EXPOSIÇÕES

Exposição individual da artista plástica e escritora Esther Faingold. O trabalho pretende construir um mundo simbólico e de atmosfera surrealista para explorar os limites entre a corporeidade e a experiência sutil.A mostra reúne montagens, fotos, vídeos arte e corpos escultóricos, compostos a partir de corpos de bonecas de pano da época vitoriana (1837-1901), que encarnavam originalmente o estereótipo da repressão sexual e da subserviência ao homem. Esses materiais são colecionados e refeitos por Esther, que intervém nos corpos e acrescenta objetos em alusão à memória e a processos de subjetivação.

SPPARIS celebra três anos de moda e ativismo. O evento reúne ações diversas e inclusivas para celebrar a trajetória da grife que transforma moda urbana em plataforma de expressão social e ambiental. Entre os destaques estão:- Desfile Cronológico e Performático: Em formato teatral e de performance corporal, 35 looks contam a história da marca. A trilha sonora e as performances propõem uma crítica aos desfiles tradicionais e trazem temas de sustentabilidade e empoderamento à tona.- Performances de DJs e Apresentações Musicais: DJs e músicos convidados trarão uma sonoridade urbana e contemporânea, criando uma atmosfera vibrante e engajadora que complementa a proposta do evento.

Curada por Sônia Salzstein e Claudinei Roberto da Silva, a mostra reúne as obras de Adriele Oliveira, Danilo Juliano, Deusvaldo Pereira, Difavela, Luiz Lira e Ramon Santos, artistas que resgatam as memórias do território que habitam, a partir de uma pesquisa no acervo do Instituto de Estudos Brasileiros - IEB-USP.

Em “Zona de Convergência” se instaura uma situação expositiva, um experimento que articula o pensamento e interesses estéticos de 13 artistas visuais contemporâneos, que também compõem-se enquanto homens negros. Com curadoria de Guto Ezek, a proposição crítica intui a implementação de uma conversa contínua com artistas e público, sendo que a proposta produz um lugar de troca, flexível, permissivo e aberto, a partir da conexão de cinco núcleos: “Núcleo Introdutório”, “MPB – Música Preta Brasileira”, “Amor – elaborações”, “Masculinidades negras – entre infâncias, juventudes, maturidades e velhices” e “Teologia da Sobrevivência”.

Natural de Goioerê, no Paraná, e com 26 anos, o artista visual Gustavo Magalhães vem se dedicando à pintura desde 2013. Suas obras estabelecem um diálogo com a historiografia da arte e abordam temas como raça, identidade, materialidade e violência.Com curadoria de Ayala Prazeres, a mostra reúne obras produzidas desde 2018, utilizando materiais descartados, como madeiras, papeis e tecidos recolhidos pelo artista nas ruas ou doados por colegas. Os trabalhos destacam diferentes texturas e estruturas, explorando a função do suporte na pintura e a relação entre materialidade e criação artística. Algumas obras são expostas de forma suspensa na galeria.

A exposição Lélia em nós: festas populares e amefricanidade se estrutura a partir do livro Festas populares no Brasil, da pensadora, antropóloga e liderança do movimento negro brasileiro, Lélia Gonzalez. Com realização do Sesc São Paulo, o projeto expositivo se insere no contexto de lançamento da obra de Lélia Gonzalez, pela editora Boitempo.Para a curadoria, foram convidadas Glaucea Britto e Raquel Barreto que, por meio de um recorte que traz destaque para as festas afro-brasileiras, selecionaram artistas e obras históricas e contemporâneas, em diferentes suportes como fotografia, pintura, performance, instalação, vídeo, entre outras. A exposição foi organizada tendo o pensamento de Lélia Gonzalez sobre festas e tradições como dispositivos para discussões e reflexões de aspectos fundantes da cultura brasileira.

De entidade divina ao papel crucial para a vida na Terra, a jornada da estrela mais próxima de nosso planeta é o fio condutor da exposição LUZ ÆTERNA - Ensaio Sobre o Sol. Cinco obras imersivas evocam a poética do Sol por meio de projeções digitais, instalações interativas e contemplativas que permitem aos visitantes conferirem a evolução e o poder deste corpo celeste tão presente em nossas vidas e a 149 milhões de quilômetros da Terra.Além de enaltecer o Sol, a exposição provoca reflexões sobre o seu impacto na natureza, na sociedade e na sustentabilidade. Propõe, por exemplo, uma mensagem reflexiva sobre o meio ambiente, de uma forma lúdica e poética.

A mostra convida o público para conhecer de perto a história e cultura das antigas civilizações andinas. São mais de 162 peças datadas entre 900 a.C e 1600 d.C, a grande maioria em cerâmica, cobre, ouro, prata, além de têxteis.Divida por cinco blocos temáticos – Linha do Tempo, Mineração, Divindades e Rituais, Cerâmica e Têxteis e Colonização –, a mostra reúne um conjunto raro de objetos, descobertos em diversas expedições arqueológicas, que é reconhecido como patrimônio pelo Ministério da Cultura do Peru, pertence à Fundação Mujica Gallo, e faz parte do catálogo do Museo Oro del Perú y Armas del Mundo.

Exposição individual do artista visual Onurb. Em 17 trabalhos, ele apresenta sua personagem icônica em situações cotidianas, interagindo com elementos de psicodelia, moda e empoderamento. Sob curadoria de Tito Bertolucci e Lara Pap, "Amor Punk" é um convite para refletir sobre a transformação dos espaços públicos e as dinâmicas da vida nas metrópoles, onde questiona a desconexão das pessoas com a natureza e a influência da cultura de rua na modernidade.A partir de uma abordagem multissensorial, o artista utiliza murais, telas e instalações para ressignificar objetos urbanos e explorar a fusão entre a estética punk e a arte urbana contemporânea.

J. B. Goldenberg Escritório de Arte inaugura a exposição "A Poesia Visual de Eva Lieblich", uma homenagem à artista que desempenhou um papel fundamental no desenvolvimento da arte moderna no Brasil. Composta por 25 obras selecionadas por seus filhos, Beatriz e João Gabriel, a exposição destaca a produção da artista com a técnica do batik, que ela introduziu no país, e como sua obra conecta influências europeias com a realidade brasileira, principalmente na representação da natureza, flora e fauna. O vernissage é em 7 de novembro, permanecendo em exibição até 30 de novembro.A curadoria da mostra é assinada por Jairo Goldenberg, e o texto crítico foi elaborado por Roberto Bertani, que observa: "A produção de Eva Lieblich reflete uma fusão entre as duas culturas que marcaram sua vida, a europeia e a brasileira. Essa simbiose se revela em sua escolha de temas e no uso da técnica do batik, que trouxe para o Brasil e transformou em uma ferramenta única para retratar a exuberância tropical." A exposição se concentra em um recorte específico de sua carreira, com foco nos panneaux que utilizam essa técnica, a qual Eva dominou após estudar em Viena e Paris na década de 1950.A obra de Eva Lieblich pode ser entendida como um espelho de sua experiência europeia, adaptada ao ambiente cultural brasileiro. Sua arte traduz a confluência de duas culturas, utilizando elementos visuais e técnicas tradicionais europeias, ao mesmo tempo que incorpora cores, formas e temas profundamente conectados ao Brasil. O batik, técnica central em sua produção, permitiu-lhe explorar e retratar a natureza e temas brasileiros de maneira única, como evidencia Bertani em seu texto: "A escolha do batik, que exige precisão e paciência, permitiu a Eva traduzir a intensidade das paisagens e elementos naturais do Brasil em obras de rara beleza poética."Nascida em Stuttgart, Alemanha, em 1925 Eva Lieblich imigrou para a América do Sul em 1938, fugindo da perseguição nazista. No Brasil, começou sua formação artística aos 15 anos, estudando desenho com Antônio Gonçalves Gomide e pintura com Aldo Bonadei, ambos integrantes do influente Grupo Santa Helena, que ajudou a moldar sua abordagem à arte moderna. Lieblich foi também membro do *Grupo dos 19 Pintores*, que realizou uma histórica exposição na Galeria Prestes Maia, em 1947, em São Paulo. Além de suas importantes participações em exposições no Brasil, como a Bienal de Artes Plásticas de Salvador em 1966, Eva também levou sua arte ao exterior, destacando-se em uma exposição individual na Galeria Schaller, em Stuttgart, em 1963. Como afirma Bertani, "A capacidade de Eva de transitar entre o contexto europeu e o brasileiro, utilizando técnicas europeias com um olhar voltado à riqueza natural e cultural do Brasil, foi o que lhe garantiu uma posição de destaque na arte contemporânea".A iniciativa de resgatar a obra de Eva Lieblich é fruto do empenho de seus filhos em reunir e organizar um recorte de acervo com cerca de 45 obras, das quais 25 foram selecionadas para esta exposição. "A Poesia Visual de Eva Lieblich" oferece uma oportunidade única de redescobrir o trabalho de uma artista que, ao longo de sua carreira, contribuiu de

A galeria apresenta a exposição individual de Ruy Teixeira, "Sobre formas". São 39 imagens retiradas do vasto repertório do fotógrafo que revelam os traços essenciais de obras de arte, design e arquitetura registradas ao longo de sua carreira. O conjunto de fotografias despem os significantes de seus significados – sejam eles históricos, estilísticos ou funcionais – para chegar ao mais puro signo e furar as coordenadas de espaço e tempo.

As galerias vizinhas Galatea e Luísa Strina apresentam simultaneamente exposições do celebrado artista brasileiro Cildo Meireles. Celebrando seus 50 anos de atividade, a Galeria Luísa Strina realiza uma mostra de trabalhos originalmente idealizados na década de 80, quando Cildo iniciou sua trajetória de exposições na galeria. Exibida pela primeira vez na Galeria Lelong, em Nova York, em 2023-4, a instalação Uma e Sete Cadeiras (1997-2023) faz referência à obra One and Three Chairs (1965), do artista Joseph Kosuth, considerada uma das obras seminais da arte conceitual. A instalação começa com a estrutura deuma cadeira simples de madeira; esse objeto é replicado e modificado em outras seis variações de uma cadeira construídas com materiais diversos: vidro, serragem, cinza, entre outros. Uma sétima variação, posicionada ao lado do conjunto central, consiste de uma torre de lâminas de acrílico em cujo interior distinguimos a forma imaterial de uma cadeira, destacando a ideia de vazio.Na sala 2 da galeria, o grupo de obras apresentadas em Camuflagem também lida com questões relativas ao objeto e à representação. Nesses trabalhos, a pintura é feita diretamente sobre objetos como guardassois, cadeiras de praia e tendas. Algumas dessas pinturas-objeto são dedicadas a importantes artistas da história: uma cadeira de praia listrada homenageia Jasper Johns; o guarda-chuva monocromático negro, Malevich; e o banquinho de pescador, Volpi.

Primeira exposição no Brasil de Renée Green (Cleveland,EUA, 1959). A mostra apresenta a práticainternacional de Green, que abrange quatro décadas de trabalho e emprega uma gama de suportes —pintura, esculturas, instalações, filme, vídeo, obras sonoras, Space Poems, arranjosarquitetônicos, entre outros— refletindo os efeitos de uma esfera transcultural em transformação e o que agora pode ser feito e pensado.Após uma estadia no auroras no início de 2024, Green selecionou cuidadosamente para esta exposição três conjuntos de obras de diferentes décadas que ressoam com a arquitetura modernista do local, bem como a relação poética, histórica e pessoal contínua da artista com o Brasil.Sua obra envolve investigações sobre circuitos de relação e troca ao longo do tempo, as lacunas e mudanças doque sobrevive nas memórias públicas e privadas como bem como o que foi imaginado e inventado.

A exposição toma o espaço expositivo do segundo andar do Sesc Pinheiros com desdobramentos que recepcionam visitantes desde o muro da entrada como uma mostra de arte que parte do romance histórico homônimo de Ana Maria Gonçalves. Em seu livro, a autora reconta a saga de Kehinde, africana escravizada confrontada com a necessidade de reconstrução em terras brasileiras e a incessante luta por liberdade fazendo uso da comida, da arte, do afeto, da busca pela família, acolhimento e de sua fé nos encantados.

A Galeria Berenice Arvani apresenta a nova exposição do artista Inácio Rodrigues, cujo trabalho transita entre expressões humanas carregadas de emoção e reflexões sobre o universo. A mostra reúne diferentes fases da carreira do pintor, revelando seu percurso artístico e seu diálogo com questões sociais e existenciais.Em uma fase marcante de sua produção, Rodrigues explorou figuras humanas de expressões angustiadas, cuja profundidade emocional é intensificada por composições que isolam os indivíduos em espaços fragmentados.Os "Encarcerados" emergem em resposta ao delicado cenário político brasileiro de sua época, demonstrando o envolvimento do artista com as tensões sociais. Críticos enxergaram nessas figuras uma alusão ao homem nordestino e sua identidade, associando-as a raízes culturais profundas.A partir de 1971, Rodrigues surpreende ao abandonar o foco na figura humana e se aventurar pela representação do cosmos. Esta fase, que surge em plena efervescência da corrida espacial, reflete o impacto das transformações tecnológicas e o fascínio da humanidade com a conquista do espaço, especialmente após a chegada do homem à Lua em 1969.Inspirado pelo icônico filme "2001: Uma Odisseia no Espaço", de Stanley Kubrick, o artista embarca em uma exploração visual do universo. Suas telas ganham cores sólidas e vibrantes, povoadas porobjetos metálicos que atravessam horizontes poéticos e enigmáticos.A exposição "Multidões e Silêncio" oferece uma oportunidade única de explorar duas fases distintas e complementares da obra de Inácio Rodrigues: a dimensão humana e o universo cósmico.

A mostra retoma a obra e a trajetória de Pedro Escosteguy, nome de grande relevância para a arte de vanguarda e para a descentralização dos meios de arte tradicionais. A exposição retrospectiva do artista reitera o compromisso da Superfície no resgate e consolidação de nomes importantes da  arte de vanguarda no Brasil, e será acompanhada por um livro panorâmico do artista editado pela Superfície Publicações, com lançamento previsto para o término da exposição.Pedro Escosteguy foi uma figura central no debate da arte política no país, destacando-se pela participação e organização de diversos eventos que se tornaram célebres para a história da arte, como Opinião 65, Proposta 65, Opinião 66, Pare (1966), Nova Objetividade Brasileira (1967). O artista também esteve presente na 8ª e 9ª Bienal de São Paulo, em 1965 e 1967 respectivamente. No mesmo período, ele desenvolve o filme Arte Pública (1967), do qual criou texto e roteiro, documentando a Bienal de 1967, os ateliês de diversos artistas e performances de Lygia Clark, Lygia Pape e Hélio Oiticica. A década de 1960 marcou um período fundamental para a arte no Brasil: frente às crises políticas e socioculturais, iniciou-se uma ruptura com os suportes tradicionais, apontando para uma arte mais participativa que busca a superação de seus princípios formais, alargando as possibilidades técnicas e incorporando novos procedimentos. É nesse contexto que o poeta  Pedro Geraldo Escosteguy se estabelece no Rio de Janeiro, tornando-se próximo de nomes  como Roberto Magalhães, Carlos Vergara, Rubens Gerchman e Antonio Dias.

O Instituto de Arte Contemporânea-IAC apresenta a exposição "RASCUNHOS - Arnaldo Antunes". A mostra faz parte do projeto Diálogos Contemporâneos - Acervo IAC, que tem como proposta o encontro de processos artísticos que desafiam a percepção espaço-temporal. A curadoria do evento fica por conta de Daniel Rangel - que reúne cerca de 500 itens, entre as obras de Arnaldo Antunes e do acervo.Os escritos originais de Antunes se tornam o ponto de partida para diálogos visuais, processuais, materiais e temáticos com o acervo documental do IAC. Um conjunto composto por cadernos, anotações, desenhos, colagens, esboços e maquetes de Antonio Dias, Hermelindo Fiaminghi, Iole de Freitas, Luiz Sacilotto, Regina Silveira, Sérgio Camargo e Willys de Castro. A seleção cruzou nomes das artes visuais, da poesia e do design refletindo parte da riqueza do acervo do IAC e ainda a capilaridade da produção de Arnaldo.

A coletiva apresenta, ao ar livre, sete obras sensoriais e contemplativas que convidam os visitantes a refletir sobre conceitos ancestrais relacionados ao meio ambiente. Criadas pelos artistas Ernesto Neto, Karola Braga, Luana Vitra, Mônica Ventura, Olinda Tupinambá, Ziel Karapotó e pelo movimento indígena MAHKU dos artistas Huni Kuin com o tema Interespécies: Cruzando Mundos. A curadoria é de Aline Ambrósio, com produção e idealização da Elo 3.Em contracorrente a perspectivas hegemônicas e binárias, a Mostra 3M de Arte propõe ao público uma reflexão crítica sobre a emergência climática global, os impactos das ações humanas e o futuro ancestral. As obras convidam os visitantes para uma intervenção de outros mundos, dissolvendo questões sociais e culturais e invocando a ancestralidade humana atrelada à intrínseca natureza.

A exposição Cantar a Folha da artista visual Brenda Spinosa chega à Galeria Mario Schenberg da Funarte São Paulo . A mostra apresenta 15 obras assinadas pela artista incluindo pinturas, instalações e fotografias reunidas a partir de uma estrutura de três atos - Denúncia, Memória e Encantamento. Com a curadoria de Guilherme Cirqueira, a exposição CANTAR A FOLHA apresenta o pulsar de uma jovem artista e ativista que constrói seu trabalho a partir do legado dos movimentos sociais e das lutas do campo. Brenda propõe um resgate de identidades e tradições camponesas a partir de uma abordagem artística e encantada, entendendo a memória como ferramenta política e como território em disputa no Brasil.

A mostra Ofício: Barro: Gabriella Marinho – Argila-Griô reúne 25 trabalhos, cerca de metade deles inéditos, criados a partir de 2017 pela artista visual, educadora e pesquisadora que, em suas esculturas e instalações, reflete sobre corporeidade e subjetividade, explorando tanto as relações entre as peças e o espaço, quanto a plasticidade pictórica que a pintura oferece sobre esse material.Desde sua criação em 2019, o projeto Ofício, desenvolvido no Galpão das Oficinas de Criatividade do Sesc Pompeia, tem se destacado como um espaço inovador para a exploração e valorização de diversas formas de expressão artística. A edição de 2024, intitulada Ofício: Barro, celebra a argila como um material fundamental na criação de utensílios e obras de arte que moldaram culturas milenares, desde a Mesopotâmia até o Egito Antigo. A modelagem do barro não só preserva tradições ancestrais, mas também se revela uma poderosa ferramenta para expressar reflexões e sensibilidades contemporâneas.Gabriella Marinho, com sua participação no projeto Ofício, destaca a importância da arte em argila não apenas como forma de expressão, mas também como meio educativo e transformador

Com texto crítico da curadora e pesquisadora Luciara Ribeiro, a exposição apresenta um conjunto inédito de pinturas, esculturas e instalações que demonstram a expansão material e conceitual na prática do artista, enquanto aprofunda os temas debatidos ao longo de sua carreira.A primeira individual de No Martins no Brasil em cinco anos,  investiga as relações entre sujeito e as estruturas sociais dominantes, permeadas por debates existenciais clássicos. Exemplo dessas reflexões é o conjunto de pinturas produzido para a exposição, nas quais o artista empresta sua imagem na forma de autorretratos. Pensando em dimensões que não se limitam a si, Martins se coloca em ambientes marcados por símbolos relacionados à brevidade e aos impasses da vida, assim como signos que dizem respeito à sociedade brasileira. Uma dessas pinturas revela uma cena de aniversário com balões, faixas e uma mesa com garrafas de refrigerantes. O personagem sopra as velas de um bolo, ao lado do qual repousa um crânio.

A galeria apresenta uma individual de Flávio Cerqueiro, artista paulistano que trabalha com técnicas tradicionais da escultura em bronze. A mostra tem o seu texto curatorial assinado por Zoe Diao, que aponta: "Em mais de quinze anos de carreira artística, o trabalho de Flávio Cerqueira tem sido uma investigação multidirecional sobre a existência e a experiência do ser humano na sociedade contemporânea. As esculturas figurativas de Cerqueira são frequentemente estátuas não-monumentais em escala tamanho real, retratadas como adolescentes entre uma ação na sua própria temporalidade, ou por vezes explorando a sua própria materialidade. A expressão facial neutra, juntamente com o vestuário cotidiano das esculturas, diminui as potenciais interpretações que fazem referência a arquétipos da vida real, e são, portanto, autônomas, alegóricas e semioticamente indexadas."

No centenário do surrealismo, o Espaço Arte M. Mizrahi apresenta a exposição coletiva *Quimeras – 100 anos do Surrealismo*, uma jornada que explora as profundezas do imaginário e do inconsciente em um contexto contemporâneo. Sob curadoria de Jurandy Valença, a mostra reúne um conjunto de 54 obras, entre pinturas, gravuras, desenhos, esculturas e fotografias, de 18 reconhecidos artistas nacionais e internacionais que oferecem diferentes interpretações do surrealismo e suas influências persistentes nas artes e na literatura.O Surrealismo, fundado por André Breton em 1924, revolucionou a forma como o inconsciente e a imaginação eram abordados nas artes. Inspirado por elementos do romantismo e caracterizado pela ênfase no poético e no onírico, o movimento foi, acima de tudo, uma rebelião contra os padrões conservadores de sua época. O surrealismo não só redefiniu os contornos da arte, mas também impactou profundamente o pensamento filosófico e cultural, ao destacar o papel da imaginação e da fantasia na construção da realidade.Valença observa que o surrealismo ainda mantém uma força emancipada e provocadora, mesmo um século após sua origem. Segundo o curador, "o surrealismo, mais do que um movimento histórico, é uma forma de ver o mundo que resiste ao tempo e desafia o espectador a questionar as próprias noções de realidade. Ao selecionar as obras, buscamos não só a representação tradicional do movimento, mas também como ele reverbera nas expressões e interpretações artísticas de hoje".Na exposição, figuras como o alemão Walter Lewy, que se manteve fiel ao surrealismo até o fim da vida, e brasileiros como Flávio de Carvalho e Mário Gruber, que criaram universos que transcendem o comum, estão ao lado de nomes como Regina Silveira e Cildo Meireles, cujas obras estabelecem diálogos menos evidentes, mas significativos com o movimento. Também presentes estão os brasileiros Octávio Ferreira de Araújo, com cenas que evocam mistério e magia, e Marcello Grassmann, que explora figuras mitológicas e combina o humano e o animal. A mostra aborda a questão da representatividade feminina no surrealismo, reconhecendo que o movimento foi historicamente misógino. No entanto, propõe um olhar crítico sobre essa questão, explorando como o surrealismo, apesar de suas limitações, contribuiu para discussões sobre identidade e subjetividade.A exposição *Quimeras – 100 anos do surrealismo* convida o público a refletir sobre a atemporalidade do surrealismo e sua capacidade de transcender fronteiras culturais e temporais, expandindo os limites da percepção e da interpretação artística. Ao explorar como o imaginário e o inconsciente seguem vivos e desafiadores na produção artística contemporânea, a mostra reafirma o surrealismo não apenas como um marco histórico, mas como um movimento em constante transformação, que continua a inspirar novas gerações de artistas e a ressoar profundamente nas sensibilidades atuais.

O espaço independente Pivô recebe Beijo, exposição de Mariela Scafati e Hélio Oiticica. Para Gonzalo Aguilar, autor do texto crítico, a exposição desloca a ideia de corpo e obra, trabalhando com as pinturas, as telas, as cores, as cordas, o teatro em miniatura (o kamishibai), os sentidos dos espectadores e até o próprio ar como corpos. A mostra é organizada em parceria entre a galeria paulistana Gomide&Co e a galeria argentina ISLA FLOTANTE. Mariela Scafati (Olivos, Argentina, 1973) vive e trabalha em Buenos Aires. Considerada uma das mais importantes artistas argentinas de sua geração, Scafati trabalha a partir da sua formação como pintora e serigrafista e de suas experiências com ativismo social e educação. Foi co-fundadora da ação Taller Popular Serigrafía (2002-07) e é membro do coletivo Serigrafistas Queer desde 2007, criando materiais como slogans e stencils utilizados nas marchas do orgulho LGBTTTIQ+ na Argentina. A artista articula em suas obras experimentações formais, temática queer e questões sociais, políticas e econômicas de seu país. Hélio Oiticica (Rio de Janeiro, Brasil, 1937–1980) é um dos principais nomes da arte brasileira na segunda metade do século XX. Iniciou seus estudos artísticos no Curso Livre de Pintura de Ivan Serpa, no MAM Rio, em 1954, desenvolvendo trabalhos marcados pela experiência do movimento de arte concreta da época. Entre 1955 e 56, foi membro do Grupo Frente, assinando o Manifesto Neoconcreto (1959), a partir do que seu trabalho se expandiu no sentido de abarcar o espectador como participante da obra. Durante a década de 1960, desenvolveu algumas de suas séries mais conhecidas (Bilaterais, Relevos Espaciais, Núcleos, Penetráveis e Bólides) e participou de coletivas consideradas históricas, como Opinião 65 (1965) e Nova Objetividade Brasileira (1967), ambas no MAM Rio.

No contexto do mês da Consciência Negra, o Centro Cultural São Paulo lança luz sobre um importante conjunto do Acervo Histórico da Discoteca Oneyda Alvarenga: os raros registros documentais de expressões culturais como a Congada e o Cateretê – documentadas nos anos de 1930 pela Discoteca Pública Municipal e Missão de Pesquisas Folclóricas, sob a política cultural de Mário de Andrade à frente do Departamento de Cultura – e destaca o papel de Oneyda Alvarenga na direção da Discoteca.O conjunto documental, organizado em dois núcleos, compõe a exposição “Reinados Negros no Brasil e a Discoteca Oneyda Alvarenga”, com destaque para os registros de Congadas feitos durante a direção de Oneyda Alvarenga à frente da Discoteca, e homenagem à musicóloga, haja vista que neste ano se completa 40 anos de seu falecimento.

A galeria Luis Maluf apresenta uma exposição coletiva para celebrar os seus dez anos de atividade. A mostra, com curadoria de Ana Carolina Ralston traz obras de artistas representados pela galeria, entre os quais Aline Bispo, Bu'ú Kennedy, Karola Braga e nomes internacionais como a holandesa Janet VollebregtLicida Vidal, uma das artistas do time Luis Maluf Galeria de Arte apresenta “Dissecada(ou que continha milhares de sementes)”, 2024. A obra une argila expandida, cerâmica, redes de pesca e água para criar um microecossistema. Argilas aquecidas e porosas evocam o impacto ambiental, filtrandoágua que sussurra entre as esferas. A obra reflete a extração e a resistência natural, capturando o ciclo da vida frente à exploração humana.

A Galeria Alma da Rua I apresenta "Raízes do Sentir – Ecos, Reflexos e Conexões" da artista Micha, sob curadoria de Tito Bertolucci e Lara Pap. A artista, com uma trajetória marcada pela investigação profunda das emoções humanas e do universo feminino reúne obras recentes em uma série de esculturas, pinturas, instalações e objetos, revelando a constante busca pela transformação do ser por meio da arte. Em sua sexta exposição individual, Micha explora o coração humano ampliado para além de sua função biológica, tratá-lo como um portal para uma percepção sensível e subjetiva.Com a exibição de obras inéditas e outras que já circularam em bienais e instituições culturais, Micha convida o espectador a se aproximar de uma linguagem visual que vai além da tinta e do papel. Trabalhando com materiais variados como couro, metal, cerâmica portuguesa, gesso, madeira e prata, a artista experimenta texturas e superfícies que complementam o conteúdo simbólico de sua pesquisa.

The Man in the Moone, primeira exposição individual de Julien Bismuth no Brasil, apresenta trabalhos em diversas mídias que refletem o interesse do artista pela linguagem, com enfoque na temática da tradução. A exposição concentra um conjunto de desenhos, serigrafias e trabalhos murais inspirados em imagens e metáforas da linguagem partindo de diversos autores. Uma série de serigrafias, impressas sobre tecido de tela de serigrafia, mostra variações de um desenho feito pelo polímata alemão do século XIX, Alexander von Humboldt, onde cada obra se diferencia por sutis variações na reprodução da imagem original. Os títulos são citações do texto de Dante Alighieri sobre a sua busca da identidade da língua italiana na floresta dos seus vários dialetos. A obra mural, realizada com pigmento em pó, reinterpreta a ilustração do livro The Man in the Moone, do séc. XVII, um dos primeiros livros de ficção científica baseado em descrições de línguas ameríndias pelos primeiros viajantes europeus. A constelação de referências, materiais e técnicas escolhidos, indicam a dimensão alegórica de sua pesquisa, em que qualquer aspecto, até os mais banais, podem transmitir diferentes significados.

A mostra propõe um diálogo entre trabalhos de Maria Andrade e Raquel Garbelotti e seus processos que lidam com distintas ideias de paisagem contemporaneamente. “Das paisagens, dessas que vêm aos lábios” destaca as singularidades de poéticas das duas artistas, ao passo que acentua como a paisagem, ou até mesmo, o meio ambiente, algo que a princípio seria externo, se torna uma instância que atravessa nosso ser, nosso corpo e atua intensamente na percepção que temos de mundo.A curadora Galciani Neves destaca como o espaço expositivo vai evidenciar os diferentes suportes, pesquisas e materialidades de Maria e Raquel, e como os relatos de paisagens criados pelas artistas se entrelaçam.Enquanto Maria Andrade utiliza a pintura como linguagem majoritária, na qual pinta paisagens inventadas de sua memória, numa interlocução entre consciente e inconsciente, Raquel Garbelotti, por sua vez, concentra-se na pesquisa em que revivencia os processos dos jardins modernistas de Burle Marx e os displays de Lina Bo Bardi.

Terceira exposição individual da artista Ana Dias Batista na Galeria Marilia Razuk. Conhecida por seu trabalho multifacetado, que a cada projeto se aproxima de um campo do mundo da vida, Ana Dias Batista transforma a galeria em uma loja de plantas.A instalação, especialmente concebida para o espaço original da Galeria no térreo do Edifício Gisele, no Itaim Bibi, se apropria de materiais comuns nesses estabelecimentos, como flores, cactos, espuma floral e vasos, submetendo-os a arranjos que subvertem ou ampliam a percepção cotidiana.

Das pinturas que retratam a realidade do campo e as devoções religiosas que permeiam significativamente a vida dos trabalhadores rurais aos devaneios da arte de tendência popular, “Ozias” ocupa a Danielian Galeria-SP com obras que reafirmam as origens biográficas de Odoteres Ricardo de Ozias. O artista autodidata debutou no mundo da pintura sob o olhar do cotidiano na área rural do pequeno município da Zona da Mata de Minas. Ganhou visibilidade com seu viés de ‘artista do povo’ e se consagrou no cenário cultural internacional com uma mostra individual na galeria David Zwirner, em Londres, em setembro de 2023.Na mostra, estarão obras executadas desde 1962, passando pela produção dos anos 1990, com destaque para “Fogo Nisto!” e “Cortando a Mata”, representações do ambiente rural; e dos anos 2000, destacando-se “Anjos no Céu” e “Rostos”, que denotam as relações do homem e a religiosidade.

A individual de Gabriela Giroletti na Galeria Leme, Mil manhãs, reúne telas de pequeno e grande formato que exploram as possibilidades da pintura, no que se refere à poesia, à técnica e ao conceito. O trabalho da artista discute a prática e a pintura, e demonstra um fundamental apreço pelo mundo natural e seu potencial lírico.Sua produção flutua entre ser figurativa ou abstrata, por exemplo. Isto é, em suas pinturas podemos ver remissões a cenas da natureza ou perceber formas, construções, cores e gestos que existem apenas no campo das explorações artísticas

Exposição individual da artista carioca Ana Holck, com curadoria de Taisa Palhares. A mostra reúne quatro séries inéditas — Suspensos, Expansíveis, Axiomas e Laçados —, todas produzidas em 2024, marcando uma nova fase na trajetória da artista. Com quase 20 esculturas, incluindo 5 móbiles, a exposição explora o diálogo entre espaço e materialidade, utilizando aço inox, porcelana e barro.Conhecida por suas investigações sobre arquitetura e espaço urbano, Holck, em seu novo ateliê no Jardim Botânico, no Rio de Janeiro, tem experimentado com a cerâmica para ampliar a escala de suas criações, equilibrando precisão construtiva e gestualidade.A nova exposição de Ana Holck traz uma abordagem renovada à ideia de circularidade, um tema recorrente em sua produção artística, agora enriquecido com novas camadas de significado. Embora as esculturas não sejam cinéticas, elas transmitem uma forte sensação de movimento e velocidade. Esse dinamismo é intensificado pelos jogos de luz e sombra que as obras projetam, criando formas que se expandem pelo espaço.

A Casa Triângulo inaugura a exposição inédita Outras Simetrias, com trabalhos da produção recente da escultora brasileira radicada em Nova York Juliana Cerqueira Leite. Neles, Juliana utiliza a escultura para explorar o corpo humano, criando esculturas e desenhos que desafiam percepções tradicionais, integrando o corpo em novos contextos e questionando sua estabilidade. A artista promove a instabilidade através de recortes e justaposições, sugerindo novas presenças e espaços. Seus desenhos revelam aspectos latentes, emergindo do gesto artístico e da aparição.A partir de seu corpo, Juliana criou dois moldes com atadura gessada e espelhados, refletindo a mesma pose. Ambos são cortados verticalmente ao meio, segundo o eixo sagital, onde o próprio corpo se espelha, e depois fundidos perpendicularmente. A artista se lança e relança em um trabalho que, para gerar corpos que criam outros espelhamentos, rompe lógicas preexistentes.

Romy Pocztaruk apresenta uma série de fotografias realizadas em 2023 que são resultado de uma pesquisa sobre a imigração japonesa, em São Paulo, onde há a maior comunidade de descendentes japoneses fora do Japão do mundo. A mostra é acompanhada por um texto crítico assinado pela curadora Ana Carolina Ralston. Como acontece frequentemente em sua prática, através da investigação de um campo social a artista desenvolve um diálogo entre objetos, documentos e imagens para a criação de suas fotografias. Buscando trazer à luz tensões não ditas entre o passado e o presente, a artista abre uma discussão a respeito dos limites entre a prática documental e ficcional ao realizar uma série de fotografias encenadas que exploram fantasias ligadas à herança cultural japonesa no Brasil e sua manifestação no presente.

Exposição individual da artista Nina Horikawa, com curadoria de Ana Avelar. Apresentando uma série de trabalhos em óleo e acrílica sobre tela, Nina explora a ambiguidade das relações humanas e as nuances da intimidade. Seu processo pictórico envolve a criação de camadas e o desenho com o pincel, introduzindo elementos que revelam o invisível na superfície da imagem. O corpo humano e as interações entre humanos e não humanos também são temas recorrentes em sua obra, refletindo sobre o rastro da presença humana.A exposição convida o público a refletir sobre a intimidade e o que está oculto na tela. Um fio condutor invisível conecta as composições, aludindo à interconexão entre os indivíduos.

A CAIXA Cultural São Paulo recebe a exposição interativa VIAJANDO COM TAPETES CONTADORES, um projeto inédito do grupo Os Tapetes Contadores de Histórias. Depois de temporadas em Brasília, Fortaleza e Rio de Janeiro, a exposição desembarca na capital paulista.Com 25 anos de carreira, o grupo desenvolve um projeto singular de transposição do livro para a artesania têxtil, sendo o primeiro coletivo nacional a promover exposições interativas dentro de galerias de arte. A visitação é gratuita. As narrativas costuradas e bordadas à mão pelo próprio grupo, em coloridos bonecos, vestimentas, tapetes, caixas, painéis e livros, ganham vida na voz e interpretação dos integrantes do grupo. São obras criadas no Brasil, França e Peru e servem de cenários para histórias do mundo inteiro. Parte delas poderão ser visitadas e assistidas nas contações de histórias, cuja visitação será mediada e incentiva as crianças na experiência lúdica da leitura e da descoberta.

A exposição estabelece um diálogo sensível entre temas contemporâneos – tais como a valorização da diversidade, direitos humanos, questões indígenas, de gênero e raciais – apresentados por meio de obras de relevantes artistas nacionais e internacionais, e a celebração da vida de Anne Frank, contextualização histórica e imersão no Anexo Secreto, através de materiais fornecidos pela Anne Frank House Amsterdã.Em um percurso expositivo imersivo, a mostra utiliza O Diário de Anne Frank como obra fundamental, que revisitado no presente torna-se objeto de memória, um potencial manifesto humanista e poderosa declaração ética. A reprodução fiel do Anexo Secreto é uma iniciativa inédita no Brasil, um convite à imersão num espaço de memória reconstituído, com objetos e marcas pessoais mencionadas em passagens do Diário. De relato pessoal, tornou-se uma obra fundamental na trajetória da luta pelos direitos humanos, no combate ao antissemitismo e todas as formas de intolerância, e na construção da ideia de humanidade. Nessa missão, felizmente, Anne não está sozinha. Muitas vozes uniram-se a ela.A exposição propõe um diálogo com o momento atual por meio de um espaço que abriga um conjunto de obras de arte originais de grandes nomes do cenário cultural nacional, como Claudia Andujar, Leonilson, Flávio Cerqueira, Nino Cais, Eustáquio Neves, Anna Bella Geiger, Gê Viana, Erich Brill, entre outros — em empréstimos do MAM (Museu de Arte Moderna), Pinacoteca de São Paulo e galerias de arte.

O espaço expositivo voltado à arte, cultura e sustentabilidade apresenta a mostra individual do fotógrafo Christian Cravo, com curadoria de Carolina Pileggi, fundadora do espaço.A exposição apresenta fragmentos da viagem do artista a países como Gana e Bangladesh em uma reflexão sobre os impactos da ação humana no meio ambiente. Os temas abordados são urgentes e atuais, como a injustiça ambiental e a colonização de resíduos.O artista aborda em suas imagens espaços residuais que emergem do descarte industrial em lixões. Ele propõe uma visão inovadora de áreas frequentemente negligenciadas, apresentando-as como ambientes em constante transformação e resiliência.A mostra também aborda a prática do colonialismo de resíduos, em que países desenvolvidos exportam lixo industrial para países em desenvolvimento, revelando uma dura realidade de desigualdade social e ambiental, amplamente observada desde os aterros de Gana até os desertos do Oriente Médio.

A exposição imersiva celebra os 25 anos da série de animação. O mundo de Bob Esponja e de seus amigos é transportado para o MIS Experience, com cenários do mundo subaquático: como o abacaxi em que Bob mora e a hamburgueria Siri Cascudo, assim como um acervo de produtos e storyboards originais do desenho.

“Corpos Luminosos”, primeira individual de Marina Caverzan na Janaina Torres Galeria, convida o público a atravessar fronteiras e acessar novas formas de percepção. Com curadoria de Ana Roman e a participação especial de Artur Lescher, a mostra explora a interseção entre espiritualidade, abstração e cultura contemporânea.Inspirada pelo texto O Mundo Resplandecente, de Margaret Cavendish, do século 17, precursor da ficção científica, a exposição propõe um diálogo entre ciência, filosofia e imaginação, onde “corpos luminosos” emergem como metáfora para expandir os modos de apreensão da realidade.A mostra conta com pinturas, livro de artista e instalação de Marina Caverzan, além de um conjunto de três esculturas em granito de Artur Lescher, criam um ambiente imersivo onde diferentes linguagens artísticas dialogam com questões filosóficas e metafísicas.Indicada ao Prêmio Pipa 2023, Marina Caverzan revigora o repertório do abstracionismo geométrico, imprimindo, à racionalidade, o oculto e o simbólico, onde referências à alquimia, matemática e rituais espirituais se encontram. Em suas pinturas e instalações, a artista explora a abstração como um meio para evocar estados de consciência transformadores, nos quais o visível e o oculto coexistem.

Como parte das comemorações do 20º aniversário do museu, a exposição revisita a trajetória e o legado da instituição. Ao longo de duas décadas, o Museu Afro Brasil abrigou e promoveu exposições que celebram a história e a cultura afro-brasileira, e também desafiam narrativas que limitam o papel dos negros no Brasil e no mundo. Exposições como "Brasileiro, Brasileiros" (2004), "Benin está vivo ainda lá" (2007) e "Isso é coisa de preto – 130 anos da abolição da escravidão: arte, história e memória" (2018) mostram o esforço do museu em se posicionar como um espaço de luta coletiva.

A exposição acontece em um momento de comemorações dos 20 anos do Museu Afro Brasil. Ela enxerga questionamentos sobre o que é definido como 'popular' nas artes, desafiando as categorizações que rotulam muitas vezes esses artistas como 'ingênuos' ou com pouca formação acadêmica.A mostra apresenta obras de mestres como Cândido Santos Xavier, Luiz Antônio da Silva, Ciça - Cícera Fonseca da Silva, M. L. C. - Maria de Lurdes Cândido, Jadir João Egidio, M. C. M. - Maria Cândido Monteiro, Mestre Noza, Manuel Graciano Cardoso, Mestre Vitalino (e família), Véio e Dedé. A pluralidade da arte popular é explorada em várias dimensões, desde as peças multicoloridas e antropo-zoomorfas até o minimalismo das formas. As obras são expostas em diálogo, permitindo ao visitante uma experiência imersiva. A viagem começa com os barcos de Exu de Cândido Santos Xavier, atravessa as memórias e retratos esculpidos da “Família quilombola” de Mauro Firmino e se encerra no realismo fantástico de sereias e seres míticos brasileiros, com esculturas de Resêndio e Manuel Graciano Cardoso.

inspirada nas ideias de Cheikh Anta Diop, "Uma História do Poder na África" destaca a relevância da África na formação das civilizações mundiais, reconhecendo o Egito antigo como parte integrante do continente africano. As obras expostas exploram a intersecção entre passado e presente, com destaque para relíquias egípcias que reforçam a importância cultural e histórica do Egito para a África subsaariana.Dois nomes contemporâneos ganham destaque: a angolana Damara Inglês e a guineense Gisela Casimiro, artistas com obras especialmente comissionadas para essa exposição. Ambas trazem perspectivas atuais que dialogam com o conceito de poder e ancestralidade africana, contribuindo para uma releitura crítica da arte africana em suas diversas manifestações.Entre os artefatos e obras mais marcantes, estão o Trono do Reino Daomé, o Banco Luba e a Cabeça de bronze de Yoba, além de peças raras da antiga civilização egípcia. As conexões culturais entre o Egito e o resto da África, tão defendidas por Diop, são evidenciadas ao longo da mostra, que se divide em cinco núcleos temáticos.

A exposição tem a proposta de apresentar de maneira acessível as obras do artista Rubem Valentim, a partir de uma experiência que inclui fotografias, serigrafias e esculturas adaptadas para pessoas com deficiência. A mostra, baseada em obras do acervo do Museu, abrange elementos com recursos acessíveis instalados no subsolo e obras originais localizadas no primeiro nível do espaço. Os elementos com recursos acessíveis incluem duas reproduções táteis tridimensionais e três reproduções bidimensionais das obras originais que serão apresentadas na exposição instalada no primeiro nível. Além disso, a mostra conta com jogos interativos, um mapa tátil e um retrato tátil do artista homenageado.

O dia a dia do povo brasileiro é atravessado pelas presenças africanas na forma como nos expressamos – seja na entonação, no vocabulário, na pronúncia ou na forma de construir o pensamento. É sobre essas presenças que trata a exposição com curadoria do músico e filósofo Tiganá Santana. Línguas dos habitantes de terras da África Subsaariana, como o iorubá, eve-fom e as do grupo bantu, têm participação decisiva na configuração do português falado no Brasil, seja em seu vocabulário ou na maneira de pronunciar as palavras e de entoar as frases, mesmo que esta estruturação não seja do conhecimento dos falantes. Trata-se de uma história e de uma realidade legadas por cerca de 4,8 milhões de pessoas africanas trazidas de forma violenta ao país entre os séculos 16 e 19, durante o período do regime escravocrata. Além da língua, essa presença pode ser sentida em outras manifestações culturais, como a música, a arquitetura, as festas populares e rituais religiosos.

O circuito expositivo apresenta uma instalação cênica, que evoca o mito de Narciso, paradigma da cultura ocidental relativo ao cultivo da própria imagem, ao olhar do artista para si mesmo. O espelho d’água e a flor amarela em que Narciso se metamorfoseou apresentam a versão mais difundida da fábula. Mais do que uma leitura de fundo psicanalítico, o mito de Narciso é tomado como matéria alegórica referida à questão da autorrepresentação artística e do fenômeno contemporâneo da selfie.A exposição oferece ao visitante conhecer através de uma linha do tempo, a transição dos autorretratos fotográficos analógicos para as selfies digitais e experimentar sensorialmente variações de sua autoimagem refletida em instalações compostas por espelhos multicoloridos.

A mostra é uma homenagem à rica tradição do samba paulistano. A partir do olhar sensível do fotógrafo Wagner Celestino, a exposição retrata figuras lendárias do samba, como Seu Nenê da Vila Matilde, Xangô da Vila Maria e Carlão do Peruche. Instalado sob a marquise do museu, na área externa, o acervo apresentará as fotografias acompanhadas de biografias dos homenageados.

Novo centro cultural na cidade, a Casa Bradesco inaugura com uma mostra do artista britânico Anish Kapoor. A exposição apresenta 18 esculturas de diferentes momentos da carreira do artista e uma nova obra, criada especialmente para a exposição, com o título de “Blinded by Eyes, Butchered by Birth”. A instalação é um inflável de grandes proporções que tensiona o edifício por todos os seus cantos. Concebidaespecialmente para a mostra no Brasil, a obra evoca uma relação com a inflamação concentrada em um gigantesco órgão, que pulsa e domina o espaço. A condição que carregaé a fragilidade essencial da existência: o que mantém a obra viva é uma pulsação constante, ela é viva e dominante.

Exposição individual da artista Geórgia Kyriakakis. Com texto crítico de Paula Borghi, a mostra traz obras que suscitam reflexões sobre a cultura, a história e a herança social do processo colonizador na América Latina.Inspirada pela canção "Sangue Latino", composta em 1973 por Paulinho Mendonça e João Ricardo, e eternizada pela banda Secos e Molhados, a artista propõe uma visão ampliada da América Latina, que ultrapassa conceitos geográficos e contrapõe a influência cultural norte-americana.Composta por esculturas, desenhos, instalações e ações colaborativas, a exposição ocupa todo o espaço da galeria. No piso térreo estão duas séries de desenhos inspirados na história da cidade de Chuquicamata, no Chile, abandonada devido à poluição do ar e à contaminação causada pela exploração de cobre na região. Na parede principal, a artista apresenta VEIAS ABERTAS, uma extensa faixa de tecidos vermelhos de diferentes formatos e texturas, cobrindo toda a metade inferior da parede. São quase 20 metros de tecidos sobrepostos, dispostos de modo a representar a divisão geográfica entre norte e sul. Esses tecidos trazem recortes de trechos da música Sangue Latino: “minha vida, meus mortos, meus caminhos tortos, meu sangue latino, minha’alma cativa”. Ainda no térreo, outra frase da mesma canção inspira a criação das três esculturas chamadas LANÇA AO ESPAÇO, compostas por 15 lanças de madeira torneada, pontiagudas e encaixadas umas nas outras. No andar superior, estão expostas ações colaborativas propostas por Kyriakakis em parceria com as artistas Carla Chaim, Aline Langendonck, Isis Gasparini e Vânia Medeiros, desenvolvidas para envolver a participação da equipe da galeria. Exceto Vânia Medeiros, todas as demais artistas, e também a curadora Paula Borghi, foram alunas de Kyriakakis no curso de Artes Visuais da Faap. O projeto surgiu do desejo da artista de unir sua atuação como artista e professora em uma mesma iniciativa.

Primeira exposição do artista da Baixada Fluminense O Bastardo. A partir de um processo de apropriação de símbolos e ícones presentes em obras canônicas da história da arte ocidental, O Bastardo propõe a criação de um mundo utópico onde as figuras dessas obras habitam uma realidade paralela, marcada pela presença e protagonismo da figura preta. O artista descreve esse processo como um “atropelamento” dos clássicos, uma sobreposição que expõe a existência desse universo alternativo. A individual conta com texto curatorial da historiadora Lília Schwarcz.

O artista mineiro, natural de Poços de Caldas, Teodoro Dias, ganha sua primeira exposição individual. Com curadoria de Taisa Palhares, a mostra apresenta um conjunto de 41 obras, entre pinturas, desenhos e esculturas, que revela a essência da poética visual do artista: uma forma compositiva sintética, com a combinação de faixas verticais que só diferem na largura e na cor e que lembram o caráter repetitivo e anônimo do mundo industrial. A arte de Teodoro Dias lida com formas simples que poderiam se resumir a duas linhas paralelas. A sua preocupação central reside na criação de objetos que não se mostram ostensivamente como arte. Elas estão na origem de suas gravuras, desenhos, pinturas e objetos tridimensionais. O desafio do artista, conscientemente, está na capacidade de, a partir de elementos tão simples, proporcionar ao público experiências que revelem as possibilidades infinitas contidas em gestos corriqueiros e anônimos: traçar uma linha ao lado da outra.

Primeira individual do artista Thiago Barbalho na cidade de São Paulo. Tendo o desenho como principal eixo de sua poética, Barbalho iniciou sua trajetória profissional como escritor e, segundo o artista,”o desenho veio do processo de insatisfação com a escrita, do esgarçamento dessa relação.” Gradualmente Barbalho percebeu que, por meio de grafismos e signos, muitas vezes realizados acidentalmente, era possível elaborar sobre a imensa maioria de imagens e estímulos visuais com os quais nos deparamos cotidianamente. Para ele, os estímulos visuais que nos rodeiam, das mais diversas naturezas, de símbolos religiosos a anúncios publicitários, provocam fascínio e encantamento em quem os observa, como se estes “nos enfeitiçassem”.Assim, em seus trabalhos, uma profusão de elementos orgânicos, religiosos e ancestrais de colorido intenso estão diluídos em meio à grande quantidade de detalhes presentes nas composições, onde, por vezes, figura e fundo se confundem. Outro dado importante é a gestualidade e as diferentes maneiras com que o artista manipula o lápis de cor, o pastel, as canetas e marcadores, bem como a tinta acrílica e óleo.A mostra reúne diferentes formatos de trabalhos, desde obras de grandes dimensões até desenhos feitos em pequenos cadernos.

Com curadoria de Luis Pérez-Oramas, a mostra coletiva reúne 37 trabalhos do final do século XX, realizados por 18 artistas : Amelia Toledo, Angelo Venosa, Antonio Dias, Carlito Carvalhosa, Carlos Zílio, Cristina Canale, Daniel Senise, Fabio Miguez, José Claudio, Karin Lambrecht, Leda Catunda, Leonilson, Marcos Chaves, Mira Schendel, Paulo Bruscky, Sérgio Sister, Tomie Ohtake e Vik Muniz. Embora esse período na arte brasileira tenha sido marcado por um ressurgimento da pintura, em especial por meio da chamada Geração 80, a mostra apresenta trabalhos em diferentes linguagens, como aquarelas, desenhos, esculturas e bordados. Um elemento que chama a atenção em alguns trabalhos é, por exemplo, a influência do Neo Expressionismo alemão, visível nas pinturas de Fábio Miguez e Carlito Carvalhosa, durante o período em que ambos trabalhavam juntos no Ateliê Casa 7. O colorido escuro e a presença de elementos de aspecto cartunesco eram característicos de nomes que lhes serviam de referência, como Markus Lupertz, Philip Guston e Jean Michel Basquiat. Referências a natureza também podem ser observadas em alguns trabalhos da mostra, como o de Antonio Dias, datado do início dos anos 1990, no qual emprega materiais como grafite, cobre e malaquita, de forma a investigar circuitos energéticos, e no de Angelo Venosa, de 1994, onde realiza experimentos plásticos com dentes de boi e chumbo. No campo das abstrações, os principais pontos da mostra são as experimentações formais e cromáticas realizadas por Tomie Ohtake e Amelia Toledo.

Bahia afrofuturista: Bauer Sá e Gilberto Filho marca a estreia dos artistas baianos em São Paulo em uma exposição que conta com dois núcleos expositivos distintos: no primeiro, um conjunto de 30 fotografias de Bauer Sá, produzidas entre os anos 1990 e 2000, que exploram a ancestralidade afro-brasileira por meio de temáticas raciais e divindades africanas; no segundo, a primeira exposição individual de Gilberto Filho, apresentando esculturas em madeira que datam desde 1992 até o presente e retratam cidades utópicas e modernas nascidas da imaginação do artista.A mostra, que conta com curadoria de Tomás Toledo e Alana Silveira, esteve em cartaz na Galatea Salvador, no período de julho a setembro de 2024. O texto crítico é assinado pelo artista e curador Ayrson Heráclito, reconhecido por seu trabalho que aborda a cultura afro-brasileira e suas conexões históricas, e pelo escritor e historiador Beto Heráclito. Eles destacam que os trabalhos de Bauer e Gilberto, de naturezas distintas, dão a ver diferentes facetas do conceito de afrofuturismo.

A exposição apresenta um conjunto de 44 obras do artista Francisco Galeno, que ao longo de sua carreira explora múltiplas técnicas, como a pintura e escultura em madeira, além da ressignificação de objetos do cotidiano. Com texto crítico do pesquisador e curador Leno Veras, a primeira mostra apresenta trabalhos de Francisco Galeno (Parnaíba, PI, 1957). Produzindo há mais de quatro décadas, o artista construiu o seu vocabulário visual a partir do cruzamento entre as vivências da sua infância no Delta do Parnaíba, no Piauí, e o imaginário modernista de Brasília, para onde a sua família se mudou quando ele tinha 8 anos. Em 1969, instalaram-se em Brazlândia, cidade nos arredores da capital federal, lugar em que Galeno se iniciou enquanto artista e mantém ateliê até hoje. Atualmente, ele vive e trabalha entre Brazlândia e Parnaíba, onde também possui ateliê.As obras de Galeno conjugam tanto o interesse geométrico que aprendeu em Brasília, com as linhas da arquitetura e as obras de mestres como Alfredo Volpi, Athos Bulcão e Rubem Valentim; quanto um caráter lírico e lúdico ao trazer símbolos da sua infância, dos brinquedos e dos objetos que o cercavam, como as bolas de gude e de futebol, os carretéis da sua mãe rendeira e os anzóis e a madeira do seu pai pescador e marceneiro.

Exposição inédita do artista e cineasta César Oiticica Filho. Sobrinho de Hélio Oiticica e carinhosamente chamado de Cesinha, sua pesquisa transita entre a pintura e a fotografia, explorando os multimeios que conectam as artes plásticas e o cinema. Com texto crítico de Paula Borghi, a exposição apresenta uma seleção de seis obras inéditas em grande formato, com destaque para “Intervenção Quântica”, uma instalação com telas posicionadas na fachada da galeria, convidando o visitante a adentrar a mostra e explorar a cor, a luz e as energias quânticas, ao mesmo tempo em que surpreende as pessoas que passam pela rua, por meio do diálogo que a obra exerce com a cidade.No campo das artes visuais, César Oiticica Filho também trabalha com instalações e vídeos que lidam com a sobreposição de camadas de significados, recorrendo muitas vezes a arquivos pessoais, familiares e históricos para criar obras que são ao mesmo tempo íntimas e coletivas. Ele utiliza uma abordagem híbrida, combinando mídias analógicas e digitais, o que possibilita um olhar inovador sobre o tempo, a memória e o legado artístico.

O Liceu de Artes e Ofícios de São Paulo, uma das instituições mais importantes na formação técnico-profissional do Brasil, celebra 150 anos com a exposição que revela um olhar detalhado sobre a contribuição do Liceu na construção do patrimônio arquitetônico e artístico da capital paulista, pelas fotografias de Leonardo Finotti e Nelson Kon.A exposição, com curadoria de Gustavo Curcio e Fernanda Carvalho, apresenta a grandiosidade e as minúcias de edifícios icônicos de São Paulo, erguidos graças ao trabalho da instituição ao longo de 15 décadas de existência. Monumentos como a Pinacoteca do Estado, o Theatro Municipal e a Catedral da Sé estão entre os destaques, oferecendo ao público uma visão inédita de espaços que muitas vezes passam despercebidos pelo observador.

Exposição inédita e autoral que celebra a carreira de um dos cineastas contemporâneos independentes mais instigantes, traçando um panorama da obra audiovisual de Bruce e culminando em uma instalação baseada em seu último longa-metragem, “The Visitor”. A exposição conta com pôsteres, cenas de bastidores, press kits oficiais, trailers, testes de elenco, stills de filmes, entre outros itens.

O Memorial da América Latina tem o prazer de anunciar a inauguração da exposição “ASSENTAMENTO”, uma proposta do artista-autor Pedro Martins.A mostra se insere em um contexto de reflexão crítica sobre o apagamento das memórias negras nos espaços urbanos, abordando as políticas de memoricídio que visam silenciar a história cultural e patrimonial das populações negras.Com uma seleção de 60 trabalhos, a exposição analisa a dinâmica das memórias urbanas e suas interações com os processos coloniais no Brasil, focando em bairros memoráveis da capital paulista, como Liberdade, Paissandu, República, entre outros.

A exposição homenageia um dos cineastas mais célebres do século 20, diretor de clássicos como Crepúsculo dos deuses e Quanto mais quente melhor. Com recriações de cenários e um panorama de seus trabalhos mais influentes, a exposição convida os visitantes a mergulhar na piscina de Norma Desmond, dançar com Marilyn Monroe, tramar golpes de indenização no cinema noir, desvendar casos de tribunal concebidos por Agatha Christie, escapar do inferno número 17 e se render aos encantos de Sabrina.

A exposição inédita “Ancestral: Afro-Américas - Estados Unidos e Brasil” aborda as relações entre os dois países sob a ótica da diáspora africana e como ela está presente nas artes visuais. Sediada no Museu de Arte Brasileira da FAAP, a mostra gratuita reúne 132 obras de grandes artistas de ambos os países. Organizada em tres eixos três eixos – corpo, sonho e espaço – "Ancestral" promove um encontro que valoriza o conceito de identidade afro-americana no Brasil e nos EUA e da arte decolonial. A exposição não apenas homenageia os artistas que desafiaram as brutalidades e o apagamento do colonialismo, mas também busca fomentar um diálogo aberto sobre o impacto e a relevância das raízes africanas ancestrais na sua formação e em seus contextos sociais. A exposição recebe trabalhos inéditos das artistas Gê Viana, Simone Leigh e Gabriella Marinho, assim como trabalhos importantes de nomes fundamentais da arte brasileira e estadounidense, como Abdias do Nascimento, Rubem Valentim, Faith RIngold e Betye Saar.

O Museu de Arte Moderna realiza a 38a edição do tradicional Panorama da Arte Brasileira, dedicado a apresentar a pluralidade da arte contemporânea no país. Em razão de reformas na marquise do Parque do Ibirapuera, a exposição ocorre desta vez na sede do MAC-USP, localizado em frente ao parque. Com curadoria de Germano Dushá e Thiago de Paula Souza, e curadoria-adjunta de Ariana Nuala, esta edição apresentará obras de 34 artistas, de 16 estados brasileiros. O título da exposição parte de uma expressão coloquial que pode assumir múltiplos significados a depender do contexto, mas que invariavelmente funciona como índice de elevada intensidade. Em texto de apresentação sobre o projeto, a curadoria conta que “a mostra orienta-se pelo interesse por formulações ligadas à experimentação, ao risco intenso, às situações radicais, às condições extremas marcadas pelo calor — metafísico, metafórico e climático —, e aos estados — da alma e da matéria — que nos põem diante da transmutação como destino inevitável e imediato”.

A exposição "Extasia", de Flávia Junqueira, proporciona aos visitantes uma experiência mágica e nostálgica a partir da proposta instalativa, em que a artista constrói um espaço teatral e onírico com esculturas, vídeo e fotografias que exploram o universo da fantasia e dos afetos lúdicos da infância, convidando o espectador a sonhar novos mundos.O ambiente onírico da exposição-instalação é composto por elementos do meio infantil como balões coloridos e cavalinhos de carrossel, contrapostas à experiência de estranhamento criada pelos cavalinhos girando de ponta cabeça. Sensações ambíguas como medo e desejo compõe a teatralidade da proposta, um limiar entre fantasia e realidade.

Nascida na Polônia em 1922, em uma família judaica, Stefania emigrou para o Brasil em 1950. Em São Paulo, em 1970, consolidou-se inicialmente como fotógrafa e, a partir dos anos 1980, como crítica e curadora. Em suas imagens, captou especialmente cenas cotidianas, pessoas comuns e momentos de encontro e irreverência, em perspectivas que propõem sutis deslocamentos na forma de olhar para as metrópoles e seus habitantes. Foi a primeira pessoa a assinar como crítica de fotografia na imprensa brasileira, escrevendo por mais de uma década no jornal O Estado de S. Paulo e na revista Iris Foto. Em suas colunas, analisou boa parte da produção fotográfica brasileira e internacional apresentada em São Paulo nos anos 1980. A exposição foca especialmente na produção fotográfica da artista, menos conhecida do que sua atuação crítica. São exibidas cerca de 160 fotografias, grande parte em preto e branco, tiradas sobretudo na década de 1970, ampliadas digitalmente a partir dos negativos. As imagens, muitas delas inéditas, abrangem duas grandes temáticas presentes na obra de Stefania: as cidades, vistas a partir de uma perspectiva crítica à modernidade, e as pessoas que as habitam – crianças, idosos, trabalhadores. A seleção traz ainda dois núcleos com vídeos e documentos que mostram seu trabalho enquanto crítica, curadora e articuladora do campo fotográfico. A seleção tem curadoria de Ileana Pradilla Ceron e Miguel Del Castillo, com assistência de Pamela de Oliveira. No dia da abertura (27/8), às 19h, os curadores participam de uma conversa sobre a mostra com a jornalista Cremilda Medina e as fotógrafas Maureen Bisilliat e Nair Benedicto.

A exposição apresenta ao público uma compreensão geral sobre o vínculo entre a mudança global do clima e a mobilidade humana, evidenciando as diferentes maneiras pelas quais a ciência, os agentes sociais (associações, ONGs e OIs) e as artes lidam com fenômenos tão complexos.

Cinquenta artistas visuais de diversos países da América Latina interpretam a trajetória da Fundação

A galeria apresenta a sua última exposição de 2024,  uma mostra coletiva que reúne 62 obras de 23 artistas, com curadoria de Lorenzo Mammì. Entre pinturas, desenhos e esculturas, Metamorfoses e Distâncias evidencia a relevância da Estação no mercado de arte, por majoritariamente partir do acervo da própria galeria, reunindo obras dos seguintes artistas: G.T.O.; Alcides Pereira dos Santos; Chico da Silva; Félix Farfan; Francisco Graciano; Manuel Graciano; Véio; José Bezerra; Agnaldo Manoel dos Santos; Aurelino dos Santos; Artur Pereira; Conceição dos Bugres; Nino; Júlio Martins da Silva; Izabel Mendes da Cunha; Neves Torres; Jandyra Waters; Cardosinho; Salmi López Balbuena. Dos 23 artistas que compõem o conjunto de obras selecionadas pelo curador, apenas quatro não são representados pela Galeria Estação: Tunga, Jaider Esbell, Elisa Bracher e Nuno Ramos.

Primeira mostra individual no Brasil do espanhol Antonio Ballester Moreno, intitulada Água (verde). É a segunda apresentação de suas obras no país desde sua participação como artista e membro da equipe de curadoria na 33ª Bienal de São Paulo: Afinidades Afetivas (2018). O texto crítico da exposição é assinado pela curadora e crítica de arte Taisa Palhares. A mostra é composta por um conjunto inédito de telas em grandes dimensões, que funcionam como um cenário no qual Ballester cria um ambiente por meio da relação entre cada uma das pinturas e suas respectivas combinações de formas e cores.

Histórias de vida contadas no formato de literatura de cordel são os destaques da mostra temporária Vidas em Cordel. A iniciativa mostra narrativas individuais de pessoas comuns e personalidades como obras literárias, ao mesmo tempo épicas e cotidianas. A exposição é uma parceria do Museu da Língua Portuguesa com o Museu da Pessoa. A curadoria é do poeta e cordelista Jonas Samaúma, do cordelista e pesquisador do folclore brasileiro Marco Haurélio, e da xilogravadora Lucélia Borges. O projeto ainda conta com uma cabine interativa, onde os visitantes podem gravar depoimentos. Além disso, uma versão virtual do projeto permite que os visitantes tenham acesso a conteúdo exclusivo. Dentre as 21 histórias de vida cordelizadas exibidas, três são expostas ao público de forma inédita. São narrativas inspiradas nos depoimentos de personalidades ímpares, que desenvolveram trabalhos de grande impacto na região da Luz, no centro histórico da capital paulista, onde o Museu da Língua Portuguesa está localizado. A exposição chega a São Paulo depois de passar por Pernambuco (Santa Cruz), Bahia (Salvador, São José do Paiaiá, Mucugê e Feira de Santana) e Minas Gerais (Paracatu). Entre as histórias cordelizadas inéditas, há, por exemplo, a de Cleone Santos, uma mineira de Juiz de Fora que trabalhou como prostituta no Parque Jardim da Luz, em São Paulo, por 18 anos. Ela criou o Coletivo Mulheres da Luz, que oferece apoio e dá visibilidade às mulheres em situação de prostituição. Há ainda histórias cordelizadas de nomes conhecidos, como o líder indígena e imortal da Academia Brasileira de Letras, Ailton Krenak, e o jornalista Gilberto Dimenstein.

Fernanda Valadares (1971, São Paulo, SP) inaugura a individual "La inmensidad del lugar y la intimidad del espacio (y viceversa)…", com texto crítico de Alexia Tala, na Aura. A mostra, que reúne um conjunto composto pelas séries mais recentes da artista, explora as tensões entre os conceitos de espaço e lugar através de arquiteturas vazias e volumes naturais.Marcada pela destreza no reordenamento da lógica entre imensidão e intimidade, a prática de Fernanda desenvolve algo de uma transformação do vazio em território poético. Ao ensaiar a impregnação de experiências subjetivas sobre paisagens naturais ou espaços arquitetônicos, o conjunto se desdobra em torno de metáforas da condição humana que se alastram por uma espécie de reverberação da quietude.Por meio das sobreposições das camadas da encáustica, a artista sugere um deslocamento atmosférico; espaços que outrora eram parte do sistema carcerário podem se transformar em lugares por meio de mudanças de contexto e função. O que era historicamente denso e pesado, como penitenciárias ou ilhas prisionais, parece se fazer suspenso do mundo, o que garante ao trabalho um caráter paralelamente etéreo e terreno, intangível e mundano, limitante e libertador.

A mostra coletiva apresenta os trabalhos de artistas de diferentes gerações e regiões do Brasil e se debruça sobre o sentido de vestígio que os aproxima."[...] O vestígio não diz respeito a substituição, como um negativo e seu positivo, como uma escultura e sua moldagem; o vestígio é, antes, um carimbo que deixa sua presença como marca na espessura do tempo, sujeito, portanto, ao desgaste, ao desbotamento, à erosão." escreve Renato Menezes, curador da Pinacoteca de São Paulo, que assina o ensaio crítico da exposição.Os procedimentos de acúmulo, recorte, registro ou modelagem, colocam em comparação desde "De Aflicti" (1979), vídeo de Letícia Parente, pioneira na videoarte brasileira, em que imagens fixas de gestos de mãos e pés entrelaçados, contraídos e contorcidos se sucedem noritmo de abrir e fechar o obturador da câmera, até "Sem título"" (2024), de Gabriela Mureb, em que a artista aglomera escapamentos de automóveis descartados em ferros-velho. Além de Parente e Mureb, a coletiva apresenta obras de Aislan Pankararu, Ana Clara Tito, Anna Paes, Arorá, Antônio Poteiro, Cipriano, C.L. Salvaro, Érica Storer, iah'ra, Jacque Faus, Jonas Arrabal, Pedro França e Valentina Tong.

O artista Lucas Simões apresenta, na Biblioteca Mário de Andrade, a exposição You text nothing like you look, onde explora circuitos e impulsos espelhados entre a escultura e a literatura, como numa urgência de materialização formal de um rompante poético. O processo criativo que Simões desenvolveu para esta série, iniciada em 2018, parte de excertos literários que inspiram suas obras escultóricas. Cada peça concluída recebe, então, um segundo título, criando um diálogo cíclico entre texto e objeto.A exposição soma-se às celebrações do centenário do surrealismo pela Biblioteca Mário de Andrade. O jogo linguístico entre escultura e poesia travado por Simões se aproxima do cadavre exquis, jogo de escrita coletiva inventado no ápice do surrealismo francês em 1925. Jogado coletivamente, seu mecanismo fundamental parte de uma escrita automática, acidental, que abandona o controle racional, na tentativa de revelar uma compreensão ampliada da condição subjetiva de cada participante.

A exposição busca levar o público em uma jornada para uma São Paulo mil anos no futuro. A mostra apresenta uma cidade futurística, moldada pelas decisões que tomamos hoje para descobrir como será habitar um espaço urbano equilibrado com o planeta.

A retrospectiva explora a presença dos signos gráficos, da letra e da palavra linguagem na produção artística de Mira Schendel (1919–1988). Reunindo mais de 250 obras, entre pinturas, monotipias, desenhos, cadernos, objetos gráficos e uma instalação, a mostra é dividida em sete núcleos, convidando o público a imergir na presença da palavra na produção artística de Mira e suas interligações. Reconhecida como uma das artistas mais significativas da arte brasileira do século XX, Mira Schendel nasceu em Zurique, na Suíça, com ascendência judaica, tcheca, alemã e italiana.Devido à perseguição antissemita, fugiu para o Brasil em 1949, onde viveu e produziu grande parte de sua obra, dialogando com a Poesia Concreta, o Neoconcretismo e as experimentações artísticas das décadas de 1960 e 1970.

O Instituto Tomie Ohtake apresenta a primeira retrospectiva de fôlego sobre a produçãoartística de Carlito Carvalhosa (1961–2021). Com cerca de 150 obras que datam de 1984 a 2021, a mostra perpassa quase quarenta anos de carreira, reunindo muitos exemplos da constante experimentação do artista com diferentes materialidades, navegando entre oslimites da pintura, escultura e instalação.Com curadoria conjunta de Ana Roman, Lúcia Stumpf, Luis Pérez-Oramas e Paulo Miyada, a exposição é dividida em sete núcleos, ocupando três salas do Instituto. Sem seguir umaordem cronológica, a mostra é permeada por rebatimentos entre permanências e tensões.

A Pinacoteca apresenta uma exposição de arte têxtil desenvolvida em colaboração com a Maison Gacha, sediada em Paris, França, e com a Fondation Jean-Félicien Gacha, sediada em Bangoulap, Cameroun. Dividida em sete núcleos, a mostra apresenta 129 peças têxteis que buscam estimular novas percepções sobre a África no público brasileiro, a partir de um olhar múltiplo e diverso para um continente povoado de saberes, tradições e contribuições artísticas.Com curadoria de Renato Menezes e do curador convidado Danilo Lovisi, a exposição nasce a partir de uma pesquisa sobre tecnologias têxteis ancestrais e transmissão de saberes tradicionais de África. Os curadores visitaram diferentes regiões do Cameroun, para dialogar com lideranças e autoridades locais, instituições e artesãos, processo que foi fundamental para o desenvolvimento da mostra. Os objetos apresentados, em sua maioria provenientes do acervo da instituição franco- camaronesa, são produzidos com materiais diversos e funções múltiplas, e nos permitem conhecer ritos e cosmogonias de diversos povos da África. Entre eles, máscaras, túnicas, adornos, tecidos bordados eMáscara-elefante. Oeste do Cameroun, povo Bamiléké. Acervo Maison Gacha e Fondation Jean-Félicien Gacha Tecidos ndop. Oeste do Cameroun, povo Bamiléké. Acervo Maison Gacha e Fondation Jean-Félicien Gachatingidos, além de estatuetas, ajudam a contar uma história que percorre o caminho entre a cabeça e a terra, isto é, entre as inteligências e liberdades criativas individuais, exercidas por cada artesão, e a terra, lugar associado à manutenção das tradições e dos elos com as identidades coletivas.

A Pina Contemporânea apresenta um projeto experimental desenvolvido em colaboração com a Serpentine Galleries, de Londres, na Galeria Praça do edifício Pina Contemporânea. Concebido a partir de uma perspectiva decolonial, de teorias queer e de estratégias descentralizadas em tecnologia, Gabriel Massan constrói Terceiro Mundo, um jogo de videogame ambientado em um universo fantástico, que a partir de um storytelling colaborativo desafia o conceito colonial de “exploração” e convoca o público a repensar suas ações no mundo. Gabriel Massan (1996) é um artista nascido no Rio de Janeiro que combina a contação de histórias com a criação de esculturas e ecossistemas, pensando o ambiente digital como linguagem artística. Terceiro Mundo – termo que se refere a classificação imposta às nações emergentes – é um jogo dividido em dois grandes níveis, com diferentes ambientações. Cada nível foi criado em colaboração com artistas e pensadores, que contribuíram na construção de diálogos, textos e narrativas, emprestando inclusive suas vozes aos personagens. Participaram LYZZA, Castiel Vitorino Brasileiro, Novíssimo Edgar e Ventura Profana, estando os três últimos incluídos na programação cultural que acontece no museu neste semestre.

A exposição apresenta um ambiente onde minérios, rochas e cristais convivem em um andar, oferecendo a sensação de estar no ponto de origem da Terra, explorando o conceito de descoberta.

A exposição é a primeira retrospectiva da obra instalativa do artista e conta com curadoria de Luís Pérez-Oramas e Daniel Rangel, além de curadoria adjunta de Lúcia Stumpf. Em sua concepção, a mostra reafirma o protagonismo de Carvalhosa na cena artística contemporânea brasileira das últimas décadas e oferece ao público um panorama abrangente de seu percurso criativo. Uma oportunidade única de revisitar momentos fundamentais da trajetória do homenageado, falecido prematuramente em 2021, aos 59 anos.Esta exposição única permite ao público vivenciar simultaneamente algumas das mais icônicas criações de Carvalhosa, como Faço Tudo Para Não Fazer Nada, Já Estava Assim Quando Cheguei, Linha de Sombra, Imaterialidade e Sala de Espera. Cada uma dessas obras, com suas dimensões monumentais e ousadas experimentações formais, parece reconfigurar o ambiente ao seu redor, ora tensionando, ora promovendo uma espécie de apagamento da arquitetura circundante. O resultado é uma experiência sensorial em que a arte e o mundo se entrelaçam em um constante jogo de aproximação e distanciamento.

Dan Lie ocupa o Octógono da Pinacoteca Luz com uma “instalações-entidades, desenvolvida em diálogo com a escala monumental do espaço central do museu. O trabalho utiliza materiais orgânicos, em exercício de alteridade com espécies visíveis e não visíveis – como matéria em decomposição, plantas, bactérias, fungos e organismos.“Deixar ir” é uma experiência sensorial que incentiva o retorno das pessoas, quando possível, tendo em vista que a cada visita os cheiros e materiais se transformam, e é possível observar ciclos de vida e morte.A instalação é caracterizada por um trabalho que acontece processualmente: enquanto a flora e fungos brotarão e se desenvolverão, outros elementos morrerão e entrarão em decomposição, convidando o público ao exercício de convívio com esses seres e seus ciclos.

A exposição reinaugura a galeria do Centro Cultural Fiesp, após uma reforma de 18 meses. A mostra, que ocupa um espaço de 850 m2, apresenta a diversificada coleção de artes africana e afro-brasileira do Museu de Arqueologia e Etnologia da Universidade de São Paulo (MAE/USP).O acervo começou a ser formado no final da década de 1960 (época em que os movimentos de independência das ex-colônias em África se consolidavam), por meio de doações ou compras encomendadas pela universidade. Marianno Carneiro da Cunha (1926-1980), então professor do MAE/USP, foi um dos principais nomes à frente do projeto institucional e científico da construção da coleção.Arqueólogo especialista em Médio Oriente, ele lecionou entre 1974 e 1976 em Ifé, na Nigéria, lugar sagrado para os iorubá, ficando incumbido de adquirir peças para o MAE. Com olhar antropológico e educativo, Marianno se preocupou em também trazer para o Brasil moldes, mostrando interesse não apenas pelo objeto artístico, mas também pela técnica de diferentes culturas da África central e ocidental.O trio de curadores da mostra, Carla Gibertoni Carneiro, Renato Araújo da Silva e Rosa C. R. Vieira, apontam que essas duas regiões africanas estão conectadas ao Brasil por séculos de circuitos transatlânticos. Eles trouxeram até nosso litoral inúmeros navios de violência, mas também trouxeram outros navios, que nos permitem mergulhar por histórias alternativas e criar novos significados para as centenas de objetos selecionados para a exposição.

Em razão da celebração de 100 anos do manifesto surrealista, a galeria apresenta uma mostra com 80 obras do artista Walter Lewy, com curadoria de Jacob Klintowitz. A expressão ‘surrealismo’ foi criada por Guillaume Apollinaire em 1917, mas o manifesto Surrealista foi lançado oficialmente em Paris em 1924 por André Breton, Yvan Goll, Marcel Alland e Guillaume Apollinaire, e teve Walter Lewy (1905 - 1995) como um de seus grandes representantes no Brasil com seus primeiros esboços surrealistas ainda durante o modernismo, por volta de 1930. Fugido da situação opressora que já desenhava o que seria a Segunda Guerra Mundial, o alemão nascido em Bad Oldesloe, Walter Lewy, chega ao Brasil em 1938 e já encontra terreno fértil acerca do estilo que já influenciava por aqui as obras de Tarsila do Amaral (1886 –1973), Cícero Dias (1907 – 2003) e Ismael Nery (1900 - 1934).

Mostra coletiva que reúne o trabalho de mais de 70 artistas, os quais compõem uma poética do tecer inventiva, questionadora e bela. Com curadoria de Carol Barreto e Hanayrá Negreiros, a exposição propõe questionamentos a partir da moda que existe muito além das vitrines e passarelas. Ancestralidades, contemporaneidades, tecnologias e fazeres contínuos são apresentados como um convite, também, para que se entenda o ateliê não apenas como um lugar de criação, mas como parte da própria criação.

Primeira exposição retrospectiva póstuma do artista Nelson Leirner (1932 - 2020). Com curadoria de Agnaldo Farias, a mostra Nelson Leirner - Parque de Diversões reúne 74 obras - algumas delas, realizadas em seus últimos anos de vida -, incluindo esculturas, pinturas, colagens, fotografias e objetos, oferecendo um panorama abrangente da produção multifacetada do artista ao longo de sua carreira.Nelson Leirner foi um artista provocador, cuja obra buscava desafiar convenções e questionar o sistema da arte e da cultura de massa. Transitando por diversos suportes e linguagens, Leirner trouxe uma abordagem irônica e reflexiva à arte, mesclando elementos do popular e do erudito, e abordando questões políticas e sociais com um senso crítico. Sua obra explora temas como a banalização do consumo, a iconografia religiosa, e a própria sacralização do objeto artístico.Leirner ganhou destaque a partir da década de 1960, sendo uma das figuras centrais no movimento de arte conceitual no Brasil. Sua obra, marcada pela crítica institucional e pela exploração das fronteiras entre arte e vida, permanece relevante e atual, destacando-se pela capacidade de dialogar com diferentes contextos e gerações.

Na instalação, o artista argentino utiliza cerca de 10 kg de barro, proveniente do Rio Paraná, e desenhos e peças de seda branca para criar um mural que retrata, desde o cotidiano até questões sociais como o narcotráfico, de Rosário, sua cidade natal. "A parede funcionará como uma espécie de rio que abriga diferentes histórias", explica Brandazza.

Na instalação Ninho duro, realizada especialmente para o Gabinete da Casa de Cultura do Parque, o artista Rodrigo Sassi apresenta uma estrutura tridimensional que desafia o espaço arquitetônico e agrega uma nova camada de percepção ao explorar o contraste entre peso e leveza e sua edificação.As janelas, tradicionalmente passagens para o exterior ou meramente fontes de luz, tornam-se portais para a interioridade, invertendo a função tradicional de conduzir o olhar para fora. Ninho duro convida o espectador a imergir nesse espaço e a ser habitado por ele, revelando uma "arquitetura do sensível".Inspirada no modernismo brasileiro, a obra de Rodrigo Sassi explora a racionalidade e as formas geométricas, mas vai além ao investigar novas possibilidades de ornamento. Com uma estética que dialoga com a arquitetura e a construção civil, Sassi ressignifica fragmentos e ruínas urbanas, utilizando materiais como concreto, madeira e ferro. Seus trabalhos tridimensionais capturam o caos e a constante transformação das metrópoles.

A exposição coletiva Ainda viva, que ocupa a Galeria do Parque, propõe uma releitura da natureza-morta, gênero histórico da arte que remonta a Grécia Antiga e ao conceito de "vanitas". A expressão, que tem origem bíblica e significa "vaidade de vaidades", é atribuída a imagens que criticam a frivolidade humana, utilizando símbolos que representam a fragilidade da vida e que nos lembram que os bens materiais são insignificantes diante da morte. A mostra gira em torno do uso de frutas in natura na arte contemporânea, "pensando a fruta como símbolo fundamental da natureza humana, permeando diversos aspectos: alimentação, erotismo, vida-morte, entre outros", contam as curadoras Bruna Costa e Paula Borghi.

A exposição apresenta uma seleção com aproximadamente 300 fotografias de Claudia Andujar, Lux Vidal e Maureen Bisilliat, com curadoria das antropólogas Sylvia Caiuby Novaes e Fabiana Bruno. As fotógrafas são mulheres cujas trajetórias foram marcardas pela vivência da Segunda Guerra Mundial, por terem morado em muitos países e dominarem várias línguas. No Brasil se cruzam em trajetórias similares, buscando e revelando o Brasil pouco conhecido até pelos brasileiros.A exposição traz as características peculiares das artista. As fotos de Claudia Andujar trazem afeto, espontaneidade, mas também guardam algo da ordem do não-dito, próprio da intimidade partilhada com os Yanomami. Os trabalhos de Lux Vidal, por sua vez, trazem um modo de olhar que se aproxima, acompanha e descreve as pessoas ao longo do tempo, em atividades cotidianas, rituais, mudanças nas pinturas corporais, uso e confecção de adornos. E os retratos de Maureen Bisilliat surgem de uma dramaticidade do personagem graças ao fundo negro e neutro utilizado pela fotógrafa

A mostra apresenta uma seleção de mais de 160 itens que ajudam a contar a vida e a obra do modernista Oswald de Andrade, um dos principais articuladores da Semana de Arte Moderna de 1922. Recortes de jornais, primeiras edições de seus livros, manuscritos e datiloscritos originais de livros, peças, poemas e artigos, fotos de família e pessoais, vídeos com depoimentos de estudiosos de seu trabalho, filhos e biógrafos compõem o acervo em exibição. Oswald de Andrade deixou vasto legado construído em trajetória que passa pela poesia, romance, dramaturgia, jornalismo, filosofia e militância. A sua obra marcou a literatura, a música, o teatro e as artes visuais no Brasil. A sua herança cultural e política pode ser conhecida por completo na exposição, que também marca os 70 anos de sua morte.

Ao promover a exposição “Onde há fumaça: arte e emergência climática”, o Museu do Ipiranga questiona a ideia de progresso ainda predominante, que gera a situação atual deemergência climática. A curadoria do Micrópolis, grupo formado pelos arquitetos e pesquisadores Felipe Carnevalli, Marcela Rosenburg e Vítor Lagoeiro, coloca o acervo histórico ao lado de obrascontemporâneas para dar visibilidade ao processo de degradação ambiental e social ao longo do desenvolvimento urbano do Brasil.É a primeira vez desde a reabertura que uma mostra no Museu do Ipiranga tem uma curadoria inteiramente externa. Esse é mais um passo da instituição para acolher a participação da sociedade e contar narrativas de grupos não-hegemônicos. Pinturas e fotografias de mestres, como Benedito Calixto e Henrique Manzo, dialogam com trabalhos dos artistas Alice Lara, André Vargas, Bruno Novelli, davi de jesus do nascimento, Anderson Kary Bayá, Jaime Lauriano, Luana Vitra, Mabe Bethônico, Roberta Carvalho, (Se)cura humana, Uýra Sodoma e Xadalu Tupã Jekupé. A justaposição permite analisar como a colonização do território e a construção da nação estão pautadas na ideia de civilização versus barbárie, da cultura possível versus natureza impossível.

A exposição Paisagens Temporais: Perspectivas em Evolução estabelece um diálogo entre gerações de artistas, cujo trabalho representa a transformação constante da natureza e as incertezas que definem nosso ambiente ecológico atual. Por meio das instalações de Marlene Almeida e uma seleção de obras do acervo da coleção Almeida & Dale, incluindo Tomie Ohtake, Farnese de Andrade, Eleonore Koch, Djanira, Ione Saldanha, Leonilson, Joseca Yanomami e Vivian Caccuri, revela-se uma continuidade delicada, mas significativa, entre diferentes territórios, tempos e práticas artísticas. O tecido visual não só documenta as mutações ambientais, como também, por intermédio das propostas artísticas, nos convida a repensar as ecologias que surgem como resposta à crise global, tanto em suas dimensões materiais quanto simbólicas.

A mostra exibe obras da artista sul-coreana Jung Eun Hye. A exposição conta com 70 obras, incluindo caricaturas de animais e pessoas.Ao explorar o “visível e além do visível”, Jung Eun Hye interpreta relacionamentos por meio de uma energia que emana de seu interior, criando o que ela chama de “linhas relacionais”. Seu trabalho reflete um amor profundo pelas linhas, objetos únicos e abstratos, afastando-se da arte tradicional e assumindo uma abordagem única com caricaturas sinceras e criativas.“Eun Hye” significa “Graça” em português e inspirou o nome da exposição, que faz referência à presença da artista Jung Eun Hye e suas obras no mundo inteiro.Nascida em 1990, Jung Eun Hye tem Síndrome de Down e é uma caricaturista sul-coreana. A artista é conhecida por seu papel como Lee Young-hui no K-drama “Amor e Outros Dramas” da Netflix. Desde o verão de 2016, Jung cria caricaturas no Munhori River Market em Gyeonggi-do, na Coreia do Sul. Entre 2019 e 2020, ela foi artista residente na Fundação de Artes e Cultura de Seul, onde começou a se dedicar seriamente à pintura.

O que é o corpo em relação ao objeto? Qual sua reação ao estar em um território fora dos padrões estabelecidos? Ao interagir com uma matéria diferente e considerada incomum, de que forma o corpo redefine os espaços de ação com determinado objeto? É a partir destes questionamentos que nasce a primeira individual de Nazareth Pacheco na Galeria Lume: "Então, faça!". Nazareth Pacheco transforma sua obra em um registro de sua vivência e convida o visitante a questionar o sentido das formas denominadas como “padrões”, destinadas a usosparametrizados que visam o “ser humano comum”. Comum, segundo quem? Mudando peso e material de objetos cotidianos, a artista provoca uma abrupta reconfiguração na habitual manipulação dos mesmos e, assim, transforma sua relação para com o corpo que os observa. "Então, faça!", instrução que dá nome à exposição, relembra um dos contatos de Pacheco com a artista Louise Bourgeois, referência fundamental em sua produção, especialmente narelação com os materiais, nos métodos de criação e na forma de abordar temas autobiográficos por meio da linguagem visual.

A partir das vivências na Residência Artística Setor Público, que prevê a imersão de artistas visuais em órgãos públicos no Rio de Janeiro, Anna Costa e Silva apresenta a mostra"Ventário", a ser inaugurada dia 07 de novembro, na Galeria Lume. Com curadoria de Ana Carolina Ralston, a exposição ocupa a sala expositiva II com um filme e instalação no qualAnna convida servidores públicos a criar personagens fantásticos e figurinos que materializassem seus desejos, angústias e sensações.O projeto se iniciou com um exercício de escuta, em que a artista se encontrava com os participantes para ouvir suas histórias, pensamentos, dores e alegrias e, então, juntosdesenvolviam cores, texturas, imagens e palavras inventadas para cada sentimento dosfuncionários do órgão governamental carioca, surgindo daí o título da mostra: Ventário: um neologismo, algo da ordem das coisas que ventam.Num jogo de autoficção, a artista convida o stylist José Camarano para produzir os figurinos destes recém-criados personagens, trazendo para as imagens descritas formas, cortes, pesos e movimentos. Após a concretização das ideias, os participantes puderam vestir as peles que haviam criado e habitar o espaço burocrático e monótono do escritório damaneira que achavam melhor, desenvolvendo uma série de gestos que brincavam com as coreografias do dia a dia de trabalho, introduzindo elementos curiosos e extra-cotidianos,que levam o filme para uma atmosfera surrealista.

A DAN Galeria abre a exposição “Pã sem Flauta”, com 26 obras inéditas da produção mais recente do artista Antonio Hélio Cabral, que dá continuidade ao seu trabalho ininterrupto com a pintura, iniciado na década de 1970. A mostra marca a nova parceria com a galeria, que passa a representar o artista. Criadas, em sua maioria entre 2022 e 2024, as obras selecionadas abrem um leque de possibilidades em diferentes direções, sem abandonar a ironia, recurso já conhecido no trabalho do artista, seja nos títulos ou nos grafismos e desenhos

O MuBE - Museu Brasileiro da Escultura e Ecologia inaugura no dia 26 de outubro a exposição “Mupotyra: arqueologia amazônica”, com curadoria de Naine Terena, Carla Gibertoni, Eduardo Neves, Ricardo Cardim e Guilherme Wisnik, e parceria com o MAE USP.Partindo de estudos que indicam que a ação de povos indígenas ancestrais teria sido determinante para a formação da Floresta Amazônica, a mostra reúne arqueologia, arte e meio ambiente para discutir a ocupação da região e os impactos da exploração excessiva dos recursos naturais em prol do desenvolvimento. Mupotyra significa florescer em Nheengatu, língua geral amazônica. Ao revisitar o passado, a exibição propõe um chamado de consciência para imaginarmos novos futuros, de forma sustentável.

A exposição reúne cerca de 500 itens, incluindo fotografias, filmes, documentos e equipamentos, e reflete a trajetória inclusiva e colaborativa do artista, no ano de seu centenário de nascimento. Dividida em eixos, a exposição explora as facetas de sua atuação como fotógrafo e cineasta, destacando as séries documentais Brasil verdade e A condição brasileira, além de filmes como Todomundo e Subterrâneos do futebol, que revelam sua visão acolhedora e curiosa sobre o país que adotou como lar. A mostra busca recriar o espírito coletivo e generoso de Farkas, presente tanto na sua produção artística quanto em seu papel como incentivador cultural e empresário, com a criação da Galeria Fotoptica.

No centenário de nascimento de Paulo Vanzolini (1924 – 2013), compositor brasileiro responsável por clássicos como "Ronda" e "Volta Por Cima", o Sesc São Paulo apresenta uma imersão na vida do artista, revelando não apenas sua faceta musical, mas também a trajetória do zoólogo de renome internacional. Idealizada pelos filhos do cientista, o diretor de arte e cineasta Toni Vanzolini e a psicóloga Maria Eugênia Vanzolini, a mostra conta com curadoria de Daniela Thomas, cenógrafa, cineasta e diretora teatral.Sem perder de vista o lado boêmio e artístico do homenageado, a exposição revisita as expedições científicas e as contribuições para a ciência empreendidas como herpetólogo, especializado no estudo de répteis e anfíbios. O Sesc Ipiranga como espaço para a exposição possui um simbolismo especial: a proximidade com o Museu de Zoologia da Universidade de São Paulo (MZUSP), onde Paulo Vanzolini trabalhou por cinco décadas – três destas, como diretor.Em parceria com o Museu de Zoologia da USP, a exposição exibe ao público 51 exemplares conservados de espécies animais identificadas e catalogadas por Vanzolini. Esses espécimes, emprestados pelo Museu ao Sesc, estão em destaque em uma sala que recria um laboratório de zoologia.Cinco salas temáticas revelam a trajetória multifacetada de Vanzolini, abrangendo mais de meio século de pesquisa. A exposição destaca suas célebres expedições amazônicas e as conexões entre arte e ciência que ele promoveu. Documentos, fotografias e vídeos oferecem um vislumbre dos bastidores das descobertas marcantes do , apelido carinhosamente atribuído por Antonio Cândido, sociólogo e crítico literário, no encarte do disco Acerto de Contas de Paulo Vanzolini (2002)

C. L. Salvaro apresenta Lapso, uma exposição que explora a interação sensível com o espaço e seus estímulos externos. Suas obras, que incorporam o vocabulário da ruína urbana, são um convite a refletir sobre a impermanência, instabilidade e resíduo na vida contemporânea.