TEATRO

"Paranoia" é um espetáculo multimídia, quase solo do autor e diretor de teatro Marcelo Drummond, que interpreta os poemas do livro de Roberto Piva.Nele, o poeta é um andarilho pelo centro da metrópole, flagrando uma São Paulo libidinosa e trazendo à tona o subterrâneo homoerótico da cidade que não para.Com a estrutura de um show, o espetáculo tem música executada ao vivo, luzes e projeções de imagens.Drummond é acompanhado na declamação dos poemas pela trilha sonora de Zé Pi e Chicão ao piano, a interferência da ação caligráfica de Sonia Ushiyama e as imagens criadas por Cecília Lucchesi e Igor Marotti com referências a Wesley Duke Lee e Cinema Marginal.

O musical retrata a vida e a luta incansável de um dos maiores líderes dos direitos civis da história: o pastor Martin Luther King Jr. Por meio de música envolvente, coreografias emocionantes e atuações inspiradoras, o espetáculo traz à vida a coragem e a determinação do Dr. King, reafirmando a importância da igualdade e da justiça em nossa sociedade. Uma homenagem apaixonante a um líder visionário e seu legado duradouro.

Três amigos preparam uma festa de aniversário surpresa para um quarto amigo que está sempre atrasado e que sofre por excesso de trabalho. Enquanto organizam, lamentam a situação e compartilham experiências profissionais com um motoboy, revelando contradições, medos e angústias, sem enxergar a exaustiva jornada de trabalho daquele que lhes faz as entregas para a comemoração. Com uma dose de bom humor, o espetáculo discute as questões da produtividade desenfreada e as mazelas da Síndrome de Burnout em corpos pretos, bases do capitalismo em suas históricas formas de exploração.

O projeto é uma junção e adaptação das comédias teatrais “A Separação de Dois Esposos”, de Qorpo Santo (1866), e “Adão, Eva e outros membros da família”, de Alvaro Moreyra com o Teatro de Brinquedo (RJ, 1928).O hiper-realismo do dramaturgo gaúcho Qorpo Santo (1829-1883) é precursor absoluto do surrealismo dos anos 1920, vanguarda evocada também no clima onírico que o dramaturgo Alvaro Moreyra imprimiu à sua peça de 1928, realizada em seu Teatro de Brinquedo, no Rio de Janeiro.Os personagens centrais de Qorpo Santo são dois casais às voltas com adultérios mútuos e a primeira dupla gay explícita no teatro americano, sob os cognomes Tatu e Tamanduá. Os de Moreyra são dois malandros a dormir numa praça central da capital fluminense e a projetar negócios escusos, bem como uma socialite e atriz em busca de cocaína.A fusão das obras justifica-se pela opção de ambos autores de inverter padrões comportamentais normativos e propor, em seu lugar, percepções críticas delirantes.Atuam na peça Marcos de Andrade, Juliana Grave, Marcelo Villas Boas, Thaís Velasques, Michel Pereira e Leonardo Ventura, que também dirige o espetáculo.

A peça “Silêncio Foi Tudo o Que Restou” aborda a complexidade das emoções humanas no pós-relacionamento, criando um mosaico de emoções e pensamentos. A encenação revela como as relações humanas e o fim de relacionamentos pode ser o começo de um novo entendimento sobre si mesmo e sobre o amor. Com uma cenografia minimalista e uma trilha sonora melancólica, a peça transporta o público para o universo interno dos personagens, convidando todos a refletirem sobre seus próprios processos de cura e redescoberta.

Um dia específico na vida de uma família negra. Irmã e irmão acordam em uma manhã fria de primavera e brigam um com o outro antes que ela saia para o trabalho e ele vá para a escola. A Mãe, depois de queimar o mingau, passa a assistir TV, enquanto o marido acorda. Essa rotina é interrompida quando a irmã recebe um telefonema e descobre que tudo foi destruído por um ato de violência aleatório.

Sucesso de público, Miá Mello volta em cartaz com espetáculo Mãe Fora da Caixa no Teatro Multiplan MorumbiShoppingA peça, inspirada no best-seller homônimo de Thaís Vilarinho, tem direção de Joana Lebreiro e texto de Cláudia Gomes (roteirista da Rede Globo e criadora do blog Humor de Mãe) e trata com leveza sobre os dilemas que envolvem a maternidade real.

Tem coisas que duram minutos, mas são intensas o bastante para que se escrevam volumes sobre elas. Ela conta uma história assim. Já contou a mesma história muitas vezes e sempre do começo. É que a audiência, por algum motivo, nunca se lembra. Comunicar-se pode exigir medidas extremas.

“Velha D+” é um monólogo com a atriz Fera Carvalho Leite. A partir do texto original de Bob Bahlis e de inspirações em Clarissa Pinkola Estés (Ciranda das Mulheres Sábias), Naomi Wolf (O Mito da Beleza), Anne Kaupf (Como Envelhecer), Miriam Goldenberg (A Invenção de Uma Bela Velhice) e Madonna, a peça trata de questões relacionadas ao preconceito de idade, a vida profissional x maternidade e tantas outras pressões que as mulheres sofrem ao amadurecer numa sociedade machista e etarista. Ella, que está com mais de 40 anos, num casamento que sobreviveu à pandemia e vive o luto pela perda da avó vítima da COVID-19, vai até a casa na floresta onde foi criada pela da avó e reflete sobre a perigosa distância que existe entre o que sente com a passagem do tempo e o que está de fato preparada em relação à isso. Uma história de uma família de mulheres e um retorno ao refúgio da herança familiar a leva ao encontro com sua alma ancestral e seu espírito jovem e selvagem na busca de sua identidade e de uma bênção para ser quem ela é. Um ritual, uma cura, um movimento para dentro de si para então seguir adiante melhor, mais livre, mais feliz.

Uma menina narra a história da sua família a partir de memórias fantásticas: uma avó que diminui de tamanho, um pai invisível, uma mãe que recolhe garrafas com mensagens do mar, um irmão sempre trancado no quarto, amigas imaginárias, fantasmas e um escafandrista. Enquanto isso, um documentário sobre um submarino russo naufragado passa sem parar na televisão.

Um questionamento filosófico sobre o conceito de memória a partir de uma ferida aberta nacional, a ditadura civil-militar brasileira, é o que propõe o solo Memorial do Futuro Recente, com direção de Nelson Baskerville e atuação de Thiago Brianti.O texto tem como principal inspiração, de acordo com o dramaturgo Diones Camargo, uma matéria sobre crianças sequestradas pela ditadura militar que foram obrigadas a presenciar seus pais sendo violentamente torturados pelos agentes da repressão. Tais horrores vivenciados em cativeiro causariam nelas traumas psicológicos severos, levando algumas até mesmo ao suicídio, anos depois. “Esses relatos de horror e desumanidade que atestam a perversidade do Estado e de todos os envolvidos com a ditadura no Brasil se tornou a faísca para que eu imaginasse a trajetória fictícia desse menino desde seu nascimento - período este que coincidiria com a instauração do regime de exceção no país com o Golpe de 1964 até seu término em 1985, com a redemocratização”, explica o autor.A peça fala justamente dessa existência marcada por abandono, perda, luto e pelos horrores de uma Ditadura Militar que perseguia, torturava e apagava qualquer traço de humanidade daqueles que insistiam em confrontá-la. Um trajeto doloroso e obscuro, iluminado apenas pelos lampejos de uma voz inconformada que, apesar de tudo, ainda insiste em se lembrar.

Verme é uma criação dramatúrgica de Luiz Campos, um dos fundadores da Cia. Los Puercos, que leva ao palco um relato documental de autoficção, baseado em suas experiências durante os sete anos em que fez carreira militar. O enredo expõe as agressões, os traumas e as injustiças que presenciou e sofreu, contrastando essas vivências com a pureza e a inocência de sua infância. .O enredo desta autoficção se constrói como retalhos de memórias do autor que são alinhavados pelo jogo teatral. As abordagens irregulares, a conivência ativa e passiva com práticas questionáveis, a autopunição imposta pela corporação e a obediência inconteste são fatos que Luiz Campos traz não apenas como forma de denúncia, mas ainda como artifício de libertação.

Dois narradores, um experiente capitão e um jovem marinheiro, embarcam em um navio baleeiro rumo a um refúgio idílico onde ninguém esteve antes. Durante a viagem, ambos entram em contato com o poder de destruição do ser humano, cujo destino parece sempre o impelir a sacrificar, tragicamente, a vida prodigiosa.

Em um futuro distante – mas, talvez, nem tanto -, Legatus é o chefe da província de Lusitânia e membro do comando de defesa cibernética do Estado. Os interesses da elite dominante da população, aqueles mesmos representados por ele, parecem ameaçados diante de um problema tão perturbador quanto um barril de pólvora. Os “agregatus”, a parcela excluída do povo, os pobres, os imigrantes e toda e qualquer minoria, ganharam uma voz crescente na luta por novos espaços e exigem o reconhecimento de suas reivindicações.

Com texto e direção de Miguel Falabella e produção de Jô Santana, o espetáculo é uma jornada pelas raízes africanas do sambista Martinho da Vila, destacando a influência da Folia de Reis e outras manifestações culturais afro-brasileiras.A dramaturgia, escrita por Helena Theodoro, é baseada em sua pesquisa sobre a África e na biografia “Martinho da Vila: Reflexos no Espelho”. A peça celebra a ancestralidade e a rica cultura negra, reunindo 20 talentosos atores-cantores-bailarinos e 8 músicos, incluindo netos de Martinho, Dandara e Guido Ventapane.Dividido em dois atos, o espetáculo apresenta a vida de Martinho, desde sua trajetória familiar até sua paixão pelo samba, e conta com participações especiais de grandes nomes do gênero, como Leci Brandão e Mart’nália.Martinho resgata lendas e mitos afro-brasileiros em uma trilha sonora marcante. O espetáculo movimenta mais de 300 empregos diretos e indiretos e é uma celebração à rica história do samba.

Na noite em que sua filha ANNA é levada pela Gestapo para interrogatório, FREUD recebe um inusitado visitante. Enquanto do lado de fora, os nazistas marcham e cantam hinos em louvor da morte, o pai da psicanálise e o desconhecido travam um instigante diálogo sobre a vida. Sonho ou ficção?A dramaturgia do autor belga de origem francesa Éric-Emmanuel Schmitt coloca em cena uma disputa entre Divindade e Ateísmo. Brian Penido Ross é o responsável por dar vida ao pai da psicanálise em cena.

Claudia Raia e Jarbas Homem de Mello se apresentam em São Paulo com a segunda temporada de Conserto para Dois. “Conserto para Dois, O Musical” conta a história de amor, encontros e desencontros entre o famoso escritor Ângelo Rinaldo (Jarbas) e a atriz internacional Luna de Palma (Claudia). Separados, os dois embarcam em um cruzeiro para esquecerem a desilusão amorosa. Eles só não contavam embarcar no mesmo navio, Sinfonia dos Mares, rumo à Antártida. É nesse cenário que se desenrola toda a história, criada por Anna Toledo a convite de Claudia e Jarbas.

Prestando homenagem a Obaluaê, a apresentação conta com artistas pretos em um elenco formado por atrizes, atores, bailarinos, dançarinos, cantores, músicos, percussionistas, capoeiras, sambistas, técnicos, produtores e promotores da cultura e das tradições de matriz africana.Em cerca de 90 minutos a peça se baseia nos confrontos da luz e a sombra, do amor e da dor. Inspirado em um dos Itans de Obaluaê, senhor da doença e da cura, ela se propõe a realizar “uma celebração à vida num rito-espetáculo que une diversas linguagens, sempre com um olhar espacial para a capacidade humana de adaptar-se à mudança, num eterno aprendizado que provém das coisas mais simples”, comenta o diretor Márcio Telles. Ele também destaca que, assim como Obaluaê, que desenvolveu poder da transmutação e a magia da cura, o ser humano deve estar aberto a novos elementos e desafios de sua jornada em busca espontânea pelo desenvolvimento espiritual.

Ele vai onde ninguém vai! Ele anima festa de criança! Animo Festas é o show do palhaço Klaus que nos narra seu submundo decadente como um animador de festas infantis. Ao som de rock, música francesa e canções infantis dos anos 1980, Animo Festas, desnuda a máscara do palhaço com humor ácido e sarcasmo, colocando no centro do picadeiro uma pessoa que está à margem da sociedade, em seu embate pessoal entre a fidelidade à arte que se propõe e a necessidade financeira de se ajustar ao mercado.

Um jogo cênico, onde um grupo de atrizes interpretam os personagens icônicos da obra de Clarice Lispector, provocados por um grupo de narradores masculinos. Nesta arena, o grupo experimenta as sensações de forma ampla, provocando no espectador a curiosidade de quem seria o melhor intérprete de cada um dos personagens. Livremente adaptado por Dan Rosseto, através da ótica de Macabéa, uma moça nordestina que decide viver na capital de uma grande metrópole sem saber o que os destino lhe reserva até a sua derradeira morte. Ao terceiro sinal, as atrizes ocupam seus lugares sem saber o que acontecerá na sala de ensaio. Durante o experimento elas começam a receber falas soltas das personagens e através de seus repertórios físicos e emocionais, passam a existir em cada uma das figuras propostas. Aos poucos, a provocação teatral vai ganhando forma diante do público resultando em cenas poéticas, divertidas e emocionantes.

O palhaço Klaus e seus parceiros de estrada, a irmã Gorete e o Medusa se reencontram para apresentar um show irreverente com humor sarcástico, mágicas ilícitas e música quase autoral. Um espetáculo para quase toda família.

Ao alugar um dos quartos de sua casa para uma estranha, a vida das irmãs Helena e Lúcia começa a mudar. Uma misteriosa janela que não pode ser aberta guarda segredos acerca de uma irmã ausente, soterrada nos escombros da memória. O mar, sempre próximo, impondo a sua presença aquática através do seu barulho parece encurralar e ameaçar Helena. Quais segredos devem permanecer pra sempre afogados no silêncio? Sofia, a hóspede inesperada, não conhece limites em sua busca apaixonada por respostas. Ainda assim, sabe que algo a ameaça: sejam as águas internas: os segredos não revelados, a violência de Helena; sejam as águas externas: a fúria do mar e a chuva que alaga sonhos e esperanças. Já Lúcia, ao presenciar os embates entre a irmã mais velha e a forasteira, precisa decidir que rumos dará ao enigma do seu desejo.

O espetáculo é inspirado e construído a partir de poemas de Geni Guimarães e da prosa de Marcelino Freire. O espetáculo bebe na sabedoria de transformar o cotidiano em poesia. O solo da atriz Olivia Araujo, com direção de Renato Farias, traz uma personagem/poeta que constrói seu universo através de memórias, saudades e histórias familiares delicadas e saborosas. O tempo, o vento, os sons, os cheiros, as dores e os amores, para ela tudo é matéria prima para um poema. A simplicidade é a base da construção da intimidade com a palavra poética, sem rebuscamentos que, por muito tempo, elitizaram a relação das pessoas com a poesia.

Exercício das Crianças é uma espécie de manifesto onde as atrizes Fernanda Viacava e Nicole Cordery propõem ao público uma antiga dinâmica que entrou em desuso: a peça entra em cartaz apenas com a ajuda da plateia.Na peça, as atrizes propõem um jogo teatral em que o público vai se envolvendo aos poucos em uma história familiar. Na obra, duas irmãs se reencontram após um longo período de afastamento. Marta, a irmã mais velha, permaneceu na casa para cuidar do pai doente, enquanto Carla decidiu viver sua vida longe da família.

A emblemática trajetória da escritora russa Helena Petrovna Blavátskaya (1831-1891), cofundadora da Sociedade Teosófica, inspirou a criação do solo Madame – Blavatsky – Amores Ocultos, estrelado pela atriz Mel Lisboa.A dramaturgia brinca com os limites da ficção, investigando convenções da representação teatral e simulando, através do texto, uma incorporação mediúnica. Trata-se de uma não-peça, já que propõe ao espectador uma espécie de experiência mística. Em cena, o espírito de Helena Blavatsky exige retornar ao teatro, utilizando-se do corpo de uma atriz, para colocar a sua controversa trajetória em pratos limpos. Como toda história tem várias versões, Helena é interrompida por outros espíritos, que também querem dividir com o público as suas impressões.A ideia é apresentar ao público essa figura complexa, dinâmica e independente, que foi responsável pela sistematização da moderna Teosofia (que, de maneira reducionista e simples, pode ser definida como o conjunto de doutrinas filosóficas, esotéricas e ocultistas que buscam o conhecimento direto dos mistérios da vida, da natureza e da divindade).

Por trás das Flores é um espetáculo de Samir Yazbek, com direção de Marcelo Lazzaratto, e no elenco Helena Ranaldi e Martha Meola.A peça aborda, por meio de uma linguagem poética que ultrapassa o realismo, a relação entre uma Filha (Helena Ranaldi) e uma Mãe (Martha Meola).Localizada no Norte do Líbano, mas também na imaginação da Filha, a ação da peça acompanha a tentativa de a Mãe convencer a Filha a voltar para o Brasil e viver entre os seus. Contrapondo tradição e modernidade, a história enfatiza as diferenças entre a cultura libanesa e a brasileira, além de revelar o abismo que separa o mundo de hoje daquele de meados do século XX, quando a Mãe migrou para o Brasil. O diálogo faz aflorar as subjetividades dessas duas mulheres tão próximas e tão distintas, numa relação que ressalta aspectos psicológicos, sociais e míticos.

Inspirada no famoso jogo de tabuleiro "Detetive", o espetáculo funciona como um jogo de investigação ao vivo, no qual o público é convidado a participar ativamente na solução de um mistério. A cada sessão, as cenas são totalmente improvisadas, baseadas em cartas sorteadas no início da apresentação, que definem o assassino, a vítima, a arma do crime e o local onde o assassinato ocorreu. O espetáculo é ideal para toda a família, trazendo nostalgia aos pais que jogaram "Detetive" quando eram crianças, ao mesmo tempo em que oferece às novas gerações a chance de viver a mesma diversão.Os atores, como peças de um tabuleiro, encenam diferentes possibilidades, e o público atua como detetive, ajudando a desvendar o enigma. Com a orientação da investigadora Miranda, os espectadores são desafiados a acertar as quatro cartas sorteadas, acompanhando as pistas fornecidas durante a narrativa criada em cena.

Inédita no Brasil, a peça Um Simples Judeu - escrita pelo suíço Charles Lewinsky com tradução assinada por Sylvia Lohn - ganha montagem em São Paulo, com direção de Carlos Baldim, interpretação de Ricardo Ripa e direção de arte de Rosa Berger.O solo conta a história do jornalista Emanuel Goldfarb, que recebe o singelo convite de um professor para compareça pessoalmente a uma aula e explique aos seus alunos o que é ser judeu. Emanuel passa então a refletir sobre atender ou não a esse chamado. Com legítimo "humor judaico", ele irá revisitar sua ancestralidade e acessar lembranças que há muito tempo estavam adormecidas. Suas memórias e reflexões passam pela origem familiar, pela diáspora do povo judeu desde a antiguidade até os dias atuais, pelas tradições e por sua própria hereditariedade, temas que são abordados por ele alternando emoção, razão e humor.A montagem, idealizada pelo próprio ator, tem o propósito de estimular o diálogo com diversos setores da sociedade ao apresentar, sem estereótipos, uma cultura que é parte da diversidade cultural brasileira. Trata-se de um espetáculo singular, que não se restringe à colônia judaica. As apresentações de Um Simples Judeu foram acompanhadas por plateias entusiasmadas e diversas em todos os países onde foi encenada, como México e Alemanha (onde também foi adaptado para o cinema). Em recente montagem, na Argentina, permaneceu mais de cinco anos em cartaz.

Na peça "A Preta do Leite", livremente inspirada em quatro itãs (relatos míticos da cultura ioruba), Edna Aguiar convida Preta do Leite, personagem do imaginário da nossa cultura popular, para contar histórias da mitologia ioruba preservadas através da oralidade.

O ator, autor, diretor e produtor Dionisio Neto (Carandiru, Travessia, A dona do Pedaço, Morde e Assopra, O rei da TV) apresentará o solo teatral inédito Ela, com Jeyne Stakflett. Em seu décimo oitavo texto para teatro, ele se inspirou no imaginário do artista multimídia francês Jean Coteau para contar a história da artista lésbica Ela, e seu relacionamento tóxico com sua namorada imaginária, Marie.

Marília Gabriela entra em cena para uma última entrevista, e dessa vez é ela a entrevistada, e por uma pessoa que lhe é muito familiar: seu filho caçula, Theodoro Cochrane. A comédia dramática A Última Entrevista de Marília Gabriela se passa durante um programa de entrevistas ao vivo no teatro, onde ficção e realidade se misturam e o que era para ser apenas uma entrevista vira um jogo perigoso que revela os arquétipos da relação entre mãe e filho. Durante o espetáculo, feminismo, conflitos geracionais, etarismo e a fronteira entre o público e o privado são alguns dos temas abordados que norteiam o texto, entretendo e emocionando o público. Sem a quarta parede, o espectador é convidado a participar ativamente da montagem, respondendo até ao famoso bate-bola, marca registrada de Marília Gabriela.

A história de Peter Pan é um clássico da literatura infantil, escrito por J.M. Barrie, que narra as aventuras de um menino que se recusa a crescer. Peter Pan vive na mágica Terra do Nunca, um lugar onde a imaginação não tem limites e as crianças nunca envelhecem. Junto com a fada Sininho, ele lidera os Meninos Perdidos e enfrenta o temível Capitão Gancho. A trama se desenrola quando Peter Pan leva os irmãos Darling, Wendy, João e Miguel, para a Terra do Nunca, onde vivem juntos experiências inesquecíveis, descobrem o valor da amizade e do amor, e aprendem importantes lições sobre coragem e lealdade.Estrelado por Mateus Ribeiro, o artista, conhecido por sua versatilidade, promete encantar, mais uma vez, os espectadores com sua performance brilhante, reconhecida em prêmios como Reverência e Destaque Imprensa Digital. Além disso, o veterano Saulo Vasconcelos, considerado um dos maiores nomes do teatro musical brasileiro, também retorna ao papel do temido Capitão Gancho, repetindo sua marcante atuação na segunda temporada paulistana, apresentada em 2022.

A comédia musical Memórias Póstumas de Brás Cubas, interpretada por Marcos Damigo, volta ao cartaz em São Paulo em circulação por seis teatros municipais.Adaptado pela diretora Regina Galdino, o texto destaca a trajetória do anti-herói Brás Cubas, símbolo do homem burguês, sem escrúpulos e sem ética, que nos revela a continuidade de um comportamento oportunista que persiste no Brasil, desde o século XIX.Brás Cubas, o "defunto autor", se assume como tendo sido um aristocrata medíocre em vida, mas mesmo assim consegue, através do riso e da sedução, conquistar a empatia do público. Ele pertence a uma elite aventureira, dividida entre o desejo liberal e a prática escravocrata. A montagem traz uma visão moderna do romance baseada na carnavalização, salientando seu aspecto cômico-fantástico. A encenação realiza uma “conversa” entre quatro artes: o teatro, a literatura, a dança e a música.

Escrita e dirigida pela atriz e diretora Vanja Ca Michel, a montagem chama a atenção do público por abordar temas atuais e as últimas tendências do universo dos adolescentes, mostrando as dores e as delícias da transição da infância para a vida adulta. A montagem aborda assuntos como ansiedade, depressão e transtornos alimentares, além da relação com as redes sociais, o cyberbullying e a nomofobia (medo irracional de ficar longe do celular), parentalidade, entre outros.
O espetáculo conta com um elenco formado por 11 integrantes que se revezam entre os personagens e a peça está no ar desde 2002, tendo sido apresentada em 49 cidades e mais de duas mil sessões.

“A OBRA” é um espetáculo de variedades circenses que tem como pano de fundo um canteiro de obras. Nele, três artistas circenses transformam situações cotidianas de uma construção civil em números de acrobacia de solo, acrobacias aéreas, equilíbrios, mímica, música, mágica e palhaçaria. Objetos como andaimes, carreteis, sacos de areia, serrote, carrinho de mão e escada são utilizados de forma inusitada por esses artistas em cenas de comédia, romantismo e destreza.Tendo esse cenário como influência, nasceram personagens simples, operários, trabalhadores. Pessoas comuns, que mesmo ao ter que encarar o trabalho pesado de uma construção civil conseguem encontrar alegria em vivências cotidianas. A comicidade transparece nas trapalhadas e confusões dos artistas, e os números de destreza determinam a relação entre os personagens, que oscila entre a parceira, o amor e o desentendimento.

Em Para Acabar De Vez Com O Julgamento De Artaud , o ator carioca Samir Murad mergulha fundo nos pensamentos de Antonin Artaud (1896-1948), uma das personalidades mais instigantes do teatro mundial, e faz uma série de reflexões sobre o homem contemporâneo. O solo chega à capital paulista após 23 anos de sua estreia no Rio de Janeiro.O título do espetáculo é inspirado no poema radiofônico de Artaud, na época censurado, Para Acabar de Vez com o Julgamento de Deus, e que segundo Samir Murad, justifica-se também em função de dar ao público a oportunidade de fazer um “julgamento” a respeito do que seria a real “loucura” de Artaud. A encenação, que se autointitula processual, é uma proposta cênica que busca um constante aperfeiçoamento das formas e conteúdos apresentados, estando assim em consonância com o projeto teatral artaudiano e que também se propõe a provocar uma transformação criativa e curativa no espectador.

Cão Vadio é uma obra que parte de uma pesquisa sobre o realismo fantástico presente na literatura latino-americana e a linguagem de cabaré. A peça intercala números e cenas, entre personagens que se encontram na borda do mundo, um lugar para onde alguns fogem, alguns se escondem, alguns foram levados à força ou carregados pelo vento do deserto. É nesse lugar onde conhecemos as histórias contadas pelos habitantes do território a que chamamos Cão Vadio.

Sucesso de bilheteria visto por mais de 380 mil espectadores, o espetáculo “Elis, A Musical”, volta aos palcos de São Paulo.Com novidades no elenco, figurino e cenografia, o musical promete emocionar, mais uma vez, os espectadores, recriando os momentos mais marcantes da carreira e trajetória pessoal da cantora gaúcha e apresentando mais de 50 obras musicais que se tornaram grandes sucessos na voz da artista.O espetáculo conta com texto de Nelson Motta e Patrícia Andrade e Dennis Carvalho na direção. Dentre as premiações que consagraram o espetáculo, “Elis, A Musical” recebeu os prêmios de Melhor Espetáculo (Prêmio Reverência), Melhor Direção Musical (Prêmio Cesgranrio), Melhor Produção (Prêmio APTR), Melhor Coreografia e Cenografia (Prêmio Bibi Ferreira) e Melhor Figurino (Prêmio Cenym).

Desde a sua estreia em Londres, em 2022, ‘Prima Facie’ seguiu uma trajetória meteórica. Escrito por Suzie Miller, o texto ganhou dezenas de montagens ao redor do mundo, conquistou a Broadway e o West End inglês, virou objeto de disputa entre produtores e inspirou debates e esforços para mudar algumas leis britânicas. Em cena, Débora vive a bem-sucedida advogada Tessa, que tem acusados de violência sexual entre seus clientes. Vinda de uma família pobre, ela batalhou e venceu no complexo mundo da advocacia. Ao mesmo tempo em que experimenta o sucesso, ela precisa encarar uma crise que a obriga a rever uma série de valores e princípios, além de refletir sobre o sistema judicial, a condição feminina e as relações conturbadas entre diversas esferas de poder.

Na comédia do Grupo Rádio Ilusão, um elenco de atores da maturidade e alguns mais jovens se encontram no Café Vila Real, uma adega portuguesa com certeza que vai revelar muitas surpresas e emoções. Misturando todos os ingredientes de relações afetivas, o resultado vem servido com aromas caprichados, gostos e desgostos, encontros e desencontros, música e alegria. “Vamos falar sobre o picante, o doce, o amargo, as coisas que deixamos passar do ponto, o bolo solado, tudo misturado para fazer uma comédia falando de relacionamentos no envelhecer”, conta o diretor Jorge Julião.

A peça AO VIVO – Dentro da cabeça de alguém é uma criação com dramaturgia original e direção de Marcio Abreu, inspirada em A Gaivota, texto seminal do autor russo Anton Tchekhov, e dá sequência a uma das linhas de pesquisa da companhia brasileira de teatro, que reflete os tempos atuais a partir de diálogos inventivos com os clássicos.A peça se passa dentro da cabeça de uma artista. Da Renata, da Nina, da Bianca, da Bárbara, do Bolzan, do Rafael, de todas que criaram esse trabalho. Como se pudéssemos perceber outras consciências, outras subjetividades, coisas que são, e de repente já não são mais. Coisas que se revelam, e desaparecem, algo que vejo e de repente, já não está mais ou já não é. Quais questões levantadas pelo texto de Tchekhov atravessam o tempo e chegam até nós, hoje? E de que modo? E que formas são possíveis, hoje? Há formas novas, futuros possíveis? Quais direitos estão garantidos para uma mulher numa sociedade ainda machista, etarista e conservadora? Como jovens artistas buscam sua própria voz hoje? Qual o valor da arte, para quem se produz, com quem? Que espaços ocupar e construir? Como renovar, como artistas, os sentidos da vida, da liberdade e do amor, com e para o público, numa experiência viva, no agora?Tudo isso habita a memória e o imaginário de uma atriz, que nos anos 70 participou de uma célebre montagem de A Gaivota, no Rio de Janeiro, e está a caminho do ensaio e lembra que, naquele momento, num dia em dirigia um carro indo para o ensaio, teve uma sensação inédita, como se o topo da sua cabeça se abrisse e ela tivesse uma súbita consciência do todo: tudo ficou nítido, ela mesma, as outras pessoas, seu lugar no mundo, as coisas, sua conexão com o universo, o tempo passado e o tempo futuro. Nesse outro estado de consciência ela revê personagens de sua vida e de sua arte, atravessando o tempo e ressignificando suas existências, ao vivo, hoje.

Adriana Birolli sobe ao palco para dar voz a uma personagem prestes a completar 36 anos e que não quer ir à comemoração do seu aniversário, mesmo quase pronta para sair, passa a refletir sobre a possibilidade de não comparecer. O celular não para de receber mensagens e a pressão não para de aumentar enquanto somos convidados a entrar na intimidade dessa personagem e sua comédia privada. Com texto e direção de Diogo Camargos, a trama reflete com humor sobre a jornada de uma mulher que vive em uma busca da liberdade de dizer não.

O espetáculo é a biografia musical por trás do ícone. Uma jornada musical com os maiores sucessos do Rei do Rock.

Beto Marden, acompanhado por um trio de músicos, apresenta uma nova roupagem às músicas, registros e declarações de Renato Russo, um artista que partiu há quase trinta anos deixando um legado artístico repleto de questionamentos e provocações mais atuais e necessários que nunca. Temas como diversidade sexual, preconceito racial e desigualdade social estão presentes na obra de Renato, cheia de poesia e autenticidade. SERÁ - UM GRITO MUSICAL é uma envolvente experiência musical e teatral, que mergulha nos pensamentos e sentimentos de um artista.

Inspirado na obra de Lewis Caroll, o espetáculo traz a história de Alice, uma garota que se encontra em uma clínica psiquiátrica e deve, em meio a personagens imprevisíveis, provar que não está louca, levantando a discussão sobre “o que é (a)normal?”As personagens apresentam uma animalização onde cada uma traz de forma grotesca, no corpo, uma espécie de comentário sobre o limite entre o humano e o lado selvagem que há em cada um de nós.À partir das sensações transmitidas, a trama provoca uma autoanálise, levantando questionamentos inesperados e de certo modo, perturbadores.Com dramaturgia, iluminação e trilha sonora originais, esse coletivo de artistas te convida para embarcar nessa viagem instigante.Inspirado na obra de Lewis Caroll, o espetáculo traz a história de Alice, uma garota que se encontra em uma clínica psiquiátrica e deve, em meio a personagens imprevisíveis, provar que não está louca, levantando a discussão sobre “o que é (a)normal?”.

Após 27 anos de pesquisa com temas relacionados ao sujeito anônimo e referências na literatura e nas artes visuais, a E² Cia de Teatro e Dança apresenta seu novo trabalho cênico: Ruído Vermelho, que reúne 12 intérpretes paulistanos, vindos de vários locais da cidade, trazendo em seus corpos diferentes técnicas e pensamentos de dança. Ao contrário do que foi feito em pesquisas anteriores, Ruído Vermelho não tem como referência uma obra específica, mas partiu de provocações que resultaram num jogo cênico em que os intérpretes colaboram para uma construção poética que é também uma pergunta para esses nossos tempos ocos: Como dançar agora em cima dos escombros?

Escola de Mulheres - Uma Sátira ao Patriarcado, do Grupo Lunar de Teatro, é uma livre adaptação do original de Molière, que alterna a narrativa do texto para as vozes femininas, devolvendo à protagonista a escrita de seu próprio destino. Inês, assim como no texto original, é uma jovem inocente destinada a casar-se com Arnolfo, um velho burguês que a escolheu quando ela ainda era uma criança e a educou para ser uma esposa submissa e dependente. Entretanto, nessa versão da história, quando a jovem chega na idade de se casar, um sonho a desperta para um caminho diferente daquele arquitetadopor seu suposto benfeitor.

A peça Veraneio inicia nova temporada no Teatro FAAP. A obra reforça a colaboração entre Leonardo Cortez e Pedro Granato, iniciada em 2018 com o premiado Pousada Refúgio. O elenco conta com Clarisse Abujamra, que se uniu ao time de Pousada Refúgio formado por Glaucia Libertini, Maurício de Barros, Sílvio Restiffe, Tatiana Thomé e Leonardo Cortez.A peça acompanha Dona Laura e seus três filhos, marcados pelo ressentimento, que se reúnem para celebrar o aniversário da matriarca, interpretada por Clarisse Abujamra. O cenário é uma casa à beira-mar, recentemente adquirida por Hercília, uma das filhas e ex-apresentadora de TV em declínio, serve como palco para o desconforto gerado pela presença da mãe. Hercília, junto de seus irmãos, Silvio e Mario Sérgio, espera ansiosamente a chegada do novo namorado de Dona Laura, um enérgico professor de ginástica. O encontro e as surpresas que ele traz acabam abalando a já frágil dinâmica familiar.

Um espetáculo cênico-musical que passa a limpo toda a trajetória dos Beatles. Os primeiros sucessos como Twist and Shout, She Loves You e I Wanna Hold Your Hand, passando pela fase psicodélica até atingir o êxtase na fase final de Hey Jude e Let it Be.

“A OBRA” é um espetáculo de variedades circenses que tem como pano de fundo um canteiro de obras. Nele, três artistas circenses transformam situações cotidianas de uma construção civil em números de acrobacia de solo, acrobacias aéreas, equilíbrios, mímica, música, mágica e palhaçaria. Objetos como andaimes, carreteis, sacos de areia, serrote, carrinho de mão e escada são utilizados de forma inusitada por esses artistas em cenas de comédia, romantismo e destreza.Tendo esse cenário como influência, nasceram personagens simples, operários, trabalhadores. Pessoas comuns, que mesmo ao ter que encarar o trabalho pesado de uma construção civil conseguem encontrar alegria em vivências cotidianas. A comicidade transparece nas trapalhadas e confusões dos artistas, e os números de destreza determinam a relação entre os personagens, que oscila entre a parceira, o amor e o desentendimento.

O espetáculo é um thriller cômico, que mescla tensão, cores de Almodóvar e o punch das riot grrrls dos anos 90. A trama é marcada pelo encontro inusitado de três mulheres desconhecidas que unidas pela raiva, pela solidão e pelo desamparo, acabam se unindo. Úrsula, uma viúva excêntrica, confunde Aisha, uma mulher que acabou de ser abusada em um bar, com sua enteada desaparecida e as duas constroem uma relação fingindo ser quem elas não são. Quando a gata de Úrsula some, elas iniciam uma busca que termina no apartamento de Bete, uma senhora que parece esconder algum segredo.

Alegria é a Prova dos Nove é uma “devoração oswaldiana”, uma conversa poética entre Oswald de Andrade, suas paixões femininas cruciais na formação de sua personalidade, seus amigos companheiros na atuação artística e seus personagens ficcionais, buscando “comer” seu espírito de juventude, seu ímpeto de festa, ideias, transgressões, descaminhos e utopias.A partir de um “diário de bordo”, esta viagem-vida bebe em materialidades como memórias, cartas, reportagens, peças, livros, fotos, caricaturas, pinturas e desenhos, nos revelando um Oswald pouco conhecido pelo grande público. A peça tem como um dos disparadores criativos o livro O Perfeito Cozinheiro das Almas deste Mundo, diário coletivo da “garçonière” do jovem Oswald de Andrade, na Rua Libero Badaró – um “balão de ensaio” de procedimentos de escrita do modernismo.

O espetáculo O Admirável Sertão de Zé Ramalho é uma homenagem a um grande brasileiro que levou para o mundo a força artística do Nordeste, com qualidade e potência criativa.Idealizado pelo produtor Eduardo Barata, o musical se divide em 5 módulos: “Brejo da Cruz”, que apresenta as origens do artista; “Campina Grande”, cidade que marca o interesse de Zé pela música; “João Pessoa” retrata o momento lisérgico da vida do músico, quando começa a compor; “Rio de Janeiro” apresenta a batalha por um lugar ao sol, passando por situações de vulnerabilidade; e “Popstar” que mostra o sucesso e a consagração de clássicos como “Admirável Gado Novo”, “Garoto de Aluguel” e “Chão de Giz“.

Tendo como fio condutor o ritual de oferenda à cabeça, o Ori, BORI é um Espetáculo-Rito que faz uma (re)volta atlântica até aterrissar em São Paulo, no Bixiga, da década de 70 até os dias de hoje e tem como matéria prima um elenco de tragédias coloniais contadas e cantadas no fio do roteiro, superadas em cena pela imaginação coral dos cantos de trabalho, da partilha da comida, pela festa e pela tecnologia nascida do Terreyro Eletrôniko do Teat(r)o Oficina: a comunhão da alegria como arma de desmassacre!Este Espetáculo-Rito coloca em cena a contribuição de artistas e das culturas pretas na criação da linguagem coral, plástica, poética e arquitetônica da companhia mais antiga em atividade no Brasil. O espetáculo-Rito expressa parte da biografia do Teat(r)o Oficina, sobretudo a encruzilhada que acontece no final dos anos 70, quando a companhia regressa do exílio, em que filmou o “25”, de dentro da revolução e independência de Moçambique, e se atravessa por artistas emigrados do Bixiga, vindos do sertão de Pernambuco, Bahia, Ceará; cirandeiros, caboclos em retomada, Iyalorixás, povos do circo, e compositores do samba paulista, que vão radicalizar a decolonialidade da linguagem teatral do Oficina e do teatro paulista de forma geral.

A consagrada atriz Alma Duran (Maria Padilha), desempregada há três anos, vai morar com a filha médica Isadora (Olivia Torres) e o genro, o delegado Otto (Erom Cordeiro), em um elegante condomínio carioca, em Botafogo. Enquanto divide seu tempo entre aulas de teatro para a jovem Lalá (Iohanna Carvalho) e o sonho de montar "O Jardim das Cerejeiras", Alma se depara, em um encontro inesperado, com alguém que afirma ser Anton Tchekhov (Leonardo Medeiros).O espetáculo é uma mistura explosiva de gêneros e culturas, que brinca com os contrastes entre realidade e ficção, comédia e drama, passado e presente, Brasil e Rússia. “Tem uma distância com o tempo que às vezes parece anacrônica e ao mesmo tempo não. Tem essa distância da Rússia e do Brasil, que são países muito diferentes, mas quem já foi à Rússia, diz que o temperamento russo tem a ver com o nosso, com a nossa passionalidade, também são dois países continentais, então a peça tem esse jogo de aproximação e distanciamento que é muito interessante, muito teatral”, afirma o dramaturgo Pedro Brício.A peça nos transporta para um universo onde o real e o imaginário se entrelaçam. Ao acompanhar os personagens em suas jornadas, o público vivencia uma experiência teatral rica e emocionante, marcada pela comédia, pelo drama e pela poesia.

o teatro do Sesc Consolação recebe a estreia de Vestido de Noiva, de Nelson Rodrigues, em montagem inédita idealizada e dirigida por Helena Ignez, com Lucélia Santos, Djin Sganzerla e Simone Spoladore a frente de elenco composto por Jiddu Pinheiro, Clarisse Abujamra, Luciano Chirolli, Tuna Dwek, Michele Matalon, Luciana Fróes e Luiza Barros. A direção traz a peça de Nelson para os dias de hoje e é no personagem de Madame Clessy, vítima de feminicídio, que quer dar o recado, do ponto de vista social. A provocação para a nova montagem de Vestido de Noiva surgiu ano passado, quando Lucélia Santos – que atuava como atriz no filme “Mulher Oceano” (2020), dirigido por Djin Sganzerla –, sugeriu à Djin que sua mãe, Helena Ignez, encenasse a peça com ela, Lucélia, fazendo Madame Clessi.Nesta nova montagem de Vestido de Noiva, o objetivo é revisitar a obra desse autor polêmico, destacando sua genialidade teatral. Alaíde e Lúcia, as duas irmãs rivais, são movidas por intensos impulsos de libertação trágica, em que todas as escolhas acabam sendo punidas. A peça, dividida em três atos, desenvolve-se em três planos: alucinação, realidade e memória. Foi encenada pela primeira vez há 80 anos, sob a direção de Ziembinski, marcando o início de uma nova dramaturgia brasileira em pleno auge da psicanálise freudiana, que influenciou profundamente o autor.

Dez anos depois da estreia do sucesso Rita Lee Mora ao Lado, a atriz Mel Lisboa volta a interpretar a roqueira-mor em um musical inédito, desta vez inspirado na autobiografia da cantora. Com direção de Márcio Macena e Débora Dubois, Rita Lee – Uma Autobiografia Musical.Quando Mel Lisboa pisou pela primeira vez em cena como Rita Lee em 2014, ela não poderia prever algumas coisas: primeiro, de que seriam meses de casa cheia num dos maiores teatros de São Paulo. Segundo, que a própria Rita apareceria sem avisar, abençoaria sua performance e ainda voltaria para assistir ao espetáculo. Trabalho, aliás, que rendeu a Mel prêmios como melhor atriz e a colocou de vez entre os maiores nomes do teatro nacional, com uma frutífera e diversificada carreira. A nova montagem ainda tem direção musical de Marco França e Marcio Guimarães e, junto com Mel, estão no elenco Bruno Fraga, Fabiano Augusto, Carol Portes, Debora Reis, Flavia Strongolli, Yael Pecarovich, Antonio Vanfill, Gustavo Rezê e Roquildes Junior.Diferentemente do projeto anterior, dessa vez, Mel conta a história de Rita com base no livro da cantora, lançado em 2016 e um dos maiores sucessos editoriais do Brasil. O livro narra os altos e baixos da carreira de Rita com uma honestidade escancarada.

Inspirada em sua própria jornada pessoal e na sua dedicação ao teatro, a atriz e dramaturga Jandira Martini (falecida em janeiro de 2024) escreveu sua última dramaturgia para o teatro JANDIRA – em busca do bonde perdido. E é ela quem define: “Um monólogo sobre uma situação imprevista, surpreendente. Uma atriz que se revela, diante de seu público, ao narrar, com humor, sua inesperada e assustadora experiência. Auto ficção? Sem dúvida. Um stand-up? Seria, se fosse cômico. E cômico não chega a ser. Nem trágico. Apenas dramático.”Isabel Teixeira, um dos nomes mais relevantes do teatro brasileiro, com 40 anos de carreira e diversos prêmios é a atriz que dá voz ao texto autobiográfico de Jandira Martini neste tocante solo. Para dirigir o espetáculo, nada mais apropriado do que Marcos Caruso, amigo e dupla constante de Jandira, com quem escreveu inúmeras peças e roteiros de audiovisual. Ambos foram convidados para este projeto pelos produtores Fernando Cardoso e Roberto Monteiro, sócios na Mesa2 Produções. A peça convida o público a um passeio pelas memórias mais marcantes da autora através de um texto direto, enxuto e coloquial, evocando os blocos carnavalescos da cidade de Santos - sua terra natal -, as descobertas da infância, momentos dramáticos e a vida dedicada ao teatro.

Infância de Graciliano Ramos, que foi indicada ao Prêmio Shell de melhor composição musical para Alexandre Rosa, faz nova temporada no Ágora Teatro.A encenação literária, teatral e musical, narra a meninice do autor alagoano por meio de suas memórias. Até a adolescência, a vida de um dos maiores escritores do país foi marcada por agruras junto à família e às escolas. E o seu percurso para transpassar o analfabetismo foi árduo e duro. No entanto, testemunhas nele uma transformação radical que o levou a se aproximar do universo das letras, o qual nunca abandonou.

O mais recente cabaré de palhaços está de volta para a sua edição comemorativa de fim de ano, com apenas o melhor do pior.Uma noite onde o inesperado é garantia e o fracasso, uma possibilidade real. “Pagô Passô - Um Cabaré de Fracassos Espetaculares” é um espetáculo que convida os participantes a abraçarem o risco em sua forma mais pura. Este é um cabaré para todos, mas especialmente para aqueles que estão dispostos a pagar pelo privilégio de falhar espetacularmente. O palco é aberto tanto para aspirantes a palhaços quanto para artistas experientes que queiram testar suas cenas diante de uma plateia, sem a certeza de aplausos.

Deficiente visual, negro, artista e ativista, parte da trajetória de Ray Charles (1930-2004) será contada nos palcos no espetáculo Ray – Você Não Me Conhece, com texto e direção de Rodrigo Portella.O elenco é formado por César Mello, Sidney Santiago, Abrahão Costa, Luiz Otávio, Flavio Bauraqui, Leticia Soares, Luci Salutes, Lu Vieira, Roberta Ribeiro, e pelas crianças Caio Santos e Victor Morais. Com direção musical de Claudia Elizeu e André Muato, a montagem traz uma banda ao vivo, composta por piano, baixo, bateria e sopros, que interpretará os grandes sucessos de Ray Charles. .Baseada no livro homônimo de Ray Charles Júnior, a peça mergulha na vida e obra do músico Ray Charles, explorando não apenas os desafios e conquistas de sua carreira, mas sobretudo a complexa relação entre pai e filho.

A vida e a obra do autor norte-americano Tennessee Williams (1911-1983) inspirou a criação do espetáculo metateatral Tennessee Williams Deve Morrer, que tem sua temporada de estreia no Sesc Pinheiros.A peça acompanha dois irmãos e artistas de teatro, Rose e Tom, que, enquanto se preparam para entrar em cena, recebem a crítica do espetáculo que estão prestes a iniciar. Frente à dureza da análise do crítico, Tom – que além de ator também é dramaturgo – resolve reescrever a peça como uma resposta à exclusão artística e à intolerância às novas ideias de construção teatral. Ele pretende sublinhar a atitude conservadora e homofóbica da crítica de então.E essa “peça dentro da peça” percorre fatos relevantes da vida e aspectos importantes da obra de Williams, que é, sem dúvida, um dos autores mais importantes do Teatro Moderno do século XX.

O musical conta a história da jovem estudante Tracy Turnblad (Vânia Canto), que sonha em se apresentar em um programa musical nos Estados Unidos. A história se passa nos anos 60 e, por ser uma garota gorda, enfrenta desafios para conquistar seu sonho. Para isso, conta com a ajuda de muitos amigos como Corny Collins (Ivan Parente), Link Larkin (Rodrigo Garcia), Motormouth Maybelle (Aline Cunha), Penny Pingleton (Pâmela Rossini) e Seaweed J. Stubbs (Thales Cesar). No caminho ao estrelato, ela precisa superar a rival Amber Von Tussle (Verônica Goeldi) e todas as artimanhas de sua mãe e produtora do programa musical, Velma Von Tussle (Liane Maya). Tracy também contará com o apoio de seus pais Wilbur Turnblad (Lindsay Paulino) e Edna Turnblad (Tiago Abravanel).

O espetáculo Saudade na Miragem, com direção e dramaturgia do japonês Hiroshi Koike, questiona a relação entre religião, espiritualidade, conflito, e a ambivalência da justiça, propondo uma visão do futuro inspirada pelo livro A Guerra do Fim do Mundo, de Mario Vargas Llosa, que se debruça sobre a Guerra de Canudos, ocorrida no sertão da Bahia, entre 1896 e 1897.No elenco, estão atores brasileiros Danilo Dal Farra, Eduardo Okamoto, Fernando Lufer, Jéssica Barbosa, João Guisande, Julio Lorosh, Paulo Sokobauno, Yana Piva e japoneses Jinya Imai e Ichiya Nishikawa. Os artistas foram escolhidos a partir de uma audição, que contou com 384 inscritos.O espetáculo faz parte do projeto Firebird, que faz residência no CPT – Centro de Pesquisa Teatral. Lançada em 2022, a iniciativa busca refletir sobre o futuro do mundo a partir de diferentes culturas, propõe a criação e colaboração entre artistas e músicos de diferentes origens da Ásia, Europa e América do Sul.

Núcleo TUSP da capital apresenta seu mais novo experimento de montagem a partir de As Bacantes de Eurípides, na Sala Experimental em que o processo foi desenvolvido.O deus Dióniso é filho de Zeus e da mortal Sêmele. Quando a deusa Hera, esposa de Zeus, fica sabendo da traição do marido, disfarça-se em forma humana e conquista a confiança de Sêmele, que conta a ela sobre seu amante divino. Hera então a convence de que se ele é mesmo um deus, deveria mostrar-se a Sêmele em sua forma divina. Zeus, que havia prometido jamais negar pedido algum a Sêmele, faz a vontade dela. Entretanto, como os mortais não sobrevivem ao contato direto com a forma original de um deus, Sêmele é fulminada pelo poder de sua manifestação divina. Para proteger Dióniso da fúria de Hera, Zeus o esconde em sua coxa, até que sua gestação se complete e ele possa realmente vir à luz.

Baseada no livro de Itamar Vieira Junior, a peça retrata a história das irmãs Bibiana e Belonísia, e da avó Donana. Através do olhar delas, vamos adentrar um universo repleto de seres encantados, e percorrer o chão de barro do Brasil do interior, de cada um de nós. Um diálogo entre os atabaques da cultura afro-brasileira, a viola sertaneja, e os pífanos do nordeste, promovendo uma gira em cena.

Teatro do Incêndio mergulha no mito para ritualizar a dor em nova montagem.Encenação inspirada no livro De Dionísio para Koré, de Marcelo Marcus Fonseca, faz versão ritual sobre o corpo.Do encontro com a obra Júbilo, Memória, Noviciado da Paixão, de Hilda Hilst, o diretor Marcelo Marcus Fonseca criou 42 poemas sintéticos que contam a trajetória de Koré (Perséfone jovem), seduzida por Dionísio e transformada nele próprio para devolver-lhe a dor. Escrito em três dias, o livro busca o ponto de vista do Deus grego despedaçado e renascido, em diálogo constante com a obra de Hilst.O espetáculo é uma aventura pela dança e pelo ritual, estabelecendo uma relação mística com a plateia em busca da celebração dos mistérios de Elêusis e Delfos. Fruto das reuniões para preparação da celebração dos 30 anos da companhia em 2026, a peça surgiu como um reencontro com a própria formação da companhia, a sua pele, sua introspecção ritual.

O Teatro do Incêndio estreia o espetáculo De Dionísio para Koré. Com direção de Marcelo Marcus Fonseca e coreografias de Francisco Silva, a montagem é baseada no livro homônimo de autoria de Fonseca, que traz o amor descontrolado de um deus por uma mortal, gerando a morte e o renascimento por meio da constante troca de papéis entre os dois amantes. Do encontro com a obra Júbilo, Memória, Noviciado da Paixão, de Hilda Hilst, o diretor Marcelo Marcus Fonseca criou 42 poemas sintéticos que contam a trajetória de Koré (Perséfone jovem), seduzida por Dionísio e transformada nele próprio para devolver-lhe a dor. Escrito em três dias, o livro busca o ponto de vista do Deus grego, despedaçado e renascido, em diálogo constante com a obra de Hilst.O espetáculo é uma aventura pela dança e pelo ritual, estabelecendo uma relação mística com a plateia em busca da celebração dos mistérios de Elêusis e Delfos. Fruto das reuniões para preparação da celebração dos 30 anos da companhia em 2026, a peça surgiu como um reencontro com a própria formação da companhia, a sua pele, sua introspecção ritual.

Em cartaz há 20 anos, Marcelo Médici apresenta mais uma temporada do solo "Cada um com os seus pobreza". No enredo, o personagem central é um ator de teatro que ao desistir de fazer sua apresentação começa a contar suas próprias experiências. Surgem então os demais personagens, comentando e criticando com muito humor várias situações do cotidiano.

Em um hotel na Nova York de 1953 se passa o hipotético encontro entre quatro famosas lendas norte-americanas – a estrela de cinema Marilyn Monroe, Albert Einsten, cientista criador da Teoria da Relatividade (que levou à criação da Bomba H e, consequentemente, à Bomba Atômica), Joe DiMaggio, renomado jogador de beisebol e marido de Marilyn, e o infame senador Joe McCarthy. Encontro que poderia acontecer hoje, trocando os personagens originais por seus pares na atualidade.Este é o enredo da peça Insignificância, texto do dramaturgo e diretor de teatro, cinema e televisão inglês Terry Johnson, lançado em livro em 1983, na qual os atores Cássio Scapin, Amanda Acosta, Marcos Veras e Norival Rizzo assumem os papéis do Professor, da atriz, do jogador de beisebol e do senador. Este encontro singular destaca uma das questões mais discutidas na mídia contemporânea: as consequências da fama, tanto na vida pessoal de renomadas celebridades, em relação às concessões necessárias para alcançá-la ou preservá-la, quanto à sua exploração para objetivos políticos.

Na comédia “Dois de Nós”, dois casais de gerações diferentes, se encontram num quarto de hotel. Segredos e mentiras começam a ser revelados trazendo à tona um divertido turbilhão de sentimentos, com muita emoção e desafios, que mudarão a vida deles para sempre. De forma poética e bem-humorada, são abordados assuntos comuns aos casais, como rotina, filhos, dinheiro, tempo, realização profissional, desejo sexual, frustrações e mágoas, tudo à luz das mudanças velozes de comportamento, características da atualidade.

No solo Dentro do Adversário , o ator Alex Slama traz ao centro do palco reflexões sobre a moralidade e a loucura na sociedade contemporânea a partir da obra O Adversário, do autor francês Emmanuel Carrère. A montagem, com dramaturgia de Leo Lama, e direção geral de Bia Szvat, que assina a encenação ao lado de Herbert Richers Jr, joga luz sobre o narcisismo exacerbado, que pode levar à loucura, ao descontrole ou ao crime.O espetáculo estreia a programação teatral da Casa Slamb, novo espaço cultural do bairro de Pinheiros, inaugurado em abril de 2024. Criado pelos irmãos Artur e Alex Slama, o local oferece práticas integrativas que transitam na união entre arte, cultura, educação e entretenimento, contemplando diversas vertentes dos processos criativos e artísticos.

A comédia teatral TOC TOC, escrito por Laurent Baffie, traduzido e montado mundo afora diversas vezes após estrondoso sucesso na França, retorna aos palcos brasileiros com uma nova montagem, trazendo uma abordagem bem-humorada e sensível sobre o Transtorno Obsessivo Compulsivo (TOC). Branca (Danielle Winits), obcecada por limpeza; Maria (Cláudia Ohana), uma religiosa que vive com a sensação de ter esquecido tudo aberto; Lili (Maria Helena Chira), com seu hábito de repetição; Bob (Miguel Menezzes), fanático por simetria; Vicente (André Gonçalves), que não consegue parar de fazer contas; Fred (Riba Carlovich), que luta contra uma síndrome que o faz dizer palavras obscenas, e a assistente do médico (Carolina Stofella) formam esse grupo peculiar. A demora do médico faz com que a única solução seja iniciar uma terapia em grupo, onde, entre crises, brigas e muitas gargalhadas, o público é convidado a acompanhar as dificuldades e as maneiras inusitadas que cada um encontra para lidar com seu TOC.

Cidade dos Pássaros – Um Musical Brasileiro, livremente inspirado na obra de Rubem Alves, este espetáculo explora a liberdade através dos sonhos e desejos dos jovens de uma geração fragmentada, acelerada pelo ritmo de um mundo virtual. Sob a perspectiva da brasilidade, a peça se desenrola com canções que refletem as transformações do mundo, integrando a ritualidade teatral inspirada pelo célebre Teatro Oficina Uzyna Uzona, fundado pelo mestre José Celso Martinez Corrêa. É uma homenagem musical e teatral pelos 66 anos do icônico Teatro Oficina e pelos 30 anos de trabalho do Grupo Caixa Preta de Teatro, sediado na cidade de Registro, no Vale do Ribeira, interior paulista; uma celebração que valoriza as raízes culturais, presta tributo ao teatro, denuncia as injustiças e exalta a vida vivida com coragem

A história se passa na cidade fictícia de Areado, outrora famosa por sua chuva milagrosa, que caía uma vez por ano, mesmo após a extinção das chuvas no restante do mundo. Contudo, Areado agora enfrenta a mesma seca que devastou o planeta, e a cidade, antes próspera, tornou-se um lugar de desespero e decadência. Nesse cenário, conhecemos Pompeu, um palhaço assombrado por erros do passado, e Iara, uma jovem produtora de rapadura injustamente culpada pela seca.A peça vai além de uma simples história de superação e romance. Trata-se de uma reflexão sobre a seca dos corações, a ausência de amor e a busca pelo autoconhecimento.

Drama que mergulha no universo corporativo, explorando o custo humano por trás das grandes empresas. Um confronto entre jornalista e CEO revela as complexidades da tragédia e o embate entre poder e responsabilidade.O drama apresentado no texto Realpolitik de Daniela Pereira de Carvalho busca entender o custo de uma vida no negócio das grandes corporações. Pela natureza de entreter e provocar uma reflexão o teatro se mostra um lugar de convívio cordial entre os envolvidos, mas ao mesmo tempo visceral como experiência de fruição da arte. O texto reflete o drama da Realpolitik no dia a dia do indivíduo.

Escrita pós Segunda Guerra Mundial, nasce para o mundo mais uma vez, como sempre surgiu, entre guerras, estremecendo nossas inércias e os abismos que nos circundam.Esperando Godot é uma peça de forte simbologia para a Companhia e a última direção de Zé Celso no teatro Oficina.Estragão (Marcelo Drummond) e Vladimir (Alexandre Borges) são dois palhaços vagabundos que se encontram no fim do mundo, na encruzilhada entre a paralisia e a tomada da ação. Enquanto esperam Godot, embora não saibam quem ou o que é, a dupla se encontra com as personagens que passam pela estrada: Pozzo – O Domador (Ricardo Bittencourt), Felizardo – A Fera (Roderick Himeros) e O Mensageiro (Tony Reis), que traz notícias inquietantes que podem determinar a perpetuação da inércia ou a libertação total da paralisia numa reviravolta absurda.Mas afinal, até quando Esperar Godot?

Com idealização de Vanessa da Mata, direção de Jorge Farjalla e texto de Jorge Farjalla e André Magalhães, o musical “Clara Nunes - A Tal Guerreira” volta em cartaz para mais uma temporada a partir do dia 10 de janeiro, no Teatro Renault. Esta é a primeira peça brasileira - e que não é uma produção original da Broadway - a se apresentar nesse espaço considerado pioneiro para o teatro musical nacional.A peça é uma viagem onírica pela trajetória da intérprete que escreveu seu nome na história da música popular brasileira através do samba e de sua busca na religiosidade de um povo ecumênico, miscigenado e plural, universalidade das raças dentro de um corpo-partitura, que cultua os santos, reza um canto e canta um ponto.O palco de um teatro, sua morada, é o ponto de partida na sagração de sua história. Guiada pela amiga e diretora Bibi Ferreira e por seus Orixás, Clara ainda está arraigada no plano físico e precisa entender a transição entre dois mundos, vida após a vida, mistura instigante e curiosa, amálgama de um pensamento terreno.

Após fazer sucesso nas redes sociais falando sobre moda, comportamento e estilo, Thai de Melo fez sua estreia nos palcos com o espetáculo Como é que eu vim parar aqui?. Com direção de Bruno Guida e produção de Dani Angelotti, a montagem retorna aos palcos do Teatro Unimed trazendo as experiências e reflexões da comunicadora de forma cômica e questionadora. Com uma abordagem de autoficção, que busca conduzir o público por uma jornada profunda pela mente da protagonista, no palco são explorados os momentos em que ela se depara com situações inesperadas, questionando-se sobre as escolhas que a levaram até ali.

Inspirada no livro O Colar de Pérolas, publicado em 1846 pelos escritores britânicos Thomas Peckett Prest e James Malcom Rymer, Sweeney Todd – o Cruel Barbeiro da Rua Fleet é uma fábula vitoriana macabra adaptada com maestria por Stephen Sondheim. O espetáculo, que teve temporada esgotada em São Paulo e passou por Curitiba em curtíssima temporada, retoma sessões na capital paulista, agora no palco principal do Teatro Santander. O musical conta a história de Benjamin Barker, barbeiro que se viu obrigado a ir embora de Londres por conta de uma briga com o cruel Juiz Turpin (Rodrigo Mercadante). Após 15 anos afastado da cidade, ele retorna sob o pseudônimo Sweeney Todd (Saulo Vasconcelos) e sedento por vingança. Ao chegar ao lugar onde funcionava sua antiga barbearia, na Rua Fleet, Todd se depara com uma arruinada loja de tortas administrada pela Dona Lovett (Andrezza Massei). A partir daí, Todd e Lovett unem forças para que ele se vingue de Turpin, e ela faça sua loja crescer com tortas recheadas de ingredientes muito suspeitos.As apresentações contam com orquestra ao vivo, composta por 9 músicos e elenco de 18 atores.

Com direção de Ilana Kaplan, o espetáculo estrelado por Aquela Dupla, Livia La Gatto e Renata Maciel traz paródias inéditas e cenas cômicas que abordam temas do cotidiano com leveza e humorConhecidas por suas paródias que conquistaram o público nas redes sociais, Livia e Renata prometem uma experiência única, misturando humor e música ao reinterpretar clássicos da MPB e sucessos internacionais.

A peça começa com uma atriz, Vera, entrando no estúdio para fazer teste para o papel de Dercy Gonçalves em um filme. Conforme vai dando suas falas, ela se revolta contra o roteiro, cheio de estereótipos. Sua mãe era grande fã de Dercy e por isso Vera cresceu conhecendo e sendo influenciada pelo exemplo dessa artista icônica. Ela então, transformando-se em Dercy, começa a mostrar quem realmente foi essa mulher à frente de seu tempo.O premiado monólogo “Nasci pra ser Dercy”, estrelado por Grace Gianoukas e escrito e dirigido por Kiko Rieser, presta uma homenagem a Dercy Gonçalves, uma das maiores atrizes do século XX.Grace Gianoukas foi vencedora dos prêmios SHELL e APCA de melhor atriz (2024), I LOVE PRIO DE HUMOR, melhor performance, e Kiko Rieser vencedor do Prêmio Bibi Ferreira 2023 na categoria Melhor Dramaturgia Original, por “Nasci pra ser Dercy”. O espetáculo ainda foi indicado ao Prêmio CENIM de melhor monólogo, e prêmio Miguel Arcanjo, melhor direção, peça e atriz.

O papel cada vez mais essencial das relações humanas, sobretudo no mundo pós-pandemia, reflete-se em Brilho Eterno, montagem que traz ao palco nos papéis principais os atores Reynaldo Gianecchini e Tainá Müller, com idealização, direção e encenação de Jorge Farjalla.Livremente inspirado no longa “Brilho Eterno de uma Mente sem Lembranças” - roteiro de Charlie Kaufman premiado com o Oscar, dirigido por Michel Gondry e estrelado por Jim Carrey (Joel) e Kate Winslet (Clementine), Brilho Eterno, que traz no elenco ainda Wilson de Santos, Renata Brás, Fábio Ventura e Tom Karabachian, questiona, de maneira lúdica e por muitas vezes cômica, o quanto as pessoas se mostram dispostas a viver situações de sofrimento por amor durante a vida.A encenação consolida o encontro artístico entre Farjalla e Gianecchini, que também co-produz a montagem, ao lado de Marco Griesi (Palco 7 Produções) e Daniella Griesi (Solo Entretenimento) como produtores associados.

A história de Rita é contada com base no livro da cantora, lançado em 2016 e um dos maiores sucessos editoriais do Brasil. O livro narra os altos e baixos da carreira de Rita com uma honestidade escancarada, a ponto de ter sido apontado como “ensinamento à classe artística” pelo jornal O Estado de São Paulo. A ideia do novo musical surgiu quando Mel gravou a versão em audiolivro, como Rita, em 2022.

Escrita por Edward Albee (1928-2016) no início da década de 90, ‘Três Mulheres Altas’ logo se tornou um clássico da dramaturgia contemporânea. Perversamente engraçada – como é a marca do autor –, a peça recebeu o Prêmio Pulitzer e ganhou bem-sucedidas montagens pelo mundo, ao trazer o embate de três mulheres em diferentes fases da vida: juventude, maturidade e velhice.Dirigida por Fernando Philbert, a nova versão da peça traz no elenco Suely Franco, Deborah Evelyn e Nathalia Dill, tem tradução de Gustavo Pinheiro e produção da WB Produções, de Bruna Dornellas e Wesley Telles.Em cena, as atrizes interpretam três mulheres batizadas pelo autor apenas pelas letras A, B e C. A mais velha (Suely Franco), que já passou dos 90, está doente e embaralha memórias e acontecimentos, enquanto repassa a sua vida para a personagem B (Deborah Evelyn), apresentada como uma espécie de cuidadora ou dama de companhia. A mais jovem, C (Nathalia Dill), é uma advogada responsável por administrar os bens e recursos da idosa, que não consegue mais lidar com as questões financeiras e burocráticas.Entre os muitos embates travados pelas três, a grande protagonista do espetáculo é a passagem do tempo e também a forma com que lidamos com o envelhecimento. ‘O texto do Albee nos faz refletir sobre ‘qual é a melhor fase da vida?’, além de questões sobre o olhar da juventude para a velhice, sobre a pessoa de 50 anos que também já acha que sabe tudo e, fundamentalmente, sobre o que nós fazemos com o tempo que nos resta. Apesar dos temas profundos, a peça é uma comédia em que rimos de nós mesmos’, analisa o diretor Fernando Philbert.

Um clássico da comédia dos anos 90, o filme “Uma Babá Quase Perfeita” conquistou gerações de fãs e transformou-se, em 2021, em um musical da Broadway, reafirmando a atemporalidade da obra e o Brasil ganha uma versão do musical, estrelada por Eduardo Sterblitch e dirigida por Tadeu Aguiar. A história de “Uma Babá Quase Perfeita” gira em torno de Daniel Hillard (Eduardo Sterblitch), um ator desempregado que fará qualquer coisa por seus filhos. Após um divórcio conturbado, Daniel encontra uma solução para não ficar longe dos seus filhos, disfarçando-se de Euphegenia Doubtfire, uma senhora idosa perfeita para ser babá das crianças. Enquanto cuida das crianças, ele aprende importantes lições sobre paternidade e responsabilidade.Em seu segundo musical, Eduardo Sterblitch dará vida à famosa Babá. O artista multifacetado estará ao lado de Thais Piza, responsável por dar vida à ex-esposa Miranda, Lara Suleiman no papel da filha mais velha Lydia Hillard, Bernardo Destri como Christopher e Bibi Valverde como a pequena Natalie. O elenco conta ainda com outros 20 talentos dos palcos e poderá sofrer eventuais alterações sem prévio aviso. Vitor Martinez assina a maquiagem de efeito e a perucaria fica por conta de Feliciano San Román. O musical conta com música e letras de Karey e Wayne Kirkpatrick, e texto de Karey Kirkpatrick e John O'Farrell.