de três obras comissionadas –, o projeto propõe um olhar ampliado sobre como a cultura judaica se ambientou em diferentes localidades amazônicas, influenciando e sendo influenciada, sem perder suas raízes.

Adrian Younge apresenta em São Paulo a turnê que celebra o lançamento do álbum final da trilogia Something About April III. O show promete uma noite inesquecível, com uma orquestra de 40 músicos e participações especiais de Samantha Schmütz, Céu, Luiza Lian, Hyldon e Carlos Dafé, artistas que colaboraram com Younge em suas produções.A data coincide com o aniversário de Adrian Younge, tornando o evento ainda mais especial. Não perca essa celebração única da música que une grandiosidade orquestral, soul cinematográfico e influências da psicodelia brasileira.

A homenagem à madrinha do samba terá Arlindinho, Sombrinha, Mosquito, Lu Carvalho e Prettos, em única apresentação

Para celebrar os 20 anos deste importante momento de sua carreira, o IRA! preparou uma turnê especial em 2025, revivendo o repertório do álbum em formato acústico, com a companhia de músicos de apoio, aproximando ao máximo o público e matando as saudades dessa experiência incrível que foi o “IRA! Acústico MTV”.

O percussionista, compositor e arranjador Caíto Marcondes (1954) é um músico versátil, prolífico e inquieto, que tem especial relação com os instrumentos de cordas. Carioca crescido no interior de São Paulo e radicado na capital, na juventude dedicou-se ao piano e ao violão, além de estudar composição com Hans-Joachim Koellreutter e harmonia com Mário Ficarelli. Sua produção e atuação desafiam as fronteiras entre a música clássica e a popular: como percussionista, já colaborou com artistas como Marlui Miranda, Hermeto Pascoal, Toninho Horta, Milton Nascimento, Francis Hime, Joyce e Monica Salmaso. Ao lado do violinista norte-americano Tracy Silverman, seu parceiro de longa data, foi solista de diversas peças para orquestra de sua própria autoria. Compôs para balé, teatro e cinema (angariando vários prêmios); criou e dirigiu projetos musicais e séries; além de conceber e apresentar um programa na Rádio Cultura. Lançou sete discos, no Brasil e no exterior. Seu primeiro álbum solo, Porta do Templo (Califórnia, 1995), teve colaboração do premiado Turtle Island String Quartet, quarteto de cordas norte-americano que se dedica a repertórios da música popular e do jazz, e do trombonista François de Lima, integrante da Banda Mantiqueira. Caíto assina a autoria da maioria das músicas, além de todos os arranjos para essa formação original de quarteto de cordas, trombone e percussão – que ele mesmo toca no disco. Relançado na Alemanha em 1998, o álbum foi indicado como um dos 150 melhores do ano na Europa no World Music Charts Europe, e chamou a atenção de Marcelo Jaffé, violista do Quarteto de Cordas da Cidade de São Paulo – que já conhecia a escrita para cordas de Caíto por seus arranjos para a Orquestra Jazz Sinfônica, da qual ele foi tanto músico como diretor artístico. Assim, surgiu a ideia da colaboração do Quarteto com Caíto – que se materializa agora, quase três décadas depois.

A galeria A Gentil Carioca apresenta a exposição individual de Pascale Marthine Tayou em São Paulo. Nascido em 1966, em Nkongsamba, Camarões, Tayou vive e trabalha entre Ghent, Bélgica, e Yaoundé, Camarões. Conhecido por sua abordagem inovadora e dinâmica da arte, Tayou exibirá um conjunto de novas obras criadas especialmente para esta ocasião. Explorando sua prática multifacetada, que transcende meios e aborda temas como mobilidade, troca cultural e as complexidades da identidade, a exposição dá continuidade à reflexão do artista sobre suas origens africanas e o mundo globalizado.Com uma carreira que inclui importantes eventos internacionais como Documenta, Bienal de Veneza e São Paulo e Tate Modern, o trabalho de Tayou segue sendo uma poderosa reflexão sobre a interconexão das culturas e o lugar do indivíduo na aldeia global.

O artista Zé Tepedino apresenta sua segunda individual na galeria. A mostra “Vento Corta” reúne um conjunto de obras recentes que exploram diferentes materialidades, escalas e ritmos, construindo sistemas poéticos em constante diálogo. Elementos corriqueiros se aproximam e se repetem, mas nunca de maneira idêntica.Muitos trabalhos são atravessados tanto pela ideia de vento - como nas obras com bandeiras - quanto pela ação de cortar, um gesto recorrente.Assim como o vento, quase invisível, a mostra se revela na relação com o tempo, afirmando sua presença no instante e na memória.“O vento é sutil, muitas vezes imperceptível, assim como muitos dos materiais com os quais escolho trabalhar. No entanto, pela repetição de gestos simples, esses materiais ganham presença e se afirmam no corte—uma marca física e evidente”, explica Tepedino.

A galeria apresenta, em suas duas salas, a exposição individual de Marcius Galan, com obras inéditas que exploram a resistência, a instabilidade e o equilíbrio dos corpos no espaço. O artista apresenta instalações e objetos que parecem à beira do colapso, mas mantêm suas funções, tensionando matéria e movimento.Entre os destaques, a instalação Cinema (2025) simula o voo de vaga-lumes em uma sala escura, em homenagem a Pier Paolo Pasolini; Anti-horário mostra um galho desenhando círculos no deserto; e Infinito (1999), único trabalho anterior, é um tubo de vidro interrompido por cera.Na Sala 2, obras com pedras, carvão e ferro confrontam peso e equilíbrio, como em Memória geológica, Força resultante e Baixa resolução, evocando desde tensões físicas até paisagens devastadas. Já Orbital combina pintura e pedras minerais em movimentos circulares que gravam marcas na superfície.

A artista Lia D Castro apresenta obras inéditas na exposição individual "Passantes". Em sua nova série, Lia D Castro parte de um gesto simbólico: a compra de pinturas com os temas de naturezas-mortas e paisagens em antiquários, sobre as quais intervém ao pintar pés masculinos. Esses pés pertencem a homens que foram criados por mulheres — mães, tias, avós —, dentro de um sistema matriarcal. A proposta de Castro inclui, ainda, um jogo visual que desestabiliza a leitura comum desse gênero de pintura ao posicioná-las de ponta cabeça, criando um contratempo ótico que nos convida a olhar para o trabalho de arte sob um novo ângulo. Essa inversão também sugere uma releitura do museu e da própria história da arte, desafiando a persistente “retina colonial”, termo utilizado pela artista para descrever o olhar eurocêntrico que moldou a produção e a recepção das imagens ao longo dos séculos.

Nessa ação a proposta é de uma pequena instalação lúdica com diversos brinquedos sensoriais não estruturados, criados com reaproveitamento de materiais. Esses brinquedos despertam a curiosidade e a imaginação das crianças, provocando uma pergunta que é disparadora de um processo lúdico e criativo: O que é isso?

Espetáculo infantil indígena que aborda os direitos das crianças indígenas em contexto urbano, explorando três dimensões fundamentais da vida em sociedade: Infância, Corpo e Territorialidade. Idealizado por Lenise Oliveira, o espetáculo tem direção de Marina Esteves, direção musical e produção musical de Dani Nega, direção de movimento de Marina Esteves e Key Sawao, e dramaturgia de Lenise Oliveira e Idylla Silmarovi.

Para celebrar os 20 anos deste importante momento de sua carreira, o IRA! preparou uma turnê especial em 2025, revivendo o repertório do álbum em formato acústico, com a companhia de músicos de apoio, aproximando ao máximo o público e matando as saudades dessa experiência incrível que foi o “IRA! Acústico MTV”.

A Simões de Assis apresenta um conjunto de 10 obras de Jorge Guinle, sendo nove em grande formato, realizadas pelo artista durante sua temporada em Nova York, entre 1985 e 1986. Pela primeira vez reunidas e trazidas ao Brasil, essas pinturas marcam um momento singular em sua trajetória, combinando maturidade artística com a densidade emocional que permeou seus últimos anos de vida.No período em que produziu essas telas, Guinle participou da 17ª Bienal de São Paulo e realizou exposições individuais em importantes galerias. Paralelamente, enfrentava o impacto de um diagnóstico de doenças relacionadas à aids, que levaria ao seu falecimento em 1987. As telas dessa fase nova-iorquina revelam um percurso intenso e visceral, no qual suas composições se tornam mais diluídas e translúcidas, sem perder a vibração gestual e cromática que caracterizou sua obra.A exposição conta com texto assinado por Vanda Klabin, curadora, historiadora e amiga próxima do artista, que contextualiza a importância desse conjunto dentro da produção de Guinle. Reconhecido por sua abordagem singular dentro da pintura contemporânea brasileira, ele estabeleceu um diálogo intenso com as tendências internacionais da época, como o expressionismo abstrato e a pintura norte-americana do pós-guerra. Ao longo de sua curta, mas intensa carreira, Guinle foi um dos grandes incentivadores da revalorização da pintura nos anos 1980, sendo uma referência fundamental para a chamada Geração 80.

Espetáculo infantil indígena que aborda os direitos das crianças indígenas em contexto urbano, explorando três dimensões fundamentais da vida em sociedade: Infância, Corpo e Territorialidade. Idealizado por Lenise Oliveira, o espetáculo tem direção de Marina Esteves, direção musical e produção musical de Dani Nega, direção de movimento de Marina Esteves e Key Sawao, e dramaturgia de Lenise Oliveira e Idylla Silmarovi.A história acompanha Dalú, uma criança indígena que é obrigada a deixar o território de seu povo, em Mairi (Belém do Pará), e migrar com a mãe para a periferia de um grande centro urbano, Nhe’e ry (São Paulo). Na cidade, mãe e filha enfrentam desafios como o preconceito e a violência policial. Durante uma operação policial, Dalú vê sua vizinha implorando por compaixão – uma palavra que desperta nela um sentimento profundo. Quando sua própria casa é invadida, a menina clama por seus ancestrais e embarca em uma jornada através de seu rio de memórias, acompanhada por seus amigos boldo, alecrim e capim-cidreira.Ao longo dessa travessia, Dalú imagina novas cartografias e camadas de mundo, conectando-se às cosmovisões dos povos originários. Em um universo onde os vivos não estão distantes dos encantados, ela busca as M’bae (riquezas) de seu povo e aprende com os ensinamentos da natureza. Nessa jornada, reafirma valores fundamentais como sabedoria, intuição e coragem.

O célebre drama giocoso, com pitadas de comédia e toques sobrenaturais, fruto da parceria explosiva entre Wolfgang Amadeus Mozart e o libretista Lorenzo Da Ponte, volta ao Theatro Municipal de São Paulo numa nova e vibrante encenação assinada por um mestre do picadeiro: Hugo Possolo.

Júlia Rabello, Maria Clara Gueiros e Priscila Castello Branco conquistam o público em ‘Agora É Que São Elas!’, as atrizes se transformam em vinte personagens, entre femininos e masculinos, como protagonistas de nove esquetes escritos por Fábio Porchat. ‘Agora é Que São Elas!’ se destaca pelo humor autêntico, com espaço para improvisação, aproximando o público de cada cena. E, como uma das linguagens mais dinâmicas do teatro, cada esquete pode ser interpretado de maneira diferente a cada apresentação, oferecendo à plateia a sensação de estar assistindo a um espetáculo exclusivo a cada vez.

Exposição individual da artista paulistana Cristiane Mohallem. Suas obras convidam o público a adentrar um universo onírico por meio de onze tapeçarias bordadas e seis pinturas que transitam entre o abstrato e o figurativo.Inspirada pelo poema "Eros e Psique", de Fernando Pessoa, Mohallem transforma experiências e memórias em paisagens imaginárias. Partindo de lugares que fazem parte do seu cotidiano, como uma praça em São Paulo até um pequeno vilarejo na Islândia, suas obras entrelaçam cores e formas que evocam tanto familiaridade quanto estranhamento.

A proposta desses livros é possibilitar um diálogo entre sensorialidade, imaginação e histórias. Eles foram confeccionados com diferentes texturas, diversos elementos e propostas interativas, a fim de permitir ricas explorações e investigações, como apertar, puxar, girar, movimentar, entre outras.

1300° (qual a saúde de um vulcão?) explora a sobreposição entre formações vulcânicas e a estratificação social, propondo um diálogo entre processos de destruição e saúde. Malu Avelar utiliza intensas propostas corporais para abordar a descolonização do corpo, trazendo a argila e a energia vulcânica como orientações, refletindo sobre o humano como caco, potência da matéria destruída, conectando carne e espiritualidade.Comparações entre processos vulcânicos e estruturas ou normas humanas, como, por exemplo, os processos de atrito e destruição que compõem ciclos de saúde, levantam imaginários e provocações que são respondidas em cena pela artista por meio de intensas propostas corporais. Viver tais processos vulcânicos torna-se um modo de propor a descolonização do corpo, indo além da concepção tradicional de humanidade. Essas energias vulcânicas, assim como o viver a argila, são trazidas como uma orientação possível para encontrar a saúde através da destruição, é a destruição como meio. O espetáculo se afasta da noção de cura enquanto fim e se apresenta como um processo de saúde. Diversas mitologias abordam o barro como matéria de formação humana, como a base da criação da forma humana. A artista nos entrega um movimento que emerge da carne e se conecta ao espiritual, o que, para ela, é a missão do corpo que se propõe a dançar.

Nome importante do rock, a banda O System Of A Down apresenta uma turnê pela América do Sul em 2025, marcando o retorno da banda após quase 10 anos.

Com curadoria de Renato De Cara, curador do Paço das Artes, a exposição traz 58 trabalhos de 18 artistas que, por meio de suas obras, refletem sobre os impactos significativos e, muitas vezes, irreversíveis das ações humanas ao meio ambiente. Para além das mudanças nas paisagens, os artistas exibem exercícios de imaginação para um futuro fantasioso, investigando linguagens, representações utópicas, apocalípticas e objetos ficcionais.Artistas convidados: Alexandre Ignácio Alves, Ariel Spadari, Brunøvaes, Chico Santos, Felipe Góes, Hugo Fortes, Lalo de Almeida, Leila de Sarquis, Luanna Jimenes, Marcelo Moscheta, Mauricio Parra, Meia, Mercedes Lachmann, Rafaela Foz, Ricardo Barcellos, Rosa Hollmann, Uýra, Virginia de Medeiros.

Em meio aos prédios e todo o cenário urbano de São Paulo, a exposição mergulha Nhe´ ẽ Se nas formas como os povos indígenas enxergam a vida, a comunidade e a natureza. Desde a origem do mundo, os rios são vistos como as veias da terra e canais que conectam o mundo físico ao espiritual, fornecendo sustento e equilíbrio. A mostra reúne obras de treze artistas indígenas contemporâneos de diversas regiões, evocando uma jornada de memória, resistência e renovação através das vozes, visões e fluxos de Guaranis, Pankararus, Mura, Tukanos, Molina, entre outros povos. A exposição mescla artistas já renomados com novos nomes: Aislan Pankararu, André Hulk, Auá Mendes, Daiara Tukano, Day Molina, Déba Tacana, Edgar Kanaykõ Xakriabá, Glicéria Tupinambá, Paulo Desana, Rodrigo Duarte, Tamikuã Txihi, Xadalu Tupã Jekupé, e Yacunã Tuxá. A curadoria é assinada por Sandra Benites e Vera Nunes.

Escrita por Edward Albee (1928-2016) no início da década de 90, ‘Três Mulheres Altas’ logo se tornou um clássico da dramaturgia contemporânea. Perversamente engraçada – como é a marca do autor –, a peça recebeu o Prêmio Pulitzer e ganhou bem-sucedidas montagens pelo mundo, ao trazer o embate de três mulheres em diferentes fases da vida: juventude, maturidade e velhice.Dirigida por Fernando Philbert, a nova versão da peça traz no elenco Suely Franco, Deborah Evelyn e Nathalia Dill, tem tradução de Gustavo Pinheiro e produção da WB Produções, de Bruna Dornellas e Wesley Telles.Em cena, as atrizes interpretam três mulheres batizadas pelo autor apenas pelas letras A, B e C. A mais velha (Suely Franco), que já passou dos 90, está doente e embaralha memórias e acontecimentos, enquanto repassa a sua vida para a personagem B (Deborah Evelyn), apresentada como uma espécie de cuidadora ou dama de companhia. A mais jovem, C (Nathalia Dill), é uma advogada responsável por administrar os bens e recursos da idosa, que não consegue mais lidar com as questões financeiras e burocráticas.Entre os muitos embates travados pelas três, a grande protagonista do espetáculo é a passagem do tempo e também a forma com que lidamos com o envelhecimento. ‘O texto do Albee nos faz refletir sobre ‘qual é a melhor fase da vida?’, além de questões sobre o olhar da juventude para a velhice, sobre a pessoa de 50 anos que também já acha que sabe tudo e, fundamentalmente, sobre o que nós fazemos com o tempo que nos resta. Apesar dos temas profundos, a peça é uma comédia em que rimos de nós mesmos’, analisa o diretor Fernando Philbert.

Um clássico da comédia dos anos 90, o filme “Uma Babá Quase Perfeita” conquistou gerações de fãs e transformou-se, em 2021, em um musical da Broadway, reafirmando a atemporalidade da obra e o Brasil ganha uma versão do musical, estrelada por Eduardo Sterblitch e dirigida por Tadeu Aguiar. A história de “Uma Babá Quase Perfeita” gira em torno de Daniel Hillard (Eduardo Sterblitch), um ator desempregado que fará qualquer coisa por seus filhos. Após um divórcio conturbado, Daniel encontra uma solução para não ficar longe dos seus filhos, disfarçando-se de Euphegenia Doubtfire, uma senhora idosa perfeita para ser babá das crianças. Enquanto cuida das crianças, ele aprende importantes lições sobre paternidade e responsabilidade.Em seu segundo musical, Eduardo Sterblitch dará vida à famosa Babá. O artista multifacetado estará ao lado de Thais Piza, responsável por dar vida à ex-esposa Miranda, Lara Suleiman no papel da filha mais velha Lydia Hillard, Bernardo Destri como Christopher e Bibi Valverde como a pequena Natalie. O elenco conta ainda com outros 20 talentos dos palcos e poderá sofrer eventuais alterações sem prévio aviso. Vitor Martinez assina a maquiagem de efeito e a perucaria fica por conta de Feliciano San Román. O musical conta com música e letras de Karey e Wayne Kirkpatrick, e texto de Karey Kirkpatrick e John O'Farrell.

Com uma carreira de mais de três décadas, a música do portugês Mário Laginha passa ainda pelas sonoridades brasileiras, indianas e africanas; pelo pop, rock e clássico. Colabora regularmente com os principais grupos de seu país, como Orquestra Gulbenkian ou Casa da Música, bem como artistas brasileiros, como André Mehmari, Gilberto Gil e Lenine. Neste encontro inédito, com o destacado Pau Brasil, teremos dois pianos, com Laginha e Nelson Ayres. Com mais de 40 anos de atividade, o grupo reúne alguns dos melhores músicos do país: Rodolfo Stroeter, Paulo Bellinati, Teco Cardoso e Ricardo Mosca.

A exposição apresenta imagens feitas pelo fotógrafo Marco Alves em São Roque de Minas, na Serra da Canastra (Minas Gerais). As cerca de 40 fotografias expostas apresentam um registro de um modo de vida simples e de tradições que correm risco de desaparecer no futuro próximo, algo que se reflete no nome da exposição: “A escolha do nome também vem para afirmar sobre a dramaticidade e a certeza do desaparecimento desse tempo, o fim dessa”, aponta o artista. No dia da abertura da exposição, será lançado também um livro com estas imagens da expedição do fotógrafo pela Serra da Canastra.

Uma das referências no trabalho de memória política no país, o Núcleo de Preservação da Memória Política - NM, em parceria com o Centro MariAntonia da USP, apresenta a exposição “Ausências Brasil”, do fotógrafo argentino Gustavo Germano. A primeira versão de "Ausências" foi lançada em outubro de 2007, após um longo processo de busca para retratar, através de paralelos fotográficos, a "presença das ausências" dos assassinados e desaparecidos da ditadura argentina. O fotógrafo Gustavo Germano retornou ao país 30 anos após o golpe militar de 1976 para, junto com familiares de desaparecidos políticos – incluindo a do próprio artista – recriar fotos antigas nos mesmos locais, agora marcadas pela ausência dos entes queridos.O projeto se expandiu para outros países da América Latina, retratando vítimas da "Operação Condor". A exposição conta com 12 histórias de pessoas brasileiras desaparecidas durante a ditadura militar, cobrindo locais do Ceará ao Rio Grande do Sul.

Pedro Abrunhosa é um dos nomes mais marcantes da música portuguesa, conhecido por sua trajetória única. Ele começou na música pelo Conservatório, estudando com mestres como Álvaro Salazar e Jorge Peixinho, e integrou o Grupo de Música Contemporânea de Madrid. Após mergulhar na música erudita, explorou o jazz, estudando e tocando com grandes nomes internacionais, além de fundar importantes projetos como a Escola de Jazz do Porto e a banda Bandemónio.Sua carreira como cantor e compositor ganhou força com o álbum Viagens (1994), que misturava rock e jazz e trouxe colaborações de artistas como Maceo Parker. Desde então, Abrunhosa lançou diversos sucessos e álbuns premiados, como Tempo (1996), Silêncio (1999) e Espiritual (2019), consolidando-se como um artista capaz de dialogar com públicos variados.Com canções marcadas por letras envolventes e sonoridades diversas, ele lota festivais e turnês ao redor do mundo. Multiplatinado e premiado, Pedro Abrunhosa é sinônimo de inovação, poesia e conexão com o público, sendo um dos maiores nomes da música contemporânea de Portugal.

Com curadoria de Nessia Leonzini Pope, esta é a maior exposição a propor um diálogo entre Laurie Simmons (1949), uma figura importante do movimento Pictures Generation, e Jimmy DeSana (1949-1990), intimamente associado à documentação e à divulgação de imagens das cenas New Wave e No Wave no centro de Nova York. De 1973 a 1978, os artistas dividiram um estúdio no Soho, em Nova York, localizado em uma antiga fábrica de lingerie de 70 metros de comprimento, com uma porta separando os espaços e janelas em ambas as extremidades. Embora cada um tivesse o seu próprio laboratório, permaneciam em constante contato. Foi um período de intensa criatividade e experimentação, em que incorporaram em seus trabalhos análises críticas da cultura popular e da mídia de massas, desafiando os formatos tradicionais da época.O convívio diário influenciou o trabalho e as ideias de cada um sobre fotografia. Embora suas abordagens conceituais sejam distintas, a exposição destaca uma comunhão criativa em vez de um rigor histórico estrito, enfatizando a amizade e o intercâmbio que os uniu.

A Central, em parceria com Eliana Finkelstein, apresenta a exposição coletiva “Sopra a ave-do-paraíso, voa longe a viúva negra” no primeiro andar e no mezanino do Instituto dos Arquitetos do Brasil de São Paulo (IABsp).Convidada por Eliana e Fernanda Resstom, fundadora e diretora da Central, Galciani Neves realiza a curadoria da mostra que articula obras de mais de 20 artistas que tecem diálogos, relações e elucubrações acerca da Viúva Negra (1948), de Alexander Calder (1898-1976). O móbile, doado pelo artista ao IABsp, é parte da coleção do Instituto e, assim como o edifício, é tombado como patrimônio cultural pelo IPHAN.Em comum e de muitas maneiras, os trabalhos contemporâneos que integram a exposição são produzidos por meio de materiais e processos que dialogam com formas não-humanas e são, assim, modos de pensar o mundo e seus habitantes.

A galeria Gomide&Co com uma exposição em duo, com trabalhos das artistas Julia Isidrez e Maria Lira. Baseada em projeto apresentado pela galeria em Nova York no ano passado, durante a feira Independent 20th Century, a exposição é uma oportunidade para o público brasileiro ter contato com o diálogo entre as obras dessas duas artistas visuais que têm muito em comum, apesar das particularidades regionais e culturais que demarcam suas produções, apresentando as afinidades que são perceptíveis entre seus contextos distantes. Ambas as artistas trabalham a partir de antigas tradições indígenas ou afro-indígenas, criando, nos dias atuais, obras que escapam do programa tradicional da arte no Ocidente.

Em 1970, o cantor e compositor João Ricardo estava em Ubatuba e se deparou com um armazém cuja placa indicava “secos e molhados”. Os dizeres lhe chamaram a atenção, e imaginou que seriam um excelente nome para sua banda. No ano seguinte, formou-a ao lado de Ney Matogrosso e Gérson Conrad e, em 23 de maio 1973, essa nova banda entrou em estúdio para gravar o seu primeiro disco: Secos e Molhados. A impactante capa deste trabalho, de autoria do fotógrafo Antonio Carlos Rodrigues, foi eleita em 2000 pelo jornal Folha de São Paulo como a melhor já produzida no país. Secos e Molhados amalgamou estilos musicais como folk, pop, glam rock, free jazz, rock progressivo e baião, o que possibilitou a conquista de fãs de gêneros musicais completamente distintos, inclusive os admiradores do mundo underground. Com a maioria dos arranjos escritos por Zé Rodrix, Secos e Molhados utilizava instrumentos elétricos, tinha um forte apelo cênico em suas performances e uma estreita relação com a poesia. Neste concerto, em que o Coral Paulistano apresenta as canções desse icônico disco de estreia de Secos e Molhados, ouviremos vertidos em música poemas de Cassiano Ricardo, Manuel Bandeira, Vinícius de Moraes e João Apolinário, pai de João Ricardo.

Para marcar um novo momento da galeria, com a inauguração de sua sede ampliada e reformada, Paulo Kuczynski apresenta uma exposição inédita dedicada à obra da pintora de origem alemã Eleonore Koch (1926-2018), artista que figurou em algumas edições da Bienal de São Paulo, e única discípula do mestre Alfredo Volpi. A mostra reúne um conjunto representativo de obras que traçam um panorama da trajetória de Eleonore, desde seus primeiros trabalhos até suas últimas criações. A exposição é um convite para refletir sobre a sensibilidade técnica e emocional da artista, que soube capturar, em cada tela, o ordenamento das coisas do mundo como resposta à desordem ao seu redor.

Tchaikovsky é um nome fundamental do Romantismo e, nesta temporada, a Osesp fará a integral das sinfonias do compositor. Das seis que escreveu, as três últimas são muito populares, enquanto as primeiras são menos conhecidas, tocadas e gravadas. De grande colorido orquestral, a Sinfonia nº 1 começou a ser escrita logo que o compositor se mudou para Moscou, aos 25 anos, e leva o subtítulo de “Sonhos de inverno”.Também será executada uma das obras mais conhecidas de Tchaikovsky, a abertura-fantasia Romeu e Julieta. A peça baseou-se na obra homônima de Shakespeare, evocando a tragédia a partir de três pontos transformados em temas musicais: Frei Lourenço; a rivalidade entre os Montéquio e os Capuleto; e o amor entre os dois jovens. Switch, do norte-americano Andrew Norman, é estruturada como uma espécie de jogo entre a orquestra e o percussionista. Com referências a filmes, programas de televisão e videogames, cada instrumento de percussão é um comando que controla outros instrumentos. A obra foi dedicada a Colin Currie, premiado músico escocês que retorna a São Paulo especialmente para fazer a estreia latino-americana.

MACACOS é um espetáculo sobre a estruturação do racismo e do apagamento das memórias e ancestralidades negras que estão enraizadas neste país. O espetáculo se coloca em cena a partir do relato de um homem negro em busca outros espaços para ocupar diante do adjetivo MACACO, que nomeia a obra, a fim de refletir sobre esse adjetivo que é o mais usado como xingamento ao povo negro no mundo.A peça trata sobre episódios da História Geral do país,cita estatísticas sobre as mães e famílias de jovens negros presos ou executados pela Polícia Militar brasileira. Além disso, a colonização é um eixo abordado para justificar como se chega aos dias de hoje. As questões levantadas por esse homem negro convidam o público a questionar o preconceito velado, e presente na estrutura social e na vida cotidiana do Brasil de 1500 até os dias de hoje. Os questionamentos desse homem negro convidam o público a pensar e debater sobre os preconceitos mascarados, que existem na estruturação e no cotidiano brasileiro.Macacos, foi a primeira obra teatral a reabrir um caso arquivado pela Justiça Brasileira, o caso do Estado do Rio de Janeiro x Eduardo de Jesus.

A distopia criada por Nelson Baskerville a partir da tragédia carioca de Nelson Rodrigues ressurge como um espelho cruel das hipocrisias brasileiras, amplificadas pelo recente avanço da extrema direita. Edgard, um homem marcado pela miséria apesar de anos de dedicação ao patrão Werneck, recebe uma proposta tentadora: casar-se com Maria Cecília, jovem rica e "bonitinha" , mas envolta em um passado controverso. O dilema entre dinheiro e moralidade o arrasta por um universo de desejos reprimidos, traições e valores distorcidos.

Inaugurada no dia que marca os 111 anos do nascimento de Carolina Maria de Jesus, a exposição celebra o legado da escritora para a arte e cultura a partir dos trabalhos de 11 artistas negras contemporâneas, de diversas linguagens artísticas. A mostra busca destacar o legado de Carolina Maria de Jesus nas novas gerações e reforçar o impacto de sua multifacetada produção artístico-literária para a arte e cultura brasileira.A exposição conta com obras de múltiplas técnicas e elementos, como pinturas, esculturas, bordados, entre outros, reunindo as artistas: Ana Paula Sirino, Antonia Maria, Bianca Foratori, Chris Tigra, Gugie Cavalcanti, Isa Silva, Mayara Amaral, Negana, NeneSurreal, Siwaju e Soberana Ziza. Reunidas, essas artistas apresentam obras que permeiam o universo de Carolina e/ou trazem referências em suas cores e simbologias.

O pianista italiano PAOLO ANDRÉ GUALDI já se apresentou extensivamente nos EUA e, no exterior, na Itália, Reino Unido, França, China, Brasil e Uruguai. Gravou para a Mark Records e IFO Classics, e suas apresentações foram transmitidas por rádios como BBC, NPR, Clásica 650 e Radio Vaticana.Começou a estudar piano com seu pai aos cinco anos, continuando no Conservatório de Santa Cecília em Roma, Itália, com Carmela Pistillo. Obteve seu Diploma com as mais altas honras no Conservatório Arrigo Boito, em Parma, sob a orientação de Roberto Cappello. Tem ainda Mestrado pela Universidade Carnegie Mellon e Doutorado pela Universidade da Georgia.Gualdi trabalhou extensivamente com Carlo Maria Dominici, Enrique Graf e Evgeny Rivkin, e participou de master classes com György Sandor, Earl Wild, Sergio Perticaroli e Menahem Pressler, entre outros.Foi premiado em vários concursos de piano, incluindo o Concurso Europeu de Ostuni, o Concurso Nacional Altruda de Vasto e o Concurso Nacional Françoise Grimaldi de San Polo. Ganhar o “Prêmio De Martino” no Concurso Internacional de Piano Ibla permitiu que ele estudasse na Universidade Elon com Victoria Fischer.

Apaixonado pela funcionária de uma pet shop, Rocky Balboa é um boxeador talentoso, mas com resultados irregulares, que ganha a vida cobrando dívidas para um agiota. Por conta de um golpe de sorte (e marketing), ele é desafiado pelo campeão dos pesos-pesados. O azarão treina, corre pelas ruas da Filadélfia e vira popstar da noite para o dia.

Neste concerto, o escocês Colin Curie convida a classe de instrumentos da Academia de Música da Osesp e a Orquestra jovem de São Paulo para uma apresentação com peças de Anna Meredith, Louis Andriessen, Helen Crime e James Macmillan.

Programa a ser anunciado

Texto de Duca Rachid e José Eduardo Vendramini. Direção de Georgette Fadel e Luaa Gabanini.Celebrando uma década desde a estreia de ‘Cartas Libanesas’, o novo espetáculo apresenta uma perspectiva inédita dessa história. A libanesa Adibe, uma camponesa grávida do primeiro filho, fica em sua aldeia no Líbano à espera do marido Miguel, um mascate libanês que foge da 1ª Guerra imigrando para Brasil com o intuito de prosperar e sustentar a família. Numa contínua troca de cartas, dividem anseios, descobertas e dores na expectativa de um possível reencontro futuro.

A exposição reúne trabalhos recentes de Adriano Costa, incluindo pinturas em bronze e resina. Para Costa, uma exposição de arte contemporânea não é diferente de uma ópera ou da encenação de uma tragédia clássica. 1 metro de cabelo apresenta-se como um espetáculo que surge da realidade e, sem controle, arrisca-se e explode como ékstasis, palavra que vem do grego e que significa literalmente ser levado, desprender-se de repente, sair de si mesmo e elevar-se.

Exposição individual da artista Ana Amorim. Com uma prática artístico-conceitual centrada no fazer diário, a mostra elucida a forma metódica com que a artista registra o tempo da própria vida, suas experiências e deslocamentos, transformando cada trabalho em uma prova inequívoca de sua existência. O próprio título da exposição reitera o exercício sistemático de registro da sua vivência: os localizadores, utilizados por Ana Amorim para taxonomizar sua produção, fazem referência tanto ao tempo fixado nos calendários (horas, dias, meses e anos), quanto ao tempo fugidio — as horas e os dias restantes para o final do ano, por exemplo.

Exposição individual do artista uruguaio Marco Maggi. Com 14 trabalhos, a mostra apresenta majoritariamente criações recentes do artista, produzidas nos últimos dois anos.Com trajetória iniciada na década de 1990, Marco Maggi temno funcionamento do olhar contemporâneo – pautado pelo excesso de velocidade, imediatismo e voracidade –, e em sua crítica, o ponto de partida de seu trabalho. Temos muitas vezes, como consequência disso, uma mirada descomprometida e apressada sobre o mundo que nos rodeia, algo que é rechaçado pelas proposições do artista que seguem pelo caminho oposto ao descrito, instigando o espectador a exercitar uma presença ativa que nos parece destoar da lógica atual em que estamos inseridos, apesar da obsessão dos nossos tempos com práticas como o mindfulness.Sob um olhar desatento, os trabalhos de Maggi parecem silenciosos, e, em alguns casos, quase imperceptíveis. A escala miniaturizada em que são realizados demanda um olhar presente do espectador. Dessa forma, desvela-se oque a princípio custa a se mostrar: complexos, intrincadose minúsculos padrões geométricos, tracejados, linhas e até mesmo estruturas com certa vocação arquitetônica emergem do suporte e revelam uma inesperada e imbricada trama.

Terceira individual do cineasta e artista britânico Sir Isaac Julien (n. 1960) na galeria. A exposição conta com fotografias e colagens, grande parte destas inéditas, que são desdobramentos do filme Lina Bo Bardi – A MarvellousEntanglement (2019), que explora poeticamente a vida, a obra e o legado da arquiteta brasileira de origem italiana Lina Bo Bardi (1914-1992). As novas colagens de Isaac Julien, apresentadas pela primeira vez, destacam-se pelo uso singular das cores, evocando diversos motivos poéticos e ecológicos na obra de Lina Bo Bardi.Simultaneamente a mostra na galeria, o MASP – Museu de Arte de São Paulo Assis Chateaubriand apresentará, pela primeira vez no Brasil, a vídeo-instalação composta de 9 telas em seu novo anexo, o edifício Pietro Maria Bardi. Desse modo, o público poderá ter contato com partes complementares do mesmo trabalho de Julien.Tanto no filme como nas fotografias e colagens, Bo Bardi é representada em diferentes estágios de sua vida pelas aclamadas atrizes brasileiras Fernanda Montenegroe sua filha Fernanda Torres. No filme, as atrizes leem textos adaptados dos escritos da arquiteta, envolvendo os espectadores em uma narrativa que se baseia em uma citação de Bo Bardi que diz: “O tempo não é linear, é um maravilhoso emaranhado no qual, a qualquer momento, fins podem ser escolhidos e soluções inventadas, sem começo nem fim”.

A individual de Katie Van Scherpenberg se alinha a um dos fundamentos do programa da Galatea, que envolve resgates históricos e reposicionamento de grandes artistas cuja produção se encontre em certa medida distanciada da cena atual da arte brasileira.Iniciada há cinquenta anos, a produção de Scherpenberg deriva das suas investigações a respeitoda pintura e dos elementos estruturais e simbólicos que a constituem. A artista experimentou todasorte de intervenção sobre tela e madeira, pesquisando pigmentos naturais, desenvolvendo a própriatêmpera, desencadeando reações químicas e examinando as oxidações sofridas por diversosmateriais.

A exposição coletiva conecta artistas de diversas regiões e épocas, através temas de comoamor, desejo e o magnetismo nas relações humanas. O título da exposição, Carvões acesos, foi emprestado de um poema em forma de receita intitulado Coisas para o ninho, escrito por Patrícia Galvão (Pagú) enquanto estava presa pela ditadura Varguista, cujo manuscrito será exposto na mostra. A noção de algo que persiste na sua escandecência e calor, tal qual um carvão em brasa, permeia a mostra com trabalhos que exploram a tensão sexual e o magnetismo da sedução.Estão presentes na mostra nomes que conectam gerações e territórios da arte brasileira e tambéminternacional, como Alair Gomes, Allan Weber, Amélia Toledo, Antonio Dias, Chico Tabibuia, Cildo Meirelles, Dani Cavalier, Edgard de Souza, Fefa Lins, Gabriella Marinho, Hudinilson Junior, Ismael Nery, Jonathas de Andrade, Leonilson, Louise Bourgeois, Luiz Roque, Mayara Ferrão, Panmela Castro, Rafael RG, Retratistas do Morro, Rosângela Rennó, Tunga e Wesley Duke Lee.

Desde 2023, a Osesp se dedica à gravação da integral das sinfonias de Gustav Mahler. Nesta Temporada, a Orquestra interpreta as Sinfonias nº 5 e nº 6. O projeto visa disponibilizar as obras, gravadas em Dolby Atmos (tecnologia de som imersiva), nas plataformas de streaming. “Gustav Mahler foi um dos maiores compositores de todos os tempos. Além da visão inovadora na utilização da orquestra, explorando texturas, timbres, sons e instrumental como nunca feito antes, ele integrou elementos programáticos e filosóficos de forma única, promovendo uma reflexão sobre a humanidade, a natureza e a espiritualidade”, afirma o maestro Thierry Fischer, que comanda o programa. Estruturada em quatro movimentos, a sexta sinfonia de Gustav Mahler, subintitulada “Trágica”, inclui algumas das características marcantes do estilo do compositor, como a ambição de abarcar em si um universo inteiro e a de provocar uma meditação sobre a experiência humana. Também estão presentes os grandes contrastes, com uma riqueza que oscila do absoluto êxtase ao desespero, culminando em um final sombrio e devastador.

A exposição se dedica a examinar o acervo da colecionadorae galerista Vilma Eid, que nos últimos quarenta anos forjou uma coleção singular, reunindo trabalhos de mais de 100 artistas entre os ditos populares, modernos e contemporâneos. Com mais de 300 obras divididas em duas salas, a mostra tem curadoria de Ana Roman e Catalina Bergues. A mostra integra o programa de exposições Instituto Tomie Ohtake visita, que busca criarconexões com colecionadores e agentes do circuito da arte, proporcionando acesso acoleções que, em parte, são pouco exibidas ao grande público.

A mostra “O Gabinete de Marcelo Grassmann”, com curadoria de Luiz Armando Bagolin, abre no Museu Lasar Segall (Ibram/MinC), no bairro da Vila Mariana, em São Paulo. Reunindo 62 desenhos de monstros ou seres informes da década de 1950, na sala amarela, e alguns poucos da década anterior, em uma vitrine, a mostra apresenta obras que ficaram guardadas com o artista, e raramente foram vistas. Elas compõem um acervo essencial para o qual Marcelo sempre retornou a fim de iniciar ou reiniciar as suas séries de trabalhos. Ela é a primeira de uma série de mostras que celebram o centenário do artista gráfico Marcelo Grassmann (1925-2013).

Gregorio Duvivier tem na língua portuguesa não somente uma pátria mas uma obsessão. Afinal a palavra é uma fonte inesgotável de humor, desde os primórdios. No Princípio era o Verbo, disse Deus. E logo em seguida vieram os erros de concordância. O mesmo Deus disse: Faça-se a Luz. Mas disse pra quem? E por que? Disse porque a palavra inaugura um mundo. Daí o termo o Céu da Língua: foi a língua, afinal, que nos pariu. Nos pariu como povo, mas também como humanidade.O espetáculo mistura Stand Up Comedy com poesia falada e uma dramaturgia que costura tudo. Stand up poetry? Linguistic comedy? Como preferir. Gregorio prefere na nossa língua: Comédia Poética. Dirigido pela atriz Luciana Paes, Gregorio descobre o poder da fala e nos lembra que o homem, nada mais é do que um macaco que fala – e todas as outras diferenças derivam disso.

A exposição individual percorre por mais de quatro décadas de trabalho da artista mineira Patrícia Leite. Com curadoria de Germano Dushá ,Olho d’água reúne cerca de 30 obras, entre desenhos, pinturas e objetos. Entre os destaques da exposição, estão telas emblemáticas da artista, desenhos abstratos em pastel sobre papel da década de 80 e trabalhos produzidos entre 2020 e 2025, objetos feitos a partir de pequenas peças compostas pela união de itens encontrados, como pedaços de vidro, madeiras, pedrinhas, miçangas e miudezas decorativas.

Em décadas de trabalho como regente coral, Naomi Munakata consagrou-se como uma das mais importantes maestras brasileiras. Entre 1995 e 2015, foi a titular do Coro da Osesp e, de 2016 até sua morte, em 2020, dirigiu o Coral Paulistano. Em memória aos 70 anos que completaria em maio, o Coro da Osesp e o Coral Paulistano unem-se para prestar uma homenagem à mestra.Quem dirige a apresentação é Maíra Ferreira, que foi assistente de Naomi no Coral Paulistano e hoje titular do grupo. Uma das mais destacadas regentes brasileiras da nova geração, Maíra também colabora com o Coro da Osesp com frequência. Ela conta que o programa é formado basicamente por obras que Naomi costumava fazer, escritas por autores pelos quais tinha grande admiração.Dessa forma, o programa parte de Rentarō Taki, compositor japonês do século XIX, passa por franceses como Olivier Messiaen e Francis Poulenc, inclui Quatro quartetos de Brahms, obra pela qual Naomi tinha especial apreço, e chega aos autores brasileiros Aylton Escobar, Antonio Ribeiro e Osvaldo Lacerda. A seleção ainda traz as compositoras Beatriz Corona e Juliana Ripke – que, segundo Maíra, Naomi teria adorado conhecer.

O festival realiza sua terceira edição, com nomes importantes do cenário brasileiro e internacional. Durante quatro dias, o Parque do Ibirapuera recebe shows de Jazz, indie pop e rock, música brasileira e música eletrônica, com uma programação distribuída em diversos espaços do parque. Entre os nomes confirmados no C6 Fest estão: A.G. Cook, Gossip, Amaro Freitas Septeto, AIR, Maria Esmeralda e Nile Rodgers & Chic.

“Pra Você Lembrar de Mim” narra a transformação da relação entre pai, diagnosticado com a Doença de Alzheimer (DA) precoce, e filha, mostrando aos poucos a inversão dos papéis de cuidado e cuidador.

Com dramaturgia do uruguaio Sergio Blanco e direção de Victor Garcia Peralta, a peça é uma autoficção que acompanha os encontros entre um jovem parricida e um dramaturgo interessado em escrever a história do crime.Inspirado no mito do Édipo e na vida de São Martinho de Tours, santo europeu do século IV, o espetáculo também revisita textos que abordam o tema da paternidade, como “Os Irmãos Karamazov”, de Dostoievski; “Um Parricida”, de Maupassant; e “Dostoievski e o Parricídio”, de Freud. O cenário reproduz a quadra de basquete de uma prisão, onde ocorrem os encontros quase documentais entre os dois personagens, duas pessoas de mundos completamente distintos. Começa, então, uma peça dentro da peça, com Robson Torinni na pele tanto do jovem assassino quanto do ator que o representa. Com esse jogo de metalinguagem, a peça propõe uma reflexão sobre construção da dramaturgia, o universo teatral e os limites entre ficção e realidade.

O drama de um casal em crise é retratado no espetáculo Finlândia, que faz nova temporada no Teatro UOL. A bem-sucedida montagem brasileira tem direção de Pedro Granato e é interpretada pelo casal Paula Cohen e Jiddu Pinheiro, que também assinam a tradução.A peça do francês Pascal Rambert estreou em 2022 em Madri, na Espanha, e, desde então, ganhou montagens de sucesso em Paris (França), Montevidéu (Uruguai), Cidade do México (México) e Santo Domingo (República Dominicana).Finlândia nos coloca em um quarto de hotel em Helsinque, junto com o casal de atores Paula e Jiddu, que está em processo de separação e tenta estabelecer um diálogo sobre o futuro de seu relacionamento. A peça emerge das complexidades e desafios emocionais enfrentados por esse casal em crise, que ainda precisa encontrar um consenso sobre a criação e guarda da sua filha pequena.E, nesse duelo de linguagem entre dois mundos aparentemente inconciliáveis, um espelho reflete o momento que vivemos, uma estrutura de padrões opressivos que está por ruir, um mundo em desconstrução que aponta novos caminhos. E, por consequência, junto com a mudança vem os conflitos, as quebras e as resistências.

A DAN Contemporânea apresenta Amazônia Vida, uma exposição de José RobertoAguilar que explora as dimensões físicas e simbólicas da floresta por meio da pintura.Com um conjunto de 15 obras de grande formato, o artista retrata a Amazônia comouma entidade viva, vibrante e repleta de cor e movimento. Com curadoria de FabioMagalhães, a mostra convida o público a refletir sobre a relação entre natureza ehumanidade, os ciclos da vida, a fluidez do tempo e a transitoriedade da existência.

A exposição Racionais MC’s: O Quinto Elemento celebra os 35 anos de carreira da icônica banda de rap formada por Mano Brown, Edi Rock, KL Jay e Ice Blue, em uma jornada imersiva celebrando uma relação de irmandade e a conexão do grupo com seus fãs.Dividida em eixos temáticos, possui um percurso expográfico que reflete a força das palavras e energia transformadora em uma experiência imersiva, convidando o público a mergulhar na trajetória do grupo e de cada integrante.

O espetáculo traz o balé ‘A Filha mal guardada’ escrito no século XVIII. Ele conta a história de uma senhora que quer que sua filha única, Lise, faça um bom casamento. Mas a jovem ama outro rapaz, e o final da história é surpreendente!

A banda canta os seus maiores sucessos e os clássicos que marcaram estes 40 anos em atividade.

Claude Debussy é um autor-chave para a música moderna e sua obra se caracteriza pela exploração dos timbres. Para o compositor francês, o som era um elemento estrutural da criação musical, da mesma forma que a melodia, o ritmo e a harmonia – característica que as músicas deste programa ajudam a ilustrar.Os Noturnos são três peças para orquestra finalizadas em 1899. Enquanto “Nuages” descreve a flutuação serena e imutável das nuvens no céu, “Fêtes” é uma celebração com ritmos dançantes. Finalmente, “Sirènes” é uma paisagem marinha e requer um coro feminino que, cantando sem palavras, retrata as sereias. Em seguida, a música de Debussy torna-se espaço de encontro de diferentes gerações. A Rapsódia para clarinete, escrita para os exames do Conservatório de Paris, é interpretada por Sérgio Burgani, solista experiente, músico da Osesp e professor de várias gerações do instrumento. Na sequência, a Rapsódia para saxofone é performada por Samuel Alves, vencedor do Concurso Jovens Solistas da Osesp em 2022. O programa, dirigido por Thierry Fischer, termina com a alegre Sinfonia nº 2 de Tchaikovsky, construída a partir de temas e danças populares da Ucrânia.

A exposição Racionais MC’s: O Quinto Elemento celebra os 35 anos de carreira da icônica banda de rap formada por Mano Brown, Edi Rock, KL Jay e Ice Blue, em uma jornada imersiva celebrando uma relação de irmandade e a conexão do grupo com seus fãs.Dividida em eixos temáticos, possui um percurso expográfico que reflete a força das palavras e energia transformadora em uma experiência imersiva, convidando o público a mergulhar na trajetória do grupo e de cada integrante.

O tradicional festival de música Indie Popload apresenta sua edição de 2025. Idealizado por Lúcio Ribeiro e Paola Wescher, o festival apresenta uma curadoria que presa a diversidade, com artistas consagrados, como Kim Gordon e Norah Jones, nomes em ascensão, como Laufey e The Lemon Twigs e claro, nomes da música brasileira, recebendo, entre outros shows, uma apresentação em conjunto da banda Terno Rei com o cantor Samuel Rosa. Line up completo: Norah Jones, St. Vincent, Laufey, Kim Gordon, The Lemon Twigs, Terno Rei & Samuel Rosa, Tássia Reis e Exclusive Os Cabides

A exposição Eu mesmo, Carnaval, que ficará aberta até 31 de maio de 2025, nos convida a conhecer a profunda relação de Mário de Andrade com o carnaval paulistano, principalmente na região da Barra Funda e em outros lugares do país. O título escolhido reproduz um verso do poema “Carnaval carioca”, escrito por Mário de Andrade em 1923, inspirado na experiência do autor no festejo carioca neste mesmo ano.A exposição, com curadoria de Arthur Major, pesquisador da Casa Mário de Andrade, e Fábio Parra, do departamento de comunicação e cultural do G.R.C.E.S. Mocidade Alegre, traz uma interface entre a pesquisa de Mário de Andrade sobre o Carnaval e o enredo de 2024 da escola paulistana Mocidade Alegre “Brasileia Desvairada: A busca de Mário de Andrade por um país”, tecendo o fio condutor do discurso curatorial, tendo como guia o personagem do Arlequim, que pela visão do escritor, representa tanto a cidade de São Paulo, quanto a personificação do próprio poeta.

Uma entrevista com a plateia dá origem ao inteiramente improvisado espetáculo Portátil. Com os poucos dados que a pessoa escolhida fornece aos atores, além de uma trilha sonora composta no momento, o elenco cria uma narrativa própria que percorre as memórias do entrevistado. No final, o resultado é uma apresentação orgânica, diversificada, que passeia por diversos personagens, épocas e lugares, a fim de contar a história de uma pessoa.

O Papel de Parede Amarelo e Eu é uma adaptação contemporânea de uma obra pioneira de 1892, que até hoje ressoa profundamente ao confrontar as complexas relações de poder entre homens e mulheres. A história se desenrola através dos olhos de uma mulher diagnosticada com depressão e histeria, forçada por seu marido, um médico, a se isolar em uma casa para evitar qualquer esforço físico ou mental. Durante esse isolamento, ela desenvolve uma obsessão com o papel de parede amarelo de seu quarto, um símbolo de sua crescente confusão mental e angústia.A obra revela não apenas as tensões psicológicas da protagonista, mas também o contexto social que limita sua liberdade e identidade, desafiando as normas da época sobre o papel da mulher. Ao mesmo tempo, a peça expõe, com uma linguagem poética moderna e realista, a luta interna dessa mulher, refletindo sobre as questões de gênero e o poder nas relações maritais.A História mantém uma profunda atualidade ao refletir sobre os desafios enfrentados pelas mulheres e o avanço de suas lutas. Um espetáculo de forte simbolismo, que ilumina os dramas pessoais e o triunfo artístico sobre as adversidades.

A comédia conta a história de Alex, um fanfarrão convicto e incorrigível, casado com Bruna, uma dona de casa bonita e inteligente, que vive solitária. Numa de suas farras, Alex acaba sofrendo um acidente deixando viúva a bela esposa. Após a morte dele, a jovem viúva será disputada por Nico, um mauricinho convicto, e por Paulo , melhor amigo de Alex. Para impedir que ela se case com seu desafeto, o morto volta à Terra e pede ajuda a seu melhor amigo. Assim se desenrola uma trama de confusões hilariantes, cheia de surpresas.

A nova coreografia explorará um campo relacional sustentado nas potencialidades emergentes das relações estabelecidas entre os corpos com e no espaço. O que move a criação de um campo comum gestado pelas diferenças, em que cada interação e cada movimento surgem a partir das oportunidades oferecidas por essas relações. A coreografia busca explorar como os sentidos operam de forma constante, transformando questões abstratas em experiências sensoriais tangíveis. A composição é concebida para que a plateia não apenas observe, mas para que todos os sentidos sejam envolvidos na experiência. A “afetabilidade” é entendida, por Rafaela, como um campo cognitivo-relacional, em que os afetos e as interações entre os corpos configuram sistemas complexos de emoção e percepção. A criação parte do potencial inerente dos corpos do elenco e da descoberta de novas possibilidades a partir desses potenciais. Artista da dança e das matérias do corpo, a paulistana Rafaela Sahyoun se aprofunda no fazer coreográfico, na educação e na pesquisa continuada, atuando como bailarina colaboradora em contextos nacionais e internacionais. Formada pela SEAD – Salzburg Experimental Academy of Dance (Áustria, 2013) e pelo Trinity Laban Centre for Movement and Dance (Reino Unido, 2009), desenvolveu práticas pedagógicas com impacto internacional na formação de novos artistas. Rafaela colabora com instituições como a PERA School of Performing Arts (Chipre do Norte), EBB Elephant in the Black Box (França e Espanha) e o Programa de Pós-Graduação Corpo: Dança, Teatro e Performance do Célia Helena Centro de Artes e Educação (Brasil). Ela também foi curadora artísticopedagógica do Festival DansPunt (2025) e está em processo de criação para a Companhia de Dança EBB, com estreia prevista para 2025 em Madri, Espanha. Principais obras coreográficas: C R U S H (2024), Fôlego (2022), NINGUÉMMESOLTA [Don’t Lose Me] (2018), Yeah, I’ve Been Watching You Lately (2023), Something to Phase Us: Who Goes There (2022), Wheel of Radical Affection (2021) e VAWM (2020).Em suas obras, Michelle Moura provoca uma sensação que oscila entre o cômico e o inquietante. Pensando a matéria do corpo humano e de outros corpos não humanos, a partir de uma escala mínima de movimento e de sua possibilidade de amplificação, ções banais e comuns, por vezes inconscientes, são o sumo que a coreógrafa vasculha até o limite. Ao fazer isso, evidencia algumas questões: o que no corpo é natural ou construído?Manipulamos ou somos manipulados pelos sentidos? O que posso me tornar ao reagir de outras formas? Em suas pesquisas, movimentos se cruzam e descruzam, palavras explicam e confundem, expressões faciais tentam evocar emoções e múltiplas vozes ecoam de uma única fonte – corpos. Bailarina e coreógrafa brasileira radicada em Berlim, Michelle Moura em seus trabalhos dos últimos 12 anos tem explorado mudanças psicofísicas propondo experiências particulares para o corpo, como: não piscar (BLINK), falar sem mover a boca (Overtongue), hiperventilar (FOLE).Em Overtongue (2021) e Lessons for Cadavers (2023), ela se debruçou sobre a artificialidade e a dissociação de elementos, manipulando movimento, expressão, som e linguagem. Seu trabalho foi apresentado em espaços e festivais de dança como Tanz im August (Alemanha), Sophiensaele (Alemanha), Bienal de Veneza (Itália), Panorama (Brasil), entre outros. Michelle Moura começou sua formação em dança na Universidade Estadual do Paraná (Unespar), continuou no CNDC d’Angers (França) e Das Choreography (Holanda). Juntamente com sete artistas curitibanos, foi cofundadora e membro da Minicomunidade Artística Mundial Couve-Flor (2005-2012). Seu solo Overtongue foi uma das 13 produções convidadas para o Tanzplattform Deutschland 2022.

Dois ícones da dramaturgia. De um lado, a lendária Lady Macbeth, personagem imortal de William Shakespeare. Do outro, uma das mais importantes atrizes brasileiras, Susana Vieira. “Lady” promove indiretamente esse encontro, mas não para reencenar a tragédia do autor inglês. Ao contrário, o monólogo inédito de Vana Medeiros é uma viagem bem-humorada, feminina, leve e contemporânea. Um texto moderno escrito especialmente para o humor e o talento de Susana, que desejava retornaraos palcos com uma comédia inteligente e de grande comunicação com o público.

Inuk Silis Høegh (Qaqortoq, Groenlândia, 1972) é um artista e cineasta cujo trabalho elabora questões sobre as mudanças climáticas e os processos coloniais na Groenlândia. Filho de artistas, cresceu imerso em exposições e se inseriu profissionalmente no meio artístico a partir da produção audiovisual e escultórica, principalmente com documentários e instalações de grandes dimensões. Høegh se interessa pela relação entre humanidade e natureza, focando nos processos políticos e culturais do seu país e em como eles afetam os povos originários inuítes e o meio ambiente.The Green Land [A terra verde] (2021) apresenta registros das intervenções visuais realizadas pelo artista na paisagem de sua terra natal, que enfrenta grandes mudanças devido ao aumento da temperatura média global. Com um ritmo lento e meditativo, o vídeo tematiza os quatro elementos naturais, todos representados por diferentes materialidades da cor verde.

Uma das mais ativas e respeitadas sopranos de sua geração, MARÍLIA VARGAS divide seu tempo entre o ensino, a preparação vocal de coros e concertos. Sua intensa atividade musical nas últimas temporadas, incluiu recitais com diferentes orquestras, a Paixão Segundo São João na série da Cultura Artística na Sala São Paulo, o papel título da ópera Alcina de Händel no Theatro São Pedro, e as Vésperas de Monteverdi no Theatro Municipal de São Paulo.ANDRÉ MEHMARI, pianista, compositor e multi-instrumentista é considerado um dos maiores expoentes da música criativa brasileira contemporânea. É dono de uma vasta e singular produção que vai do piano solo ao jazz, à ópera, ao choro, passando pela música orquestral e de câmara até canções populares em mais de cinquenta e cinco álbuns lançados desde 1998, muitos deles produzidos em seu próprio Estúdio Monteverdi, localizado no coração da Mata Atlântica.

Dois irmãos se reencontram no velório do pai, depois de vinte e cinco anos sem se ver.Enquanto o mais velho foi obrigado a ceder suas paixões e ambições para cuidar da família, o irmão mais novo desbravou o mundo e hoje é um premiado fotojornalista.O reencontro é tenso, carregado de ressentimentos e mágoas. Enquanto o irmão mais velho acusa o mais novo de fugir de suas responsabilidades, o irmão mais novo o acusa de ser cúmplice dos erros cometidos pelo pai. Momentos de descontração surgem durante o reencontro, através das lembranças de histórias passadas, entre risadas e olhares cúmplices a conexão fraterna surge durante o acerto de contas.Uma revelação do passado muda totalmente o ponto de vista dos irmãos, que precisam revisitar suas intimidades para dialogar.

Comandado pelos produtores musicais Adrian Younge e Ali Shaheed Muhammad (A Tribe Called Quest), selo e gravadora de Los Angeles Jazz Is Dead convida o público a explorar a evolução da trajetória musical desses artistas, desde os arranjos pioneiros de trompa de Taylor até a entrada de Thomas na lendária banda de highlife The Blue Monks.Essa noite celebrará o legado dos dois artistas e suas contribuições para o cenário musical global, prometendo uma fusão inesquecível de sons e culturas.Nascido em 1936, o guitarrista, compositor, arranjador, líder de banda e produtor ganense Ebo Taylor tem sido uma presença vital na música africana por mais de meio século. Ele é um dos principais nomes da história do highlife, gênero musical ganense que combina a música local da região com ritmos ocidentais, como jazz, blues, soul e música latinaPat Thomas é um renomado vocalista e compositor ganense, conhecido por seu trabalho com as bandas de highlife de Ebo Taylor e por suas próprias gravações de Afrobeat e Afro-pop. Na década de 1970, ele se juntou à lendária banda The Blue Monks, de Ebo Taylor, marcando sua presença no icônico Tip Toe Night Club, um ponto importante na história cultural moderna de Gana. Nos últimos anos, Pat Thomas se mudou para a Costa do Marfim, onde produziu vários discos que misturam afrobeat, sons afro-latinos, reggae e funky disco africano.

A Casa Natura recebe o show Jazz Is Dead com Ebo Taylor e Pat Thomas. O guitarrista, compositor e produtor ganense Ebo Taylor se une ao vocalista e compositor Pat Thomas para uma apresentação especial.Comandado pelos produtores musicais Adrian Younge e Ali Shaheed Muhammad (A Tribe Called Quest), o icônico selo e gravadora de Los Angeles Jazz Is Dead convida você a explorar a evolução da trajetória musical desses artistas, desde os arranjos pioneiros de trompa de Taylor até a entrada de Thomas na lendária banda de highlife The Blue Monks.Ebo Taylor - Nascido em 1936, o guitarrista, compositor, arranjador, líder de banda e produtor ganense Ebo Taylor tem sido uma presença vital na música africana por mais de meio século. Ele é um dos principais nomes da história do highlife, gênero musical ganense que combina a música local da região com ritmos ocidentais, como jazz, blues, soul e música latina.Pat Thomas - Pat Thomas é um renomado vocalista e compositor ganense, conhecido por seu trabalho com as bandas de highlife de Ebo Taylor e por suas próprias gravações de Afrobeat e Afro-pop. Na década de 1970, ele se juntou à lendária banda The Blue Monks, de Ebo Taylor, marcando sua presença no icônico Tip Toe Night Club, um ponto importante na história cultural moderna de Gana. Nos últimos anos, Pat Thomas se mudou para a Costa do Marfim, onde produziu vários discos que misturam afrobeat, sons afro-latinos, reggae e funky disco africano.

Exposição individual da artista argentina Liliana Porter, com uma seleção de obras da sua produção dos últimos cinco anos. A produção da artista nos coloca diante de pequenas fábulas visuais, ou crônicas atemporais da nossa própria condição de ser humano. Uma de suas grandes habilidades recai no poder de síntese das suas representações, que paradoxalmente (ou ironicamente) acontece a partir do colecionismo. Bibelôs, brinquedos, ornamentos e outros pequenos objetos garimpados ganham vida pelas mãos da artista. Eles permanecem armazenados até serem “licenciados” pela sua poética, por vezes ácida, por vezes bem humorada.

A exposição GRAPHOS, de Regina Silveira, apresenta a obra concebida inicialmente em 1991, alguns anos antes da sua primeira exposição na Luciana Brito Galeria, em 1998. Esse resgate histórico de uma obra não realizada representa os quase 30 anos de parceria e reflete a evolução da pesquisa de Regina Silveira, que sempre esteve à frente nos estudos sobrepercepção e representação visual, acompanhando os novos recursos da tecnologia na arte.A instalação site specific “GRAPH” foi inicialmente pensada segundo parâmetros d as regras gráficas analógicas para corrigir as perspectivas do espaço arquitetônico da Storefront for Art and Architecture, em Nova York (EUA), durante residência da artista pela bolsa John Simon Guggenheim Foundation (1991). Embora contemplada, as regras de preservação do prédio da Storefront não permitiram que o projeto fosse executado, já que naquela época a artista pintava as obras diretamente na parede.Trinta e quatro anos mais tarde, a artista revisita a mesma instalação para o espaço similar do pavilhão da Luciana Brito Galeria, caracterizado por uma planta triangular. Para tanto, “GRAPH” foi transposta para os recursos gráficos digitais, que permitem a produção e aplicação de vinil adesivo nas paredes do pavilhão, corrigindo virtualmente seus ângulos irregulares sob a ótica do espectador.

Este concerto é uma oportunidade de ouvir uma das obras mais marcantes do século XX. Concluído em janeiro de 1962, o Réquiem de Guerra, de Benjamin Britten, foi escrito para a consagração da nova catedral de Coventry, no condado inglês de Warwickshire, construída após a estrutura original do século XIV ter sido destruída em um bombardeio da Segunda Guerra Mundial. Composto para soprano, tenor e barítono, coro adulto e infantil, órgão e duas orquestras (uma completa e uma de câmara), esta é uma obra de larga escala que incorpora as crenças pacifistas e humanitárias de Benjamin Britten.Britten intercala a configuração tradicional da missa de réquiem com poemas de Wilfred Owen, um dos maiores poetas da Primeira Guerra Mundial. Owen foi morto em combate sete dias antes do armistício, e isso enfatizou ainda mais o tema central do compositor – o desperdício criminoso de vidas humanas em conflitos fúteis. Britten usa nove poemas de Owen que formam uma espécie de ciclo de canções, que entra e sai das seções formais da missa latina, resultando em contrastes e ironias sutis e poderosos. A orquestra de câmara acompanha os cenários íntimos da poesia inglesa, enquanto soprano, coros e orquestra são usados para as seções da missa. O resultado é uma das obras mais comoventes e pessoais dos tempos modernos, considerada por muitos a obra-prima de Britten na esfera não operística.Uma série de forças se une para interpretar a obra: além da Sinfônica Municipal, os corais Lírico e Paulistano serão regidos pelo maestro Roberto Minczuk.

A coleção do Museu de Arte Moderna de São Paulo, ao longo dos últimos 77 anos, foi se transformando e ampliando. O acervo inicial de arte moderna do MAM foi doado à Universidade de São Paulo e deu origem ao Museu de Arte Contemporânea. Desde a década de 1960, o MAM refez seu acervo e adquiriu mais de 5 mil obras, grande parte de artistas contemporâneos. Mas quais são as diferenças e semelhanças entre o moderno e o contemporâneo na coleção do MAM? Trata-se apenas de uma distinção de períodos ou estilos? Certamente há diferenças históricas e teóricas que merecem ampla discussão, mas, afinal, é possível traçar com precisão a fronteira visual e temporal entre a arte moderna e a arte contemporânea?A exposição MAM São Paulo: encontros entre o moderno e o contemporâneo, com curadoria de Cauê Alves e Gabriela Gotoda, tem como objetivo apontar para as aproximações e diálogos entre arte moderna e contemporânea, partindo das obras do acervo do museu.