EXPOSIÇÕES

A exposição Baixa Resolução tem como motivação a ubiquidade das telas na atualidade. Inaugurando 61 anos após o lançamento de Os meios de comunicação como extensões do homem, livro tão famoso quanto criticado de Marshall McLuhan, a curadoria busca traçar as consequências da onipresença dos media nas mais variadas atividades humanas e seus efeitos sobre o trabalho, o comportamento, a política, o consumo e o desejo. São exibidos trabalhos de Amilton, biarritzzz, Coralina de Sordi, Kauê Garcia, Paulo Bruscky e Gabriel Mascaro, Pedro Gallego. Dentre as obras, há uma diversidade de mídias e linguagens.

A exposição resgata o trabalho de Eliseu Visconti, pintor brasileiro de origem italiana e precursor do modernismo no país, em diálogo com obras de Renoir. Com curadoria de Denise Mattar, a mostra reitera a importância de um movimento que mudou a história da arte mundial e examina como ele chegou ao Brasil.A exposição Visconti e Renoir – Impressionismo 150 anos apresenta um conjunto significativo de obras de Eliseu Visconti e algumas pinturas de Pierre-Auguste Renoir, reforçando a relevância de um movimento que inaugurou a arte moderna no mundo. Esses dois artistas, de contextos distintos, dividem o espaço em um diálogo que percorre diferentes geografias e histórias. Contudo, nesta exposição, Visconti é o protagonista desta narrativa.

Principal feira de arte e design do mercado brasileiro, a SP-Arte realiza sua 21a edição, com a presença de galerias brasileiras e internacionais. Entre os 200 expositores, estão nomes estabelecidos no mercado, como Luisa Strina, Almeida & Dale e a Vermelho, além da nova geração de galerias como Flexa e Martins&Montero. O evento também fortalece sua conexão com o cenário internacional, contando com galerias como Continua (Itália), Sur e Piero Atchugarry (Uruguai), Salar (Bolívia), RGR (México) e as estreantes Cecilia Brunson e Andrea Brunson (Reino Unido e Chile, respectivamente). O setor de design segue presente, com a participação de estúdios como: Attom (Carlos Motta), Rodrigo Ohtake para Granistone, Lucas Recchia, Etel, Estúdio Rain, ,ovo e Teo.

“Domingo no parque", individual de Renata Lucas, reúne obras realizadas nos últimos 15 anos.A radicalidade do trabalho de Lucas se evidencia no confronto não apenas com a escala das três salas expositivas do museu, mas também na fachada e na praça em frente ao prédio da Pina Estação, localizada no Largo General Osório.O repertório da artista se concentra especialmente em intervenções temporárias em ambientes já existentes, rompendo os limites delineados dos espaços arquitetônicos e urbanos, e levantando questões sobre a forma como nosso dia-a-dia e comportamento social são determinados pelos espaços que nos rodeiam.

O coletivo Serigrafistas Queer surgiu durante uma oficina de serigrafia que tinha o objetivo de ensinar ativistas a estampar camisetas para a manifestação do Orgulho LGBTQIA+, em Buenos Aires. Composto por artistas, ativistas e participantes espontâneos, o coletivo combina técnicas de artes gráficas com slogans e frases de protesto que são impressos em faixas, camisetas e peças de tecido. A partir de encontros periódicos, os Serigrafistas Queer promovem discussões sobre o potencial das palavras de ordem provenientes de práticas e discursos dissidentes, estratégias para ampliar a disseminação das inúmeras possibilidades de manifestação dos desejos, além da produção de dispositivos móveis que facilitam as impressões serigráficas e com estêncil.

Após ser exposta no CCBB Brasília, a exposição idealizada pela AfrontArt desembarca em São Paulo. A coletiva conta com curadoria de Luana Kayodê e Cíntia Guedes e tem como foco valorizar as perspectivas negras, indígenas e LGBTQIAPN+ nas artes brasileiras. Com 114 obras, a mostra apresenta trabalhos de 16 artistas, entre eles: Emerson Rocha, Mayara Ferrão, Rafa Bqueer, Rafaela Kennedy e Uyra Sodoma

Exposição individual de uma série de fotografias por Claudia Andujar durante a primeira metade da década de 70. As imagens foram registradas durante expedições da artista entre o Pará e Amapá ao longo do Rio Jari e são dedicadas a celebrar a beleza e complexidade da natureza amazônica. Dividida em dois núcleos, a exposição traz as obras de Andujar em dois formatos, tanto em impressão de papel algodão quanto em projeções sobre tecido, que buscam reforçar o caráter onírico das imagens. A mostra é curada por Ana Carolina Ralston e realizada em parceria com a galeria Vermelho.

Exposição individual de Thiago dos Reis (São Paulo, 1988) dentro do projeto 'Nova Fotografia' do MIS. “Tardes, passos e canções” é um projeto fotográfico que surgiu espontaneamente durante as caminhadas do artista ao entardecer, acompanhado por uma playlist pessoal e homônima. O projeto explora a conexão entre a cidade, o movimento dos passos e a trilha sonora que embala esses momentos. As fotografias capturam personagens em uma espécie de busca contínua, expressando uma jornada interna que reflete a própria experiência do fotógrafo

Exposição individual do artista Gabriel Wickbold no Museu da Imagem e do Som. A mostra apresenta uma nova série autoral composta por 13 obras que exploram, por meio de fotografias fragmentadas e entrelaçadas, a complexa relação entre identidade, imaginação, hereditariedade e criação.Na série MAZE, Wickbold propõe uma interpretação visual que associa genealogia e memória coletiva. O artista utiliza fotografias em preto e branco de figuras "quase fictícias" de uma árvore genealógica, pessoal e também universal, reconfiguradas em composições labirínticas que transcendem categorias de gênero, etnia ou contexto individual. As obras, produzidas com técnicas de manipulação digital e impressão em tecido sintético vulcanizado, provocam reflexões sobre a construção da identidade a partir de narrativas familiares, culturais e genéticas.

A exposição coletiva nasce a partir do trabalho emblemático de Almeida Júnior (Itu, 8 de maio de 1850 — Piracicaba, 13 de novembro de 1899), Caipira picando fumo (1893), para repensar o imaginário em torno da identidade deste tipo social construído para designar o paulista interiorano.A figura do caipira surge do projeto político de uma elite cultural empenhada na modernização de São Paulo e na construção de um lugar destacado para o estado frente as outras unidades da federação.O alinhamento com tendências modernas internacionais de arte no século 19, o realismo e o naturalismo, faz do caipira a versão paulista dos trabalhadores do campo, à época colocado como tipo social fundador das culturas nacionais em diversos países. A primeira sala expositiva perpassa a construção desse personagem (caipira), a representação do ambiente rural e os afazeres que os caracterizam.Na segunda galeria, estão reunidas obras que buscam apresentar os antecedentes do caipira, que pode ser entendido como a síntese de outras imagens produzidas ao longo do século 19, entre elas bandeirantes, mestiços e caboclos. Paralelas a essas figuras, algumas paisagens retratam a destruição das florestas desde 1830, tratando da relação humana com o ambiente.A última sala se volta para a representação do sistema cultural em que a figura do caipira se insere, uma preocupação realista dos pintores modernos, como Almeida Júnior. É nessa sala que está a Saudade (1899), uma das obras mais emblemáticas de Almeida Júnior. Na pintura, uma caipira nos comove ao chorar sobre uma fotografia, que lhe traz uma recordação.

Realizada pela primeira vez no Brasil, a exposição “A vida que se revela” ocupa o segundo andar da Japan House São Paulo. Em colaboração com o “KYOTOGRAPHIE International Photography Festival” - reconhecido como um dos mais importantes eventos do gênero desde sua criação em Quioto em 2013 – a mostra exibe quatro séries de fotografias produzidas por Rinko Kawauchi (1972) e Tokuko Ushioda (1940), que retratam momentos familiares e a intimidade de seus lares no Japão. As séries, que capturam momentos com a família ou cenas cotidianas do lar, são baseadas em um diálogo entre essas duas importantes fotógrafas japonesas, Rinko Kawauchi e Tokuko Ushioda, que receberam grande reconhecimento no ‘KYOTOGRAPHIE International Photography Festival 2024’.

Com cerca de 200 obras de acervos públicos e privados do Brasil e do exterior, a mostra será organizada em diversos núcleos. A noção plural de histórias, em português, é particularmente relevante (em oposição à noção de History em inglês, por exemplo), pois pode abranger ficção e não ficção, relatos pessoais ou políticos, narrativas privadas ou públicas, possuindo um caráter aberto, especulativo, diverso e polifônico.

O Museu das Favelas apresenta uma exposição que traz como intuito ressaltar a cultura do funk paulista e incentivar o trabalho de artistas negros e periféricos. Com curadoria de Andreza Delgado, diretora criativa da PerifaCon, a coletiva conta com obras de : Akorô, Bárbara Tristão, BYA, DiasZz, Douglas Paiva, Hiago Bezerra, Hedinho, Homem Saudade³, Jeff, Maurício Sacramento, Wesley Fernandes, Tele Barbera, Everton dos Cortes, Luiz One, Lyv, Markus Cza, Mity Dias, O Tal do Alê, Ronam Santos, Suzana Leite e Tami Silva.

Com curadoria de Eder Chiodetto, a mostra de Giselle Beiguelman traz cerca de 30 trabalhos inéditos da artista, que utilizou inteligência artificial (IA) para desenvolvê-los. “Nos últimos três anos, tenho trabalhado extensivamente com IA em meus projetos artísticos. E tem sido uma tremenda experiência de aprendizado. No momento, me dedico à exploração de modelos de IA que utilizam linguagem natural para gerar imagens a partir de textos e transformar imagens em um dinâmico processo de tradução quase intersemiótica. As obras visuais apresentadas nesta mostra foram criadas com esse tipo de tecnologia”, explica Beiguelman.Em “Venenosas, Nocivas e Suspeitas”, a artista relaciona plantas que foram proibidas ou demonizadas pelo colonialismo – por razões que vão do seu uso em práticas rituais a poderes afrodisíacos ou alucinógenos – a mulheres que foram apagadas da história da arte e da ciência.Pau-brasil, cannabis e cogumelos são outras algumas das plantas que surgem em vídeos criados por Beiguelman, que abasteceu a IA com referências da arte e estética de diversas botanistas que, no seu tempo, não tiveram o reconhecimento de seu trabalho, como Sarah Anne Drake (1803-1857), responsável pelas ilustrações do livro “Orchidaceae Of Mexico And Guatemala" (1837-1843), de James Batemane.A artista também homenageia naturalistas do século XVII ao XIX, que, apesar de terem feito importantes contribuições à ciência e às artes, nunca receberam os devidos créditos

“Era uma vez: visões do céu e da terra” é uma exposição coletiva que se organiza como uma viagem no tempo e no espaço para refletir sobre o fim do mundo e a imaginação de outros mundos. A mostra que acontece na Grande Galeria do edifício Pina Contemporânea articula perspectivas de 33 artistas de variadas gerações e origens no Brasil e no mundo, cujas produções permitem vislumbrar o confronto entre diferentes lógicas de habitar o planeta e, sobretudo, inventá-lo; uma viagem no tempo e no espaço para refletir sobre o fim do mundo e imaginar novos inícios.A exposição investiga o pensamento cosmológico das pessoas artistas, desde o período de 1969 – ano que marca os eventos históricos da chegada do homem à Lua e da divulgação do primeiro relatório da ONU sobre “Problemas do meio ambiente urbano” – até os dias de hoje, em que a relação predatória da humanidade com o planeta colocou as questões ambientais como tema central no debate ao redor do globo.

Exposição individual da artista Camile Sproesser na sede da galeria. Nos trabalhos apresentados, a artista aprofunda sua pesquisa recente, expandindo os limites da pintura a óleo tradicional ao utilizar a juta como suporte, usando material proveniente de Jaipur, na Índia.Em Ópera Natural, Sproesser explora a dimensão mística na experiência de pertencimento à natureza, revelando uma profunda conexão entre o mundo interior e exterior. Para isso, a artista escolheu a juta, uma fibra têxtil vegetal, para desenvolver novas possibilidades técnicas, explorando a qualidade tátil da superfície e a irregularidade das formas, enquanto suas pinturas nos lembram que somos feitos da mesma substância: plantas, animais, humanos, rios, pedras, estrelas.

Exposição individual da artista Deborah Engel na Galeria Marília Razuk. A artista propõe em sua pesquisa uma reinvenção da contemplação, tomando como interesse questões ligadas à fotografia expandida, à experimentação daperspectiva e do enquadramento e ao Cinetismo.A mostra traz um conjunto de sete novas fotografias criadas com colagens que instigam e provocam o olhar do espectador, desafiando a percepção de profundidade e perspectiva. Ao lado das fotografias, a exposição conta com uma instalação composta por linhas elásticas que dialogam com o ponto de fuga presente nas imagens, criando uma continuidade entre os elementos bidimensionais e tridimensionais. Engel apresenta ainda dois desenhos e quatro esculturas inéditas, sendo duas em metal e duas em madeira, todas explorando a questão do prisma e sugerindo uma quarta dimensão, convidando públicoa se perder no espaço e na vertigem.

A exposição coletiva, com curadoria de Mario Gioia, apresenta uma seleção de trabalhos que discorrem sobre o tema da memória.

A galeria inaugura sua programação de 2025 com uma individual da artista mineira Jeane Terra. A mostra, com curadoria de Guilherme Wisnik, apresenta 13 obras que transitam entre pintura, escultura, fotografia, bordado, gravura e videoarte. Na exposição, as obras de Jeane dão fisicalidade à experiência da finitude, processos de apagamento e memória e têm como matéria-prima, camadas da psiquê da artista acerca do tema, entrecruzadas com o território da floresta amazônica - especialmente a reserva do Jaú e o arquipélago de Anavilhanas, no Rio Negro, onde estão as ruínas da cidade de Velho Airão.

A galeria inicia seu calendário de exposições em 2025 com a mostra individual do jovem artista cearense Higo José, nascido na cidade de São Benedito, em 1994, e residente em São Paulo desde 2007. A mostra reúne 35 trabalhos inéditos de Higo, que tem afirmado sua personalidade artística por meio de uma minuciosa técnica do bordado, presente em tapeçarias que trazem para a contemporaneidade a herança ancestral das pinturas rupestres, em uma pesquisa que também se manifesta na criação de esculturas que buscam inspiração na arte pré-histórica.

Exposição individual da artista peruana radicada no Brasil Nydia Negromonte. A artista apresenta uma pesquisa que convida à observação atenta da matéria, dissolvendo hierarquias entre as palavras e as coisas e desafiando expectativas de significados aparentes. Entre as obras expostas na individual, está um trabalho que reconfigura a instalação "Posta", desenvolvida pela artista em 2012 e exposta na 30a Bienal de Arte de São Paulo.

Identidade. Memória. Esquecimento. Quais histórias escolhemos lembrar e quais preferimos esquecer? Esse é o ponto de partida da exposição “Re-Utopya”, primeira individual de Hal Wildson em São Paulo. Com texto curatorial de Lucas Albuquerque, a mostra tem origem no Prêmio Breeze, no qual Wildson foi contemplado em 2024, e cuja exposição homônima foi apresentada na Embaixada do Brasil em Londres. Agora, na Galeria Lume, “Re-Utopya” ganha novas obras e expografia, enquanto o artista constrói narrativas que questionam os projetos de identidade e apagamento que moldam a história oficial do Brasil, dissolvendo as fronteiras entre arquivo e memória.

Cícero Dias – com açúcar, com afeto apresenta a obra do artista brasileiro que se tornou compadre de Picasso. Vivendo a maior parte de sua vida em Paris Cícero nunca abandonou suas raízes, fincadas em Pernambuco. Apresentando 42 obras vindas de instituições e de coleções particulares, a exposição faz um recorte que evoca o aspecto doce, lírico e afetuoso da produção artística do eterno menino do Engenho Jundiá.Utilizando as cores marcantes da paleta de Cícero Dias a expografia evidencia a circularidade proposta pela curadoria, integrando as várias fases do artista. Uma exposição colorida, calorosa e afetiva que propõe ao visitante um olhar para a eterna juventude da arte.

Vozes da Várzea é uma homenagem à história de resistência, criatividade, comunidade e amor à bola que se desenvolveu às margens dos rios paulistanos e se espalhou pela cidade de São Paulo. Uma viagem no tempo pela maior cidade da América Latina.

A Galeria Jacques Ardies apresenta a exposição "12 Caminhos", uma mostra que reúne o talento e a singularidade de 12 artistas de renome na arte popular brasileira contemporânea. A mostra conta com a participação dos artistas Ana Maria Dias, Cristiano Sidoti, Edivaldo, Edna de Araraquara, Enzo Ferrara, Francisco Severino, Helena Coelho, Isabel de Jesus, Lucia Buccini, Luiz Cassemio, Mara D. Lopes e Vanice Ayres.

Mariana Manhães apresenta a exposição individual ‘O lado de fora dos olhos fechados’, na Central.Um conjunto que mescla escultura, instalação e vídeo reorganiza a ambientação da galeria. Seguindo os procedimentos de sua última individual na Central, ‘Montanhas nos observam em time-lapse’ (2019), Manhães propõe alterações na iluminação do espaço e recorre a recursos sonoros para compor a percepção de uma "floresta inventada", como pontua a artista.‘O lado de fora dos olhos fechados’ marca a mudança na prática da artista, que, após um período de silêncio, experimenta novos materiais e soluções formais para as obras apresentadas.

A curadoria propõe um recorte de obras, realizadas entre as décadas de 1960 e 1970, no Brasil, por artistas representativos da nova figuração, do teor político e da explosão colorida do pop, como Wesley Duke Lee, Claudio Tozzi, Antonio Dias, Cildo Meireles, Nelson Leirner, Raymundo Colares, Rubens Gerchman, Carlos Zilio, entre outros.

A galeria apresenta uma exposição individual do artista Claudio Tozzi, com obras realizadas pelo artista entre 1968 e 2024, percorrendo mais de cinquenta anos de intensa produção, durante os quais refletiu sobre o poder da imagem construída em um trânsito visual entre o espaço público e o espaço privado. A mostra conta com texto crítico assinado pelo curador Diego Matos.O artista teve um papel importante na pintura brasileira durante a década de 70, dentro do contexto da Nova Figuração Brasileira, uma leitura crítica sobre a emergente cultura de consumo de massas que se integrava a uma Ditadura Militar recém-instaurada. Dedicava, nesses primeiros anos, uma especial atenção aos símbolos ligados à militância popular, como as imagens da multidão em protesto ou do rosto de Che Guevara.

Primeira individual do artista Jean Araújo (Vitória da Conquista, 1975) na galeria Luciana Caravello. Com curadoria de Roberto Bertani, a mostra reúne 22 obras inéditas que marcam uma constante evolução da pesquisa pictórica do artista, apresentando as recentes experiências com a cor e suas interações com a luz e o espaço. Diferentemente da pintura tradicional, sinônimo de permanência e eternidade, as obras desta exposição produzem um acontecimento cromático que evolui continuamente junto com o espectador e com a mudança da luz, em aberta contradição com a natureza e os cânones do espaço pictórico tradicional.O trabalho e a pesquisa de Jean Araújo constroem um diálogo com os principais nomes da arte óptica e cinética, como Carlos Cruz-Diez, Jesús Rafael Soto e Júlio Le Parc. Tal como os mestres, a obra de Araújo explora o movimento de maneira peculiar: em vez de elementos físicos em deslocamento, é a própria experiência visual do espectador que "se move" conforme ele interage com as cores.

A exposição apresenta trabalhos variados cuja temática está centrada nos mitos da criação do mundo das religiões afro-brasileiras. Na mostra, estarão reunidos trabalhos de 14 artistas, em técnicas diversas, em cujas obras as narrativas afro-brasileiras estão fortemente representadas. Pinturas, desenhos, esculturas, fotografias, instalações e as mais variadas expressões, linguagens e técnicas dão forma à exposição.Entre o Aiyê e o Orun tem como objetivo colocar em pauta a produção artística afro-brasileira influenciada pela cosmologia africana, num movimento de reconhecimento e valorização das matrizes culturais. Além da relevância artística dos trabalhos expostos, ainda se destaca a diversidade de suportes e técnicas apresentadas, exaltando a diversidade da produção artística oriunda da Bahia, berço da cultura africana no Brasil. A mostra contempla expoentes das artes plásticas como Agnaldo dos Santos (1926- 1962), Carybé (1911-1997), Emanoel Araújo (1940-2022), Jayme Figura (1959-2023), Mario Cravo Jr. (1923-2018), Mario Cravo Neto (1947-2009), Mestre Didi (1917-2013), Pierre Verger (1902-1996), Rubem Valentim (1922-1991), Ayrson Heráclito, Caetano Dias, J. Cunha, José Adário e Nadia Taquary

Artista Visual voltada para as infâncias, Maria Ezou apresenta uma instalação interativa, que materializa uma cidade imaginária e biocêntrica, uma fortaleza onírica onde os seres humanos, seus corpos, as casas e o restante da natureza são partes de um mesmo sistema: harmônico e fantástico. A artista criou 15 esculturas chamadas de "casas-corpos", moldados a partir do tronco de seu próprio corpo e que apresentam, em cada um, pequenas miniaturas.

Diversas e inusitadas soluções de design e processamento sustentável de recursos naturais ganham destaque na exposição inédita "Princípios japoneses: design e recursos". A mostra reúne 16 projetos de 14 criadores que apostam em formas de aproveitamento máximo e minimização de desperdícios dos recursos e materiais, além de iniciativas para valorização de recursos e técnicas tradicionais japonesas. Com muitas possibilidades, a exposição apresenta iniciativas em áreas como arquitetura, design, artesanato tradicional, têxteis, itens de esporte e instrumentos musicais.A inspiração para a mostra nasceu da longa tradição do “não desperdício”, parte da filosofia japonesa mottainai – junção do vocábulo de origem budista “mottai”, que se refere à essência das coisas, com a partícula “nai”, que indica negação na língua japonesa.

A exposição parte da curiosa coleção máscaras mortuárias — moldadas sobre o rosto de pintores como Almeida Júnior e Pedro Alexandrino — para investigar os modos como artistas lidam com o tempo e sua experiência. Reunindo cerca de 40 esculturas, que vão do século XII aos dias de hoje, a mostra é uma oportunidade para refletir sobre a linguagem, ver e rever obras fundamentais do acervo da Pinacoteca.

A exposição apresenta um panorama de 40 anos da fotografia contemporânea feita por mulheres amazônicas. Projeto do Museu das Mulheres, com curadoria de Sissa Aneleh, a mostra nasce de um extenso trabalho de pesquisa que vem sendo realizado há mais de uma década e propõe reflexões sobre identidade, território e memória, a partir da perspectiva de temáticas de 11 fotógrafas.A exposição reúne cerca de 160 obras – incluindo fotografias, jornais artísticos, propostas fotográficas, áudios e vídeos – distribuídas em cinco andares do edifício do CCBB.

Maior exposição realizada pelo Museu Judaico de São Paulo desde sua inauguração em 2021, Judeus na Amazônia abre suas portas ao público no dia 2 de novembro. Reunindo mais de 220 itens entre obras de arte, vídeos, documentos históricos e fotográficos, a mostra propõe dar conta de um capítulo pouco conhecido da história brasileira: a imigração judaico-marroquina para a Amazônia, que aconteceu entre 1810 e 1930, trazendo centenas de famílias que viviam em cidades como Tânger, Tetuan, Fez e Marrakesh. Na região se estabeleceram como regatões, os mascates dos rios, e atuavam no período do auge da economia da borracha levando e trazendo mercadoria das cidades para os seringais. Com curadoria conjunta de Aldrin Moura de Figueiredo, Ilana Feldman, Mariana Lorenzi e Renato Athias, a panorâmica é fruto de uma pesquisa de dois anos realizada pelo Museu e ocupa três andares de sua sede. Com obras de artistas como Claudia Andujar, Donna Benchimol, Thomaz Farkas, Arieh Wagner, Sergio Zalis, Abrão Bemerguy e Mady Benzecry – além de três obras comissionadas –, o projeto propõe um olhar ampliado sobre como a cultura judaica se ambientou em diferentes localidades amazônicas, influenciando e sendo influenciada, sem perder suas raízes.

O artista Zé Tepedino apresenta sua segunda individual na galeria. A mostra “Vento Corta” reúne um conjunto de obras recentes que exploram diferentes materialidades, escalas e ritmos, construindo sistemas poéticos em constante diálogo. Elementos corriqueiros se aproximam e se repetem, mas nunca de maneira idêntica.Muitos trabalhos são atravessados tanto pela ideia de vento - como nas obras com bandeiras - quanto pela ação de cortar, um gesto recorrente.Assim como o vento, quase invisível, a mostra se revela na relação com o tempo, afirmando sua presença no instante e na memória.“O vento é sutil, muitas vezes imperceptível, assim como muitos dos materiais com os quais escolho trabalhar. No entanto, pela repetição de gestos simples, esses materiais ganham presença e se afirmam no corte—uma marca física e evidente”, explica Tepedino.

A galeria apresenta, em suas duas salas, a exposição individual de Marcius Galan, com obras inéditas que exploram a resistência, a instabilidade e o equilíbrio dos corpos no espaço. O artista apresenta instalações e objetos que parecem à beira do colapso, mas mantêm suas funções, tensionando matéria e movimento.Entre os destaques, a instalação Cinema (2025) simula o voo de vaga-lumes em uma sala escura, em homenagem a Pier Paolo Pasolini; Anti-horário mostra um galho desenhando círculos no deserto; e Infinito (1999), único trabalho anterior, é um tubo de vidro interrompido por cera.Na Sala 2, obras com pedras, carvão e ferro confrontam peso e equilíbrio, como em Memória geológica, Força resultante e Baixa resolução, evocando desde tensões físicas até paisagens devastadas. Já Orbital combina pintura e pedras minerais em movimentos circulares que gravam marcas na superfície.

A artista Lia D Castro apresenta obras inéditas na exposição individual "Passantes". Em sua nova série, Lia D Castro parte de um gesto simbólico: a compra de pinturas com os temas de naturezas-mortas e paisagens em antiquários, sobre as quais intervém ao pintar pés masculinos. Esses pés pertencem a homens que foram criados por mulheres — mães, tias, avós —, dentro de um sistema matriarcal. A proposta de Castro inclui, ainda, um jogo visual que desestabiliza a leitura comum desse gênero de pintura ao posicioná-las de ponta cabeça, criando um contratempo ótico que nos convida a olhar para o trabalho de arte sob um novo ângulo. Essa inversão também sugere uma releitura do museu e da própria história da arte, desafiando a persistente “retina colonial”, termo utilizado pela artista para descrever o olhar eurocêntrico que moldou a produção e a recepção das imagens ao longo dos séculos.

A Simões de Assis apresenta um conjunto de 10 obras de Jorge Guinle, sendo nove em grande formato, realizadas pelo artista durante sua temporada em Nova York, entre 1985 e 1986. Pela primeira vez reunidas e trazidas ao Brasil, essas pinturas marcam um momento singular em sua trajetória, combinando maturidade artística com a densidade emocional que permeou seus últimos anos de vida.No período em que produziu essas telas, Guinle participou da 17ª Bienal de São Paulo e realizou exposições individuais em importantes galerias. Paralelamente, enfrentava o impacto de um diagnóstico de doenças relacionadas à aids, que levaria ao seu falecimento em 1987. As telas dessa fase nova-iorquina revelam um percurso intenso e visceral, no qual suas composições se tornam mais diluídas e translúcidas, sem perder a vibração gestual e cromática que caracterizou sua obra.A exposição conta com texto assinado por Vanda Klabin, curadora, historiadora e amiga próxima do artista, que contextualiza a importância desse conjunto dentro da produção de Guinle. Reconhecido por sua abordagem singular dentro da pintura contemporânea brasileira, ele estabeleceu um diálogo intenso com as tendências internacionais da época, como o expressionismo abstrato e a pintura norte-americana do pós-guerra. Ao longo de sua curta, mas intensa carreira, Guinle foi um dos grandes incentivadores da revalorização da pintura nos anos 1980, sendo uma referência fundamental para a chamada Geração 80.

Exposição individual da artista paulistana Cristiane Mohallem. Suas obras convidam o público a adentrar um universo onírico por meio de onze tapeçarias bordadas e seis pinturas que transitam entre o abstrato e o figurativo.Inspirada pelo poema "Eros e Psique", de Fernando Pessoa, Mohallem transforma experiências e memórias em paisagens imaginárias. Partindo de lugares que fazem parte do seu cotidiano, como uma praça em São Paulo até um pequeno vilarejo na Islândia, suas obras entrelaçam cores e formas que evocam tanto familiaridade quanto estranhamento.

Com curadoria de Renato De Cara, curador do Paço das Artes, a exposição traz 58 trabalhos de 18 artistas que, por meio de suas obras, refletem sobre os impactos significativos e, muitas vezes, irreversíveis das ações humanas ao meio ambiente. Para além das mudanças nas paisagens, os artistas exibem exercícios de imaginação para um futuro fantasioso, investigando linguagens, representações utópicas, apocalípticas e objetos ficcionais.Artistas convidados: Alexandre Ignácio Alves, Ariel Spadari, Brunøvaes, Chico Santos, Felipe Góes, Hugo Fortes, Lalo de Almeida, Leila de Sarquis, Luanna Jimenes, Marcelo Moscheta, Mauricio Parra, Meia, Mercedes Lachmann, Rafaela Foz, Ricardo Barcellos, Rosa Hollmann, Uýra, Virginia de Medeiros.

Em meio aos prédios e todo o cenário urbano de São Paulo, a exposição mergulha Nhe´ ẽ Se nas formas como os povos indígenas enxergam a vida, a comunidade e a natureza. Desde a origem do mundo, os rios são vistos como as veias da terra e canais que conectam o mundo físico ao espiritual, fornecendo sustento e equilíbrio. A mostra reúne obras de treze artistas indígenas contemporâneos de diversas regiões, evocando uma jornada de memória, resistência e renovação através das vozes, visões e fluxos de Guaranis, Pankararus, Mura, Tukanos, Molina, entre outros povos. A exposição mescla artistas já renomados com novos nomes: Aislan Pankararu, André Hulk, Auá Mendes, Daiara Tukano, Day Molina, Déba Tacana, Edgar Kanaykõ Xakriabá, Glicéria Tupinambá, Paulo Desana, Rodrigo Duarte, Tamikuã Txihi, Xadalu Tupã Jekupé, e Yacunã Tuxá. A curadoria é assinada por Sandra Benites e Vera Nunes.

A exposição apresenta imagens feitas pelo fotógrafo Marco Alves em São Roque de Minas, na Serra da Canastra (Minas Gerais). As cerca de 40 fotografias expostas apresentam um registro de um modo de vida simples e de tradições que correm risco de desaparecer no futuro próximo, algo que se reflete no nome da exposição: “A escolha do nome também vem para afirmar sobre a dramaticidade e a certeza do desaparecimento desse tempo, o fim dessa”, aponta o artista. No dia da abertura da exposição, será lançado também um livro com estas imagens da expedição do fotógrafo pela Serra da Canastra.

Uma das referências no trabalho de memória política no país, o Núcleo de Preservação da Memória Política - NM, em parceria com o Centro MariAntonia da USP, apresenta a exposição “Ausências Brasil”, do fotógrafo argentino Gustavo Germano. A primeira versão de "Ausências" foi lançada em outubro de 2007, após um longo processo de busca para retratar, através de paralelos fotográficos, a "presença das ausências" dos assassinados e desaparecidos da ditadura argentina. O fotógrafo Gustavo Germano retornou ao país 30 anos após o golpe militar de 1976 para, junto com familiares de desaparecidos políticos – incluindo a do próprio artista – recriar fotos antigas nos mesmos locais, agora marcadas pela ausência dos entes queridos.O projeto se expandiu para outros países da América Latina, retratando vítimas da "Operação Condor". A exposição conta com 12 histórias de pessoas brasileiras desaparecidas durante a ditadura militar, cobrindo locais do Ceará ao Rio Grande do Sul.

A galeria Gomide&Co com uma exposição em duo, com trabalhos das artistas Julia Isidrez e Maria Lira. Baseada em projeto apresentado pela galeria em Nova York no ano passado, durante a feira Independent 20th Century, a exposição é uma oportunidade para o público brasileiro ter contato com o diálogo entre as obras dessas duas artistas visuais que têm muito em comum, apesar das particularidades regionais e culturais que demarcam suas produções, apresentando as afinidades que são perceptíveis entre seus contextos distantes. Ambas as artistas trabalham a partir de antigas tradições indígenas ou afro-indígenas, criando, nos dias atuais, obras que escapam do programa tradicional da arte no Ocidente.

Para marcar um novo momento da galeria, com a inauguração de sua sede ampliada e reformada, Paulo Kuczynski apresenta uma exposição inédita dedicada à obra da pintora de origem alemã Eleonore Koch (1926-2018), artista que figurou em algumas edições da Bienal de São Paulo, e única discípula do mestre Alfredo Volpi. A mostra reúne um conjunto representativo de obras que traçam um panorama da trajetória de Eleonore, desde seus primeiros trabalhos até suas últimas criações. A exposição é um convite para refletir sobre a sensibilidade técnica e emocional da artista, que soube capturar, em cada tela, o ordenamento das coisas do mundo como resposta à desordem ao seu redor.

Inaugurada no dia que marca os 111 anos do nascimento de Carolina Maria de Jesus, a exposição celebra o legado da escritora para a arte e cultura a partir dos trabalhos de 11 artistas negras contemporâneas, de diversas linguagens artísticas. A mostra busca destacar o legado de Carolina Maria de Jesus nas novas gerações e reforçar o impacto de sua multifacetada produção artístico-literária para a arte e cultura brasileira.A exposição conta com obras de múltiplas técnicas e elementos, como pinturas, esculturas, bordados, entre outros, reunindo as artistas: Ana Paula Sirino, Antonia Maria, Bianca Foratori, Chris Tigra, Gugie Cavalcanti, Isa Silva, Mayara Amaral, Negana, NeneSurreal, Siwaju e Soberana Ziza. Reunidas, essas artistas apresentam obras que permeiam o universo de Carolina e/ou trazem referências em suas cores e simbologias.

Exposição individual da artista Ana Amorim. Com uma prática artístico-conceitual centrada no fazer diário, a mostra elucida a forma metódica com que a artista registra o tempo da própria vida, suas experiências e deslocamentos, transformando cada trabalho em uma prova inequívoca de sua existência. O próprio título da exposição reitera o exercício sistemático de registro da sua vivência: os localizadores, utilizados por Ana Amorim para taxonomizar sua produção, fazem referência tanto ao tempo fixado nos calendários (horas, dias, meses e anos), quanto ao tempo fugidio — as horas e os dias restantes para o final do ano, por exemplo.

Exposição individual do artista uruguaio Marco Maggi. Com 14 trabalhos, a mostra apresenta majoritariamente criações recentes do artista, produzidas nos últimos dois anos.Com trajetória iniciada na década de 1990, Marco Maggi temno funcionamento do olhar contemporâneo – pautado pelo excesso de velocidade, imediatismo e voracidade –, e em sua crítica, o ponto de partida de seu trabalho. Temos muitas vezes, como consequência disso, uma mirada descomprometida e apressada sobre o mundo que nos rodeia, algo que é rechaçado pelas proposições do artista que seguem pelo caminho oposto ao descrito, instigando o espectador a exercitar uma presença ativa que nos parece destoar da lógica atual em que estamos inseridos, apesar da obsessão dos nossos tempos com práticas como o mindfulness.Sob um olhar desatento, os trabalhos de Maggi parecem silenciosos, e, em alguns casos, quase imperceptíveis. A escala miniaturizada em que são realizados demanda um olhar presente do espectador. Dessa forma, desvela-se oque a princípio custa a se mostrar: complexos, intrincadose minúsculos padrões geométricos, tracejados, linhas e até mesmo estruturas com certa vocação arquitetônica emergem do suporte e revelam uma inesperada e imbricada trama.

Terceira individual do cineasta e artista britânico Sir Isaac Julien (n. 1960) na galeria. A exposição conta com fotografias e colagens, grande parte destas inéditas, que são desdobramentos do filme Lina Bo Bardi – A MarvellousEntanglement (2019), que explora poeticamente a vida, a obra e o legado da arquiteta brasileira de origem italiana Lina Bo Bardi (1914-1992). As novas colagens de Isaac Julien, apresentadas pela primeira vez, destacam-se pelo uso singular das cores, evocando diversos motivos poéticos e ecológicos na obra de Lina Bo Bardi.Simultaneamente a mostra na galeria, o MASP – Museu de Arte de São Paulo Assis Chateaubriand apresentará, pela primeira vez no Brasil, a vídeo-instalação composta de 9 telas em seu novo anexo, o edifício Pietro Maria Bardi. Desse modo, o público poderá ter contato com partes complementares do mesmo trabalho de Julien.Tanto no filme como nas fotografias e colagens, Bo Bardi é representada em diferentes estágios de sua vida pelas aclamadas atrizes brasileiras Fernanda Montenegroe sua filha Fernanda Torres. No filme, as atrizes leem textos adaptados dos escritos da arquiteta, envolvendo os espectadores em uma narrativa que se baseia em uma citação de Bo Bardi que diz: “O tempo não é linear, é um maravilhoso emaranhado no qual, a qualquer momento, fins podem ser escolhidos e soluções inventadas, sem começo nem fim”.

A individual de Katie Van Scherpenberg se alinha a um dos fundamentos do programa da Galatea, que envolve resgates históricos e reposicionamento de grandes artistas cuja produção se encontre em certa medida distanciada da cena atual da arte brasileira.Iniciada há cinquenta anos, a produção de Scherpenberg deriva das suas investigações a respeitoda pintura e dos elementos estruturais e simbólicos que a constituem. A artista experimentou todasorte de intervenção sobre tela e madeira, pesquisando pigmentos naturais, desenvolvendo a própriatêmpera, desencadeando reações químicas e examinando as oxidações sofridas por diversosmateriais.

A exposição coletiva conecta artistas de diversas regiões e épocas, através temas de comoamor, desejo e o magnetismo nas relações humanas. O título da exposição, Carvões acesos, foi emprestado de um poema em forma de receita intitulado Coisas para o ninho, escrito por Patrícia Galvão (Pagú) enquanto estava presa pela ditadura Varguista, cujo manuscrito será exposto na mostra. A noção de algo que persiste na sua escandecência e calor, tal qual um carvão em brasa, permeia a mostra com trabalhos que exploram a tensão sexual e o magnetismo da sedução.Estão presentes na mostra nomes que conectam gerações e territórios da arte brasileira e tambéminternacional, como Alair Gomes, Allan Weber, Amélia Toledo, Antonio Dias, Chico Tabibuia, Cildo Meirelles, Dani Cavalier, Edgard de Souza, Fefa Lins, Gabriella Marinho, Hudinilson Junior, Ismael Nery, Jonathas de Andrade, Leonilson, Louise Bourgeois, Luiz Roque, Mayara Ferrão, Panmela Castro, Rafael RG, Retratistas do Morro, Rosângela Rennó, Tunga e Wesley Duke Lee.

A mostra “O Gabinete de Marcelo Grassmann”, com curadoria de Luiz Armando Bagolin, abre no Museu Lasar Segall (Ibram/MinC), no bairro da Vila Mariana, em São Paulo. Reunindo 62 desenhos de monstros ou seres informes da década de 1950, na sala amarela, e alguns poucos da década anterior, em uma vitrine, a mostra apresenta obras que ficaram guardadas com o artista, e raramente foram vistas. Elas compõem um acervo essencial para o qual Marcelo sempre retornou a fim de iniciar ou reiniciar as suas séries de trabalhos. Ela é a primeira de uma série de mostras que celebram o centenário do artista gráfico Marcelo Grassmann (1925-2013).

A exposição se dedica a examinar o acervo da colecionadorae galerista Vilma Eid, que nos últimos quarenta anos forjou uma coleção singular, reunindo trabalhos de mais de 100 artistas entre os ditos populares, modernos e contemporâneos. Com mais de 300 obras divididas em duas salas, a mostra tem curadoria de Ana Roman e Catalina Bergues. A mostra integra o programa de exposições Instituto Tomie Ohtake visita, que busca criarconexões com colecionadores e agentes do circuito da arte, proporcionando acesso acoleções que, em parte, são pouco exibidas ao grande público.

A exposição individual percorre por mais de quatro décadas de trabalho da artista mineira Patrícia Leite. Com curadoria de Germano Dushá ,Olho d’água reúne cerca de 30 obras, entre desenhos, pinturas e objetos. Entre os destaques da exposição, estão telas emblemáticas da artista, desenhos abstratos em pastel sobre papel da década de 80 e trabalhos produzidos entre 2020 e 2025, objetos feitos a partir de pequenas peças compostas pela união de itens encontrados, como pedaços de vidro, madeiras, pedrinhas, miçangas e miudezas decorativas.

A DAN Contemporânea apresenta Amazônia Vida, uma exposição de José RobertoAguilar que explora as dimensões físicas e simbólicas da floresta por meio da pintura.Com um conjunto de 15 obras de grande formato, o artista retrata a Amazônia comouma entidade viva, vibrante e repleta de cor e movimento. Com curadoria de FabioMagalhães, a mostra convida o público a refletir sobre a relação entre natureza ehumanidade, os ciclos da vida, a fluidez do tempo e a transitoriedade da existência.

A exposição Racionais MC’s: O Quinto Elemento celebra os 35 anos de carreira da icônica banda de rap formada por Mano Brown, Edi Rock, KL Jay e Ice Blue, em uma jornada imersiva celebrando uma relação de irmandade e a conexão do grupo com seus fãs.Dividida em eixos temáticos, possui um percurso expográfico que reflete a força das palavras e energia transformadora em uma experiência imersiva, convidando o público a mergulhar na trajetória do grupo e de cada integrante.

A exposição Racionais MC’s: O Quinto Elemento celebra os 35 anos de carreira da icônica banda de rap formada por Mano Brown, Edi Rock, KL Jay e Ice Blue, em uma jornada imersiva celebrando uma relação de irmandade e a conexão do grupo com seus fãs.Dividida em eixos temáticos, possui um percurso expográfico que reflete a força das palavras e energia transformadora em uma experiência imersiva, convidando o público a mergulhar na trajetória do grupo e de cada integrante.

A exposição Eu mesmo, Carnaval, que ficará aberta até 31 de maio de 2025, nos convida a conhecer a profunda relação de Mário de Andrade com o carnaval paulistano, principalmente na região da Barra Funda e em outros lugares do país. O título escolhido reproduz um verso do poema “Carnaval carioca”, escrito por Mário de Andrade em 1923, inspirado na experiência do autor no festejo carioca neste mesmo ano.A exposição, com curadoria de Arthur Major, pesquisador da Casa Mário de Andrade, e Fábio Parra, do departamento de comunicação e cultural do G.R.C.E.S. Mocidade Alegre, traz uma interface entre a pesquisa de Mário de Andrade sobre o Carnaval e o enredo de 2024 da escola paulistana Mocidade Alegre “Brasileia Desvairada: A busca de Mário de Andrade por um país”, tecendo o fio condutor do discurso curatorial, tendo como guia o personagem do Arlequim, que pela visão do escritor, representa tanto a cidade de São Paulo, quanto a personificação do próprio poeta.

Inuk Silis Høegh (Qaqortoq, Groenlândia, 1972) é um artista e cineasta cujo trabalho elabora questões sobre as mudanças climáticas e os processos coloniais na Groenlândia. Filho de artistas, cresceu imerso em exposições e se inseriu profissionalmente no meio artístico a partir da produção audiovisual e escultórica, principalmente com documentários e instalações de grandes dimensões. Høegh se interessa pela relação entre humanidade e natureza, focando nos processos políticos e culturais do seu país e em como eles afetam os povos originários inuítes e o meio ambiente.The Green Land [A terra verde] (2021) apresenta registros das intervenções visuais realizadas pelo artista na paisagem de sua terra natal, que enfrenta grandes mudanças devido ao aumento da temperatura média global. Com um ritmo lento e meditativo, o vídeo tematiza os quatro elementos naturais, todos representados por diferentes materialidades da cor verde.

Exposição individual da artista argentina Liliana Porter, com uma seleção de obras da sua produção dos últimos cinco anos. A produção da artista nos coloca diante de pequenas fábulas visuais, ou crônicas atemporais da nossa própria condição de ser humano. Uma de suas grandes habilidades recai no poder de síntese das suas representações, que paradoxalmente (ou ironicamente) acontece a partir do colecionismo. Bibelôs, brinquedos, ornamentos e outros pequenos objetos garimpados ganham vida pelas mãos da artista. Eles permanecem armazenados até serem “licenciados” pela sua poética, por vezes ácida, por vezes bem humorada.

A exposição GRAPHOS, de Regina Silveira, apresenta a obra concebida inicialmente em 1991, alguns anos antes da sua primeira exposição na Luciana Brito Galeria, em 1998. Esse resgate histórico de uma obra não realizada representa os quase 30 anos de parceria e reflete a evolução da pesquisa de Regina Silveira, que sempre esteve à frente nos estudos sobrepercepção e representação visual, acompanhando os novos recursos da tecnologia na arte.A instalação site specific “GRAPH” foi inicialmente pensada segundo parâmetros d as regras gráficas analógicas para corrigir as perspectivas do espaço arquitetônico da Storefront for Art and Architecture, em Nova York (EUA), durante residência da artista pela bolsa John Simon Guggenheim Foundation (1991). Embora contemplada, as regras de preservação do prédio da Storefront não permitiram que o projeto fosse executado, já que naquela época a artista pintava as obras diretamente na parede.Trinta e quatro anos mais tarde, a artista revisita a mesma instalação para o espaço similar do pavilhão da Luciana Brito Galeria, caracterizado por uma planta triangular. Para tanto, “GRAPH” foi transposta para os recursos gráficos digitais, que permitem a produção e aplicação de vinil adesivo nas paredes do pavilhão, corrigindo virtualmente seus ângulos irregulares sob a ótica do espectador.

A coleção do Museu de Arte Moderna de São Paulo, ao longo dos últimos 77 anos, foi se transformando e ampliando. O acervo inicial de arte moderna do MAM foi doado à Universidade de São Paulo e deu origem ao Museu de Arte Contemporânea. Desde a década de 1960, o MAM refez seu acervo e adquiriu mais de 5 mil obras, grande parte de artistas contemporâneos. Mas quais são as diferenças e semelhanças entre o moderno e o contemporâneo na coleção do MAM? Trata-se apenas de uma distinção de períodos ou estilos? Certamente há diferenças históricas e teóricas que merecem ampla discussão, mas, afinal, é possível traçar com precisão a fronteira visual e temporal entre a arte moderna e a arte contemporânea?A exposição MAM São Paulo: encontros entre o moderno e o contemporâneo, com curadoria de Cauê Alves e Gabriela Gotoda, tem como objetivo apontar para as aproximações e diálogos entre arte moderna e contemporânea, partindo das obras do acervo do museu.

Mostra individual que percorre a trajetória e o pensamento crítico do arquiteto, pintor e teórico cuja obra desafia as relações entre arte, arquitetura e sociedade.Com curadoria de Fabio Magalhães, Maristela Almeida e Pedro Fiori Arantes, a exposição investiga como Sérgio Ferro desenvolveu um pensamento único sobre o trabalho, a produção artística e a arquitetura, pautado na resistência à opressão e na busca por uma prática verdadeiramente emancipada. A intersecção entre arte e política permeia sua obra, revelando a construção de uma visão crítica que atravessa diferentes campos de atuação.Desde sua participação no movimento Arquitetura Nova, ao lado de Flávio Império e Rodrigo Lefèvre, Ferro reformulou as bases da crítica arquitetônica. Sua abordagem denuncia a exploração dos trabalhadores da construção civil e propõe uma revisão estrutural da disciplina, indo além da estética e das formas para analisar a materialidade e a organização do trabalho.

Exposição retrospectiva de Zanele Muholi (1972, Umlazi, África do Sul), um dos nomes mais aclamados da fotografia contemporânea. Desde o início dos anos 2000, Muholi, que se define como ativista visual, documenta a vida da comunidade negra LGBTQIAPN+ na África do Sul e no mundo. Com curadoria de Daniele Queiroz, Thyago Nogueira e Ana Vitório (curadora-adjunta), a exposição reunirá suas principais séries fotográficas, especialmente Faces and Phases (extenso mapeamento de pessoas lésbicas, bissexuais, não binárias e transmasculinas feito desde 2006, hoje com centenas de fotos), Somnyama Ngomyama (autorretratos que tratam de temas como racismo, trabalho, eurocentrismo e sexualidade), Brave Beauties e trabalhos inéditos produzidos no Brasil

Em Disparate, mostra apresentada no Gabinete, Helena Martins-Costa (Porto Alegre, RS, 1969) manipula fotografias de arquivo e frames de vídeo, decapitando figuras, criando novas anatomias e utilizando o preto e branco para conferir um novo significado a imagens do passado. As figuras quadrúpedes, que a própria artista define como "monstros", remetem aos horrores grotescos de Goya – mestre da luz e das trevas, nas palavras de Charles Baudelaire – borrando a linha entre real e fantástico. A opção pelo preto e branco “injeta efeitos perturbadores, põe em xeque os automatismos da visão, modifica a estrutura das imagens, além de reduzi-las à gama cromática original da fotografia", comenta Annateresa Fabris, que assina o texto de apresentação.

A individual de Fábio Menino traz pinturas que desafiam a representação convencional de objetos cotidianos. Estes últimos, frequentemente ferramentas de trabalho, ganham uma nova dignidade, revelando relações sociais e uma visão humanizada do mundo industrializado. A combinação de óleo e cera de abelha confere às telas um caráter rústico, em contraste com a estética contemporânea predominante.

A exposição coletiva O fiar – pontos, nós, corte, com curadoria de Claudio Cretti e texto de Diego Mauro, celebra a diversidade das artes têxteis por meio do trabalho de cinco artistas: João Modé, Soffia Lotti, Daniel Albuquerque, Marina Weffort e Madalena Santos Reinbolt. Utilizando bordado, tricô e costura, as obras exploram a interação entre o plano e o espaço, o controle e o acaso e o gesto como linha do tempo, onde cada ponto e nó são vestígios e instantes de criação, revelando a materialidade do tempo em tramas e texturas.

O arquiteto Rino Levi foi protagonista no processo de modernização e verticalização da cidade de São Paulo. Entre o início de carreira em 1926 e sua morte em 1965, contribuiu para que a construção de programas contemporâneos – edifício de apartamentos e de escritórios, cinema, teatro, escola, banco, indústria, comércio e infraestrutura – ocorresse sob premissas modernas.Em seus vários módulos, a exposição apresenta a vida das obras, da concepção até a atualidade. Diversas edificações do arquiteto ainda marcam a paisagem paulistana: as sedes do Banco Sul-Americano, do Banco Paulista do Comércio, do Instituto de Arquitetos do Brasil, da Ordem dos Advogados do Brasil, da Cia. Seguradora Brasileira e do Instituto Sedes Sapientiae. E obras restauradas – teatro Cultura Artística (edifício, por Paulo Bruna; painel de Di Cavalcanti, por Isabel Ruas), edifício Prudência (térreo e jardim, por Guilherme e André Paoliello) e Casa Castor Delgado Perez (convertida na Luciana Brito Galeria pelo Piratininga Arquitetos Associados).

O Itaú Cultural apresenta a primeira retrospectiva do artista brasileiro Carlos Zilio. Com caráter cronológico, a mostra acompanha a sua produção de 1966 a 2022 definida por cada fase de sua vida. A exposição passa pelas diferentes etapas da obra do artista – entre técnicas, linguagens e suportes variados – e acompanha o desenvolvimento do trabalho iniciado com uma produção politizada, durante a ditadura militar, passando por trabalhos abstratos e de experimentação em uma reflexão sobre a identidade nacional e o modernismo brasileiro, até chegar ao vazio e à ausência. A mostra exibe também cadernos de trabalho de Zilio, nunca expostos. A exposição conta com curadoria de Paulo Miyada.

A ocupação homenageia a arte-educadora Ana Mae Barbosa. No total, a exposição se desdobra em 300 itens que passam pela sua biografia, que a levou a se tornar precursora da arte-educação no Brasil – a partir dos anos de 1950/1960, seguindo até hoje. Há documentação, materiais audiovisuais, livros disponibilizados para manuseio – só os publicados por ela, são mais de 30 –, obras, documentos nunca vistos, desenhos, catálogos, jornais, cadernos e curiosidades.A curadoria desta Ocupação, que é a 68a da série, é de Clarissa Diniz, pesquisadora, educadora e crítica de arte. A co-curadoria é da equipe Itaú Cultural e o apoio para a pesquisa curatorial é do também arte-educador Rodrigo Ferreira. O projeto expográfico é de Thereza Faria.Entre o material apresentado há documentos históricos, como a transcrição de palestra feita pelo educador Paulo Freire (1921-1997), a convite de Ana Mae, durante a Semana de Arte e Ensino na Universidade de São Paulo (USP), em 1980. Ele ficou perdido por décadas, tendo sido encontrado durante as pesquisas para esta exposição.

Exposição individual da artista Sallisa Rosa, artista que trabalha com o barro como matéria prima de suas esculturas. A mostra nos convida a sentir a terra como memória tátil, como corpo. Acionando temas como ancestralidade e território, podemos nos perguntar: quais são as intervenções que os corpos humanos têm feito com o corpo-Terra?

O multiartista Tadeu Jungle apresenta a mostra “TUDO PODE (perder-se)” no Centro Cultural Fiesp - Espaço de Exposições, nos Jardins, em São Paulo. Curada por Daniel Rangel, é a primeira exposição retrospectiva e prospectiva do multiartista - que completa 45 anos de produção, que é um herdeiro da poesia concreta e um dos precursores da videoarte no País. O espaço será ocupado por obras que se dividem em poética verbivocovisual, incluindo peças originais dos anos 80 e trabalhos, especialmente concebidos para a exposição. São instalações de suportes e técnicas variadas, relacionadas ao universo das artes visuais e da comunicação de massa e ainda uma série de vídeos, relacionada com sua produção de videoarte.

O Instituto de Arte Contemporânea-IAC apresenta a exposição "Modus Operandi” da artista Regina Silveira na Consolação, em São Paulo.A mostra - que tem curadoria Agnaldo Farias - professor da FAU-USP e crítico de arte, apresenta os processos criativos e desenvolvimento de algumas de suas obras de diferentes períodos, além de maquetes, desenhos preparatórios e mesmo documentários em vídeo. O conjunto ocupa duas salas expositivas e a área do café da instituição. Alguns dos trabalhos expostos no IAC já foram vistos no Brasll, mas outros foram obras site-specific, instaladas temporariamente em outros países como Bélgica, Estados Unidos, México, Chile e Japão.

A exposição coletiva investiga perspectivas de artistas de diferentes origens sobre a experiência da noite, com seus mistérios, personagens e ritos. Em cada um dos sete núcleos, a mostra percorre o assunto através de diferentes abordagens, desde um viés social, com reflexões sobre os impactos da modernização nas cidades no século 20, até uma narrativa mais fantástica e imaginativa.Em “Tecendo a manhã” a experiência da noite se apresenta como um problema artístico para refletir sobre vivências individuais, que aparecem, por exemplo, nas representações de sonhos e pesadelos, e coletivas, que dizem respeito a formação histórica e social do país. Atividades de lazer, surgimento de novas profissões, vivências na cidade figuram em obras emblemáticas, muitas delas expostas pela primeira vez.

Na Sala de Vídeo do edifício Pina Luz, Bárbara Wagner e Benjamin de Burca apresentam a obra Estás vendo coisas (2016).Apresentado na 32ª Bienal de São Paulo, Estás Vendo Coisas / You Are Seeing Things investiga a paisagem social e profissional da música Brega no Recife. A indústria dos videoclipes atua como catalisadora de uma ideia de futuro marcada pelo desejo de sucesso, moldado pelas dinâmicas do capitalismo. O filme observa esse universo em que a autorregulação e a manipulação da imagem desempenham um papel central na construção da voz, do status e da identidade de uma nova geração de artistas populares.

Partindo de um repertório ligado à abstração geométrica e aos ativismos de gênero e sexualidade, Ad Minoliti propõe um novo modelo de educação artística, transformando a sala expositiva em um espaço de aprendizado teórico-prático.A oitava edição da Escola Feminista de Pintura foi pensada como um site-specific para a Galeria Praça, espaço que já foi uma sala de aula.Ao entrar na Grande Galeria, o público tem acesso ao manifesto da Escola Feminista de Pintura, em diálogo com um conjunto de obras abstratas do acervo da Pinacoteca, feitas por artistas mulheres que tiveram destaque no Brasil desde os anos 1950 até a atualidade. No espaço, estão obras de Lygia Pape, Judith Lauand, Maria Bonomi, Mira Schendel, Moussia Pinto Alves, Rebeca Carapiá e Tomie Ohtake.

Em latim, Circumambulatio quer dizer andar em torno de. Foi o título escolhido para dar nome ao trabalho desenvolvido por Anna Bella Geiger com um grupo de alunos do Setor de Integração Cultural do Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro, em 1972. Classificada como um ambiente ou instalação, Circumambulatio é o que se chama na história da arte de obra processual, ou seja, um trabalho vivo, resultado de uma ação que permanece em aberto, podendo sofrer modificações e acréscimos ao longo do tempo. A montagem apresentada aqui reúne as peças (diapositivos, sons, fotografias e papéis manuscritos) que compuseram a versão original da instalação mostrada pela primeira vez, em 1972, no MAM RJ. No ano seguinte, por iniciativa de Walter Zanini, então diretor do MAC USP, a obra foi exibida e comprada pela instituição. Essa é a primeira vez que o museu remonta a instalação, desde 1973.

Concebida pela artista visual Stela Barbieri, a Exposição Pausa, propõe ocupar o espaço com obras em grande escala construídas em materiais diversos, que possibilitam ao público habitar e permanecer em seu interior e, dentro delas, conversar, descansar, relaxar e refletir sobre a importância das pausas, do descanso e do ócio na construção das subjetividades e humanidades.

No Octógono da Pina Luz, a artista Mônica Ventura explora materialidades e símbolos associados às cosmologias afro-ameríndias em um site-specific produzido em diálogo com a escala monumental do espaço central do edifício. Ao entrelaçar as camadas de tempo que habitam o Octógono, a artista propõe ao visitante um lugar em que as conexões humanas possam confluir, receber e irradiar energia, a partir da relação entre corpo e arquitetura.

Exposição concebida como um show audiovisual pela dupla de artistas Bárbara Wagner & Benjamin de Burca especialmente para o Sesc Avenida Paulista. Com curadoria geral de Clarissa Diniz e curadoria de acessibilidade e coordenação do projeto educativo pelo coletivo alingua, a mostra parte de uma reflexão sobre as políticas do olhar e as práticas de espelhamento presentes em Swinguerra (2019) e One Hundred Steps (Cem Degraus, 2020).Os filmes serão exibidos como um espetáculo, no qual o público será conduzido pela voz da mestra de cerimônias Indra Haretrava, que comenta as obras da dupla, seus contextos e métodos.

A exposição Geometrias reunirá cerca de 40 trabalhos do acervo que se relacionaram com a abstração geométrica. A mostra apresenta desde artistas concretos e neoconcretos, como Judith Lauand (1922-2022) e Hélio Oiticica (1937-1980), até artistas contemporâneos como Delson Uchoa e Beatriz Milhazes. Artistas que trabalharam com a geometria a partir de abordagens menos formalistas também estão incluídos. Entre eles, Rubem Valentim (1922-1991), que desenvolveu um sistema de símbolos afro-brasileiros; Alfredo Volpi (1896-1998), que explorou as formas de fachadas de casarios coloniais e de bandeirinhas de festas populares; e artistas indígenas como Daiara Tukano, que trabalham com grafismos ligados às cosmogonias de seu povo.

Arpillera é o nome em espanhol para uma linguagem têxtil figurativa que surgiu no Chile no final dos anos 1960. Durante o regime ditatorial de Augusto Pinochet (1973-1990), essa prática se tornou uma forma de denunciar as violações dos direitos humanos, além de configurar uma importante expressão cultural politicamente engajada e de protagonismo feminino. Em espanhol, "arpillera" significa "juta", o nome da fibra têxtil que recebe bordados que narram histórias de vida, luta e resistência das autoras e seus contextos. A produção chilena inspirou diversas mulheres e movimentos sociais ao redor do mundo.No Brasil, essa forma de expressão inspirou o Coletivo Nacional de Mulheres do MAB – Movimento dos Atingidos por Barragens – um movimento social brasileiro, auto-organizado, surgido na década de 1980 e que luta pelo direito das pessoas atingidas, reivindica um Projeto Energético Popular e uma transformação social estrutural. A exposição Mulheres Atingidas por Barragens: bordando direitos apresentará cerca de 30 trabalhos, produzidos entre 2013 e 2024, por mulheres que se reúnem em oficinas organizadas pelo MAB em todo o território nacional.

Isaac Julien (Londres, Reino Unido, 1960) é um artista e cineasta que, por meio de narrativas audiovisuais e instalações multimídia, tensiona os limites entre diferentes práticas artísticas, como arquitetura, fotografia, música e pintura. A vídeo-instalação Um maravilhoso emaranhado (Marvellous Entanglement) foi apresentada pela primeira vez em Londres, em 2019. Composta por nove projeções simultâneas em telas de grandes formatos, os vídeos captam imagens de edifícios icônicos de Lina Bo Bardi (1914-1992), realçando a dimensão poética do legado da visionária arquiteta e designer modernista. O trabalho enfatiza as ideias sociais, políticas e culturais de Bo Bardi, junto a reflexões filosóficas formuladas em artigos e cartas de sua autoria. O título da exposição deriva do trecho: “O tempo linear é uma invenção ocidental; o tempo não é linear, é um maravilhoso emaranhado onde, a qualquer instante, podem ser escolhidos pontos e inventadas soluções, sem começo nem fim.” – Lina Bo Bardi. Gravado em São Paulo (no Museu de Arte de São Paulo-MASP, no Sesc Pompeia e no Teatro Oficina) e em Salvador (no Museu de Arte Moderna, no Restaurante Coaty e no Teatro Gregório de Mattos), o filme é protagonizado por Fernanda Montenegro e Fernanda Torres, que interpretam os escritos de Bo Bardi sobre o potencial social e cultural da arte, arquitetura e design em diferentes estágios de sua vida.

A exposição Histórias do MASP percorrerá mais de sete décadas de história do museu no contexto da abertura do seu segundo prédio na avenida Paulista, o edifício Pietro Maria Bardi. Inicialmente instalado em um único andar no prédio dos Diários Associados na rua 7 de abril, o Museu de Arte Assis Chateaubriand consolidou seu papel na vida cultural da cidade ao inaugurar sua icônica sede na avenida paulista — agora chamada de edifício Lina Bo Bardi. Em um viés cronológico, a exposição Histórias do MASP aborda temas como a formação do acervo, as histórias das exposições no museu, sua extensa programação, bem como as transformações na arquitetura de seus edifícios. Esse momento de expansão também nos convida a refletir sobre a forte presença do MASP no imaginário artístico e cultural paulistano e nacional.

A exposição estabelece uma leitura crítica e propositiva sobre a da coleção de arte africana do MASP que reúne cerca de 120 itens e obras provenientes da África, que abrangem desde peças do Egito Antigo até alguns trabalhos contemporâneos. A maior parte desse acervo são estatuetas e máscaras do século 20, incorporadas ao acervo do museu ainda nas primeiras décadas de sua formação. Essas obras provêm principalmente da porção ocidental do continente, de grupos como os Guro, Senufo e Baule, da atual Costa do Marfim; Dogon e Bambara, da República do Mali; Mossi e Bobo-Quele, da Burkina Fasso; Baga, da Guiné; Ashanti, de Gana; Wobe-Guere, da Libéria; Mumuye, Ibibio e, predominantemente, Iorubá, da atual Nigéria. Recentemente, o museu também recebeu um tambor Chokwe, da Angola, contabilizando cerca de 70 peças que são o cerne de Artes da África.

A exposição sobre Pierre-Auguste Renoir (1841-1919) exibirá as treze obras do artista presentes no acervo do MASP. Composta por doze pinturas e uma escultura, a mostra abrange praticamente toda a carreira do artista francês. Entre as pinturas europeias da coleção do MASP, esta constitui o maior número de obras de um único artista. A última vez que esse conjunto foi exposto em sua totalidade foi há 23 anos, em abril de 2002, no próprio museu, na mostra “Renoir - O pintor da vida”.As obras de Renoir foram adquiridas durante o chamado período das grandes aquisições quando, entre o final da década de 1940 e início dos anos 1950, Pietro Maria Bardi (1900-1990), diretor-fundador do MASP, incorporou ao acervo trabalhos de artistas do cânone europeu, a maioria deles italianos e franceses, que hoje compõem o maior e mais importante acervo de arte ocidental do Hemisfério Sul.Nascido em Limoges, na França, em 1841, Renoir foi um dos principais pintores do movimento impressionista francês, conhecido por suas pinturas de cores vibrantes, caracterizadas pelo uso da luz e cor, pinceladas fluidas e uma atenção especial à figura humana, especialmente em cenas de cotidiano e retratos.

A exposição apresenta obras em grande escala da artista visual, arte-educadora, curadora e contadora de histórias Stela Barbieri.Construídas com o uso de materiais diversos, como bambu e miçangas, as instalações reunidas em Pausa convidam o público a permanecer em seu interior e, dentro delas, descansar, relaxar, conversar e refletir sobre a importância do descanso e do ócio na construção das subjetividades humanas. Definida pela artista como uma “obra-oficina”, a exposição propõe um espaço para o desacelerar em meio à velocidade da vida moderna, criando atmosferas que estimulam o devaneio, a introspecção e a escuta.

Antoni Muntadas (Barcelona, 1942), artista conhecido por desafiar convenções socioculturais por meio da sua arte e trabalhar as relações de poder dos signos gráficos e textuais, realiza mostra inédita no Sesc Pompeia.A exposição instalativa Lugar Público - Muntadas convida o público a uma reflexão sobre os limites e as transformações dos espaços compartilhados. Em um cenário de crescente privatização e vigilância, Antoni ocupa a Área de Convivência do Sesc Pompeia para questionar as mudanças urbanas e o Com curadoria de Diego Matos, o projeto para o Sesc Pompeia traz uma ocupação da Área de Convivência da unidade, de caráter site-specific: são intervenções audiovisuais, textuais e dispositivos arquitetônicos projetados para explorar os significados de "público" – audiência e espaço público - e provocar reflexões a respeito do espaço urbano contemporâneo e das noções de lazer e esfera pública.

Vídeo nas Aldeias é um projeto audiovisual criado em 1986 com o propósito de fortalecer o cinema indígena brasileiro. Idealizado por Vincent Carelli (Paris, França, 1953), o Vídeo nas Aldeias se dedicou, inicialmente, a registrar a cultura de diferentes povos indígenas brasileiros, apresentando as filmagens para as próprias comunidades. A partir de 1997, o projeto expandiu suas atividades para incluir oficinas audiovisuais realizadas junto a esses povos e passou a distribuir equipamentos de filmagem para que os participantes tivessem autonomia na representação de sua própria cultura. Desde então, a formação de cineastas indígenas e o suporte técnico para a produção de filmes se tornaram pilares fundamentais da atuação do projeto. Os filmes produzidos formam um acervo plural que reflete a diversidade dos povos indígenas brasileiros. A sala de vídeo dedicada ao Vídeo nas Aldeias pretende destacar filmes produzidos pelo projeto em parceria com comunidades indígenas, os quais abordam formas distintas de lidar com a terra e com o meio ambiente, retratando aspectos de suas culturas e cosmologias, além da urgente luta pela demarcação territorial.

A exposição A Ecologia de Monet explora o vínculo entre o icônico artista impressionista Claude Monet (Paris, França, 1840—1926, Giverny, França) e o meio ambiente, integrando o programa curatorial do museu para 2025 dedicado ao ciclo de Histórias da Ecologia.A relação do pintor impressionista com a natureza abrange toda a sua obra, tornando-se mais complexa ao longo dos anos. O artista se dedicou à pintura de paisagem desde sua produção inicial, das cenas marítimas na Normandia, ao norte da França, ou da Floresta de Fontainebleau, até suas pinturas em série realizadas a partir de seu jardim em Giverny durante suas últimas décadas de vida.

Hulda Guzmán (Santo Domingo, República Dominicana, 1984) é reconhecida por retratar, por meio da pintura, seus arredores tropicais e caribenhos enquanto explora planos, perspectivas e realidades, povoadas por um elenco tecnicolor de seres humanos, animais, plantas antropomórficas e criaturas imaginárias. A exposição aborda a relação de Guzmán com a paisagem impressionista, destacando sua contribuição ao gênero ao mesclar a paisagem com características arquitetônicas, realismo mágico e muralismo mexicano.As narrativas em suas telas ocupam realidades contraditórias e oníricas. Personagens descansam em praias paradisíacas ao lado de apartamentos abandonados, dançam em pistas que se estendem até a floresta tropical e perseguem demônios por interiores elegantes

A exposição com curadoria de Bitu Cassundé e assistência de Maria Luiza Meneses apresenta uma seleção com cerca de 250 fotografias realizadas ao longo de 50 anos de trajetória do fotógrafo paraense. A partir do arquivo do artista, o recorte não linear de imagens delineia a dimensão do imaginário sensível e ficcional de Luiz Braga (Belém, PA, 1956) sobre o território amazônico, principal interesse em sua produção. O título da mostra se refere ao chamado arquipélago do Marajó, maior arquipélago fluviomarítimo do mundo, formado por mais de 2.500 ilhas no estado do Pará, que inclui a capital Belém e a Ilha do Marajó, lugares registrados por Braga. Ao escolher a terra natal como campo poético de investigação de imagem e vida, ao longo das décadas o fotógrafo elabora operações relacionais de aproximação e convívio com as pessoas e lugares registrados. O resultado é uma produção intensa, carregada de intimidade e cuidado com os sujeitos e ambientes, que compreende aspectos de uma Amazônia múltipla.

Quantas perguntas se desdobram a partir de uma obra de arte? E quantas respostas?   A exposição Uma Obra torna visíveis os variados caminhos de leitura e interpretação que podemos percorrer a partir de uma mesma obra. Para sua segunda edição, selecionamos a obra Nessa terra, em se plantando tudo dá, feita em 2015, por Jaime Lauriano.

A primeira exposição individual de Tania Ximena (Hidalgo, México, 1985) no Brasil, apresentada na sala de vídeo, investiga as complexas relações entre humanidade, natureza e ciclos de transformação do planeta. A artista constrói narrativas que atravessam tempos geológicos e históricos, conectando formas de vida animadas e inanimadas, naturais e espirituais, manifestas em minerais, vegetais, animais, céu, terra e água. Por meio de imagens que combinam registros documentais, intervenções espaciais e fabulações poéticas, Ximena reflete sobre os impactos da ação humana no meio ambiente, apresentando a paisagem como protagonista de processos decisivos. Em sua obra, a paisagem não é apenas território ou recurso a ser explorado, mas um agente ativo que possibilita a existência humana.

Frans Krajcberg (Kozienice, Polônia, 1821—2017, Rio de Janeiro, Brasil) foi pioneiro no cruzamento entre arte e ecologia, precursor em dar visibilidade às questões ambientais no território brasileiro. O artista trabalhou a partir de resquícios de troncos, cipós, raízes e madeira calcinada, explorando pigmentos naturais, para produzir obras em que os elementos naturais são a própria matéria de sua arte. Krajcberg provocou uma virada radical nas convenções da escultura, além de desafiar fronteiras entre desenho, gravura e pintura.Krajcberg chegou ao Brasil nos anos 1950, onde desenvolveu seu trabalho como artista. A partir dos anos 1960, passou a viajar à Amazônia e ao Pantanal, coletando resquícios de troncos em áreas de queimadas. Suas preocupações com o drama ambiental tornaram-se indissociáveis de sua arte. Engajou-se em denunciar queimadas e a violência do extrativismo desenfreado, conferindo ao seu trabalho um cunho altamente político

A 36ª Bienal de São Paulo apresenta uma edição conduzida pelo curador geral Prof. Dr. Bonaventure Soh Bejeng Ndikung com sua equipe de cocuradores composta por Alya Sebti, Anna Roberta Goetz e Thiago de Paula Souza, além da cocuradora at large Keyna Eleison e da consultora de comunicação e estratégia Henriette Gallus. A mostra se inspira no poema enigmático da poeta afro-brasileira Conceição Evaristo, “Da calma e do silêncio”.A proposta central dessa Bienal é repensar a humanidade como verbo, uma prática viva, em um mundo que exige reimaginar as relações, as assimetrias e a escuta como bases de convivência a partir de três fragmentos/eixos curatoriais. A metáfora do estuário – local onde diferentes correntes de água se encontram e criam um espaço de coexistência – guia o projeto curatorial, inspirado nas filosofias, paisagens e mitologias brasileiras. Tal conceito reflete a multiplicidade de encontros que marcaram a história do Brasil e propõe que a humanidade se una e se transforme por meio de uma escuta atenta e da negociação entre seres e mundos distintos.A exposição vem acompanhada, ainda, de uma mudança histórica na organização do evento, que tradicionalmente é realizado de setembro a dezembro. A mostra se estenderá por quatro semanas adicionais, sendo apresentada gratuitamente ao público entre setembro de 2025 e janeiro de 2026.

A galeria é um espaço de estudo e formação resultante de uma parceria entre a Terra Foundation for American Art e o MAC USP, para que um conjunto da coleção da fundação viesse a São Paulo. São 36 obras selecionadas em diálogo com a pesquisa e as disciplinas de graduação e pós-graduação do MAC USP e sua atuação no Programa Interunidades em Estética e História da Arte (PGEHA USP), a linha de pesquisa em História da Arte e da Cultura do Instituto de Filosofia e Ciências Humanas da Unicamp, e o Departamento de História da Arte da Unifesp. Além disso, nos próximos dois anos, elas também permitirão criar pontes de interpretação com obras do acervo do MAC USP.A Terra Collection for American Art é uma associação sem fins lucrativos, com sede em Chicago, nos Estados Unidos que, desde os anos 1980, coleciona obras de arte do país e fomenta a pesquisa sobre sua arte. Através de seu Programa Collection- in-Residence, o MAC USP se insere em uma rede de 12 museus universitários internacionais de arte em uma visada crítica sobre a história da arte dos Estados Unidos e suas possíveis articulações com outros países. No caso do Brasil e da proposta feita pelo MAC USP, a seleção de obras partiu das questões já colocadas em outras parcerias da instituição estadunidense com o país.

Abel Rodríguez (Cahuinarí, Colômbia, 1944) nasceu às margens do Rio Cahuinarí, na Amazônia colombiana, e seu nome indígena é Mogaji Guihu, sendo originário das comunidades Nonuya e Muinane. Foi treinado desde a infância para ser um sabedor, isto é, um depositário dos conhecimentos sobre as espécies botânicas da floresta, seus usos práticos e simbólicos. Nos anos 1990, fugindo dos conflitos armados em sua região natal, mudou-se para Bogotá, onde, em contato com a ONG holandesa Tropenbos, foi incentivado a desenhar para registrar e compartilhar suas memórias. Ao contrário da tradição do desenho botânico ocidental, que isola os elementos representados, os desenhos de Rodríguez em grafite e aquarela mostram ciclos, interações entre diversas espécies e a ação do tempo na floresta. Feitos a partir de memórias, têm inscrições em espanhol e Nonuya, descrevem os sabores das frutas, os usos medicinais das plantas e quais animais se alimentam delas. A “árvore da vida” é outro tema recorrente em sua produção e narra o principal mito de origem dos Nonuya.

Esta é a primeira exposição individual da artista Clarissa Tossin (Porto Alegre, 1973) em uma instituição de arte no Brasil. A mostra abrange peças de 2008 até o presente, incluindo instalações, esculturas, tecelagens, imagens em movimento e um conjunto de novas obras encomendadas pelo MASP especificamente para esta mostra. A artista gaúcha radicada em Los Angeles aborda em seu trabalho questões relacionadas ao aquecimento global a partir de diversos materiais, em geral, resíduos industriais da sociedade de consumo, como plástico reciclado, látex derivado do extrativismo na Amazônia e caixas de entrega da loja online Amazon, entre outros. Na obra de Tossin, réplicas de objetos descartados e partes do corpo humano e de plantas aparecem como fósseis, traços de um tempo e lugar perdidos que ecoam na forma de sedimentos arqueológicos.