TEATRO

Quinze anos depois da primeira versão, a estrela Guilherme Leme Garcia com direção de Vera Holtz retorna ao palco com O Estrangeiro, adaptação do romance de Albert Camus. ,Baseado no livro publicado em 1942, o espetáculo acompanha a trajetória de Meursault, um homem comum que, diante do absurdo da existência, comete um crime quase inconscientemente e encara com indiferença as consequências de seus atos. A nova encenação propõe uma leitura contemporânea para a obra de Camus, que continua a ecoar reflexões sobre liberdade, responsabilidade e o sentido da vida.A montagem celebra também a parceria artística entre Leme Garcia e Holtz, iniciada em 2008 e que circulou por quatro anos pelo Brasil, encerrando sua primeira temporada no Festival de Edimburgo, em 2012.

A comédia "Casa, Comida e Alma Lavada" apresenta ao público a história de Tânia Mara e Luís Alberto. Após 20 anos de casados, resolvem aderir à DR (Discussão da relação), quando vem à tona toda a trajetória do relacionamento, desde os apaixonados tempos de namoro até os dias atuais. De ambas as partes, são revelados os detalhes e os segredos mais íntimos da relação e também dos que nela estão envolvidos.

O VAZIO NA MALA mescla fatos históricos a uma narrativa ficcional para reconstruir a jornada de uma família que, fugindo das perseguições nazistas, deixou a Alemanha rumo à China. Após enfrentar os desafios da ocupação japonesa em Xangai, em 1941, a família migrou para o Brasil, onde recomeçou sua vida. O Vazio na Mala fez sua temporada de estreia no Teatro do Sesi-SP, ganhou os Prêmios Bibi Ferreira, APCA, Cenym, foi indicado ao Prêmio Shell, e agora integra a programação do Teatro Moise Safra, em São Paulo.

Luzia do Nascimento é uma fazedora de sabão: mulher preta, periférica, que leva em seu cesto muito mais do que garrafas de detergente. Sua história de determinação e resiliência é contada em Pai Nosso monólogo de Geise Prazeres com dramaturgia e direção de Vinicius Ávlis. A produção do Coletivo ARAR - Afeto, Resistência e Arte parte de Brasília e chega a São Paulo.

Em um ringue de boxe enfrentam-se duas oponentes: a bem-sucedida Sra. S.A. Corporation e Maria da Luta, a faxineira do ringue. A mediação do embate é realizada pela Narradora e por Dra. Norma, a juíza. Entre músicas, narrativas e palhaçarias, Maria da Luta cria estratégias para garantir sua sobrevivência e vê o ringue transformar-se em diferentes espaços do cotidiano e da imaginação.

Mamão Papai é um solo de autoficção. Num reencontro familiar, uma mulher atravessa memórias eróticas e afetivas, em uma tentativa de reconexão com o pai, depois de anos de silêncio. Entre humor e vertigem, a peça reflete sobre amor, liberdade, sexualidade e os atravessamentos da masculinidade em uma vida feminina.

A montagem, concebida e dirigida por Muriel Vittorea, traz à cena um encontro entre fé, mito e teatro, conduzido pela poética das águas do rio Paraíba do Sul - lugar de nascimento da devoção católica à Nossa Senhora Aparecida. Mais que revisitar uma lenda, o espetáculo busca recriar um território cênico. O Auto de Aparecida traz forte influência da tradição dos autos populares com inspiração em obras de mestres da dramaturgia brasileira, a exemplo do paraibano Ariano Suassuna (1927-2014), pois reverencia o legado de O Auto da Compadecida por meio de um diálogo criativo, traçando um caminho particular.Nas margens de um rio, uma trupe de artistas conta histórias que brotam das águas. O Auto de Aparecida é a celebração de um Brasil que resguarda a força da cultura popular e o mistério das águas que contam e recontam histórias.

O Teatro Sérgio Cardoso será palco de Seis Atores em Busca de Sérgio Cardoso. A homenagem ao ator paraense acontece no espaço em que antes havia o Teatro Bela Vista, local em que o próprio Sérgio Cardoso (1925-1972) fundou sua companhia de teatro com Nydia Licia. O Teatro Bela vista foi demolido na década de 1970 e, em 1980, foi erguido em seu lugar o Teatro Sérgio Cardoso. A peça, que celebra o centenário de Sérgio, é uma criação da RIMA Coletiva. Com direção e dramaturgia de Rita Batata, o elenco é composto por Bárbara Arakaki, Bruno Lourenço, Felipe Ramos, Lilian Regina, Mariana Leme e Rafael Pimenta. A peça propõe uma metáfora provocativa: todos os intérpretes buscam ser Sérgio Cardoso, em um título que tem ressonância com a peça Seis personagens à procura de um autor, de Luigi Pirandello, na qual Sérgio Cardoso teve uma interpretação icônica com o personagem Pai.

O que pode acontecer quando um respeitável pai de família, leva para casa uma amante inusitada? Ou quando, pior ainda, um ladrão aparece na hora errada e prende os dois no banheiro da residência? E se, para completar a confusão, no desenrolar da história descobre-se que a amante é nada menos do que uma parente bastante próxima da mulher traída?

“Da Violência: Fanon” é uma encenação teatro-coreográfica da Taanteatro Companhia, inspirada na obra anticolonial e antirracista do psiquiatra, escritor e ativista martiniquenho Frantz Fanon (1925-1961). Com direção do alemão Wolfgang Pannek e coreografia do moçambicano Mabalane Jorge Ndlozy, o espetáculo aborda formas contemporâneas de violência — racista, cultural, psicológica e de gênero — em diálogo com textos selecionados de Fanon. A poética multimídia da peça, encenada para a pitoresca paisagem urbana do Centro Cultural Vila Itororó, abrange o projeto de iluminação de Gabriele Souza, o grafite de Thiago Consp e as composições musicais de Anderson Kaltner.

Com direção de Patrícia Gifford e direção musical de Fernanda Maia, o Núcleo Toada realiza a temporada de apresentações do espetáculo Carta à Rainha Louca na Ocupação. Adaptado do romance homônimo de Maria Valéria Rezende, vencedor do Prêmio Oceanos 2020, o espetáculo resgata a história de Isabel das Santas Virgens, mulher que, no final do século XVIII, criou uma comunidade para acolher mulheres pobres e sem destino — as chamadas “sobrantes” — e acabou presa sob a acusação falsa de tentar fundar um convento clandestino. Encarcerada, escreve uma carta à Rainha Maria I de Portugal, a “Rainha Louca”, na esperança de ser ouvida e libertada.

A peça da Companhia Sonho Lúcido, em parceria com o coletivo Fagulhas D’Arte aborda temas como sustentabilidade, equilíbrio social e senso coletivo, trazendo o afrofuturismo como elemento central para valorizar o protagonismo negro na cena teatral contemporânea.A narrativa acompanha Isabel, uma jovem que, ao abrir um livro, é transportada para o lendário Reino de Atlântida. Ao lado de Lipe e outros personagens, ela embarca em uma jornada mágica que une mitologia e literatura – marcas registradas da companhia, que aposta em histórias capazes de estimular a imaginação e ampliar horizontes criativos.

Seis pessoas que passaram pelo sistema prisional brasileiro têm suas trajetórias entrelaçadas. Diante das dificuldades de reinserção social e reconstrução da própria vida, cada uma delas, a seu modo, tenta encontrar uma saída. As marcas do período atrás das grades permanecem na memória, no corpo e nos afetos. Exu, o orixá das encruzilhadas e destrancador dos caminhos, aparece como uma presença provocativa ao despertar naqueles sujeitos a fome de novos começos e a avidez por dignidade.

A do espetáculo As Aves da Noite, drama teatral escrito por Hilda Hilst, há 57 anos, se passa em Auschwitz e tem direção de Hugo Coelho. O enredo parte da história real do padre franciscano Maximilian Kolbe que, em um campo de concentração nazista de Auschwitz, apresentou-se voluntariamente para ocupar o lugar de um judeu sorteado para morrer no chamado “porão da fome” em represália à fuga de um prisioneiro. No porão da fome, a autora coloca em conflito os prisioneiros condenados a morrer na cela: o Padre, o Carcereiro, o Poeta, o Estudante e o Joalheiro, que são visitados pelo Oficial da SS, pela Mulher que limpa os fornos e por Hans, o ajudante da SS. A leitura que a autora faz dos aspectos éticos e humanos passam por questionamentos sobre Deus, sobre o mal e sobre a crueldade.

Ex-patinadora incapaz de se desvencilhar de um casamento abusivo, e vivendo uma vida de aparências, recebe a visita inesperada de seu irmão mais velho, um homem doente, que nunca conseguiu se fixar em um endereço, emprego ou relacionamento.Este encontro, pontuado por doçura e hostilidade, sarcasmo e decoro, ressuscita personagens e fatos traumáticos do passado de ambos, como uma infância às sombras de um pai sádico e de uma mãe esquizofrênica.

Um dos maiores fenômenos do teatro brasileiro contemporâneo, o solo “A Descoberta das Américas”, estrelado por Julio Adrião e dirigido por Alessandra Vannucci, comemora duas décadas em cartaz com sua temporada de despedida.Baseado no texto original de Dario Fo (“Johan Padan a la descoverta de le Americhe”), o solo narrativo estreou em 2005. A montagem narra a saga de Johan Padan, um anti-herói rústico e carismático que escapa da Inquisição espanhola e embarca em uma das caravelas de Cristóvão Colombo. No “Novo Mundo”, sobrevive a naufrágios, massacres e escravização até ser reverenciado como líder por povos indígenas, conduzindo-os em uma batalha contra os invasores.

Um dos maiores sucessos da primeira década do século XXI, o solo narrativo “A Descoberta das Américas” completa, em 2025, seu vigésimo ano de itinerância.

Bruna Longo acaba de morrer e procura elaborar o luto de si mesma – a única coisa que não podemos fazer empiricamente – enquanto reflete sobre a relação humana com a finitude, o tabu da morte na vida cotidiana e o processo de eliminação do rito fúnebre nas sociedades capitalistas ocidentais. O espetáculo é inspirado na morte recente do pai da atriz.

Uma câmera encara a atriz contra um fundo branco. Nervosa com a possibilidade de um novo trabalho, ela sorri com um sorriso falso e se apresenta: “meu nome é Laura Paro”. Em seguida, interpreta uma famosa passagem de A Gaivota, de Anton Tchekhov. Ambientada em um estúdio de testes para atrizes, a peça tem dramaturgismo de Ines Bushatsky e João Mostazo, e se vale de um texto bem-humorado para levantar questões sobre a precarização do trabalho no campo das artes cênica: do questionamento sobre o sotaque dito “neutro” à padronização das normas de atuação, passando pelas incertezas e dúvidas sobre a carreira que perpassam a vida da maioria dos profissionais das artes e espetáculos.

A partir do encontro com personagens “pássaros”, eles se lançam na busca de uma cidade ideal, suspensa entre céu e a terra, onde seria possível experimentar novas formas de convivência e liberdade. Inspirado livremente no livro As Aves, de Aristófanes, o enredo acompanha Evel e Pister em sua fuga do excesso de conexões digitais rumo a um território sonhado, onde as aves assumem protagonismo e questionam a vida urbana e suas lógicas de controle. Ao propor a criação de uma cidade nas nuvens, a encenação convoca não apenas crianças e jovens, mas todos os que ainda se permitem imaginar outros mundos possíveis, a refletirem sobre os caminhos da liberdade em meio às redes que cercam o cotidiano.

Comemorando os 115 anos do nascimento da cantora e atriz Carmen Miranda em 2024, a atriz Renata Ricci protagoniza o musical Carmen Miranda – Pra Você Gostar de Mim. O espetáculo tem direção de Celso Correia Lopes, direção musical de Reinaldo Sanches e texto de Guilherme Gonzalez. A peça narra um recorte na vida de Carmen Miranda, quando, já consagrada como uma das principais personalidades brasileiras nos Estados Unidos, retornou para um show no Brasil, no Cassino da Urca. Ao ser recebida pela elite carioca, ligada ao movimento integralista, ultranacionalista, a cantora foi vaiada por ter supostamente "se vendido ao governo americano."Sem saber deste contexto, a artista entrou numa tristeza profunda. É esse diálogo interior travado pela artista consigo mesma que surge no espetáculo, que mostra como teria sido a reação de Carmen no camarim do Cassino da Urca.

Experimentos do Invisível é um espetáculo de Teatro e Mágica que apresenta números impressionantes de leitura de mente, baralhos, dados e probabilidades. Na trama, um homem relembra o primeiro espetáculo de ilusionismo que assistiu, onde um mágico estranho e misterioso fazia números de tirar o fôlego.

O ator-empresário Frazão convida Laudelina Pires, uma jovem atriz amadora, para ser a primeira-dama de sua companhia itinerante. Ao saírem em turnê pelo interior do país, os artistas se deparam com o Brasil dos coronéis, e passam a depender da boa vontade dos poderes locais para o sucesso de sua viagem. Com a alegria e a agilidade de uma comédia sobre rodas, os Mambembes convidam a todos para uma viagem ao mundo do teatro, um mundo em que jogo, trabalho e divertimento podem significar uma coisa só.

Após curta temporada no Cemitério de Automóveis, o espetáculo Não Tem Meu Nome, monólogo escrito, dirigido e interpretado por Adelino Costa criado a partir da leitura do romance O Avesso da Pele, de Jeferson Tenório e Pertencimento: Uma Cultura do Lugar, de bell hooks faz temporada no Teatro Arthur Azevedo. Na peça, ator e personagem se fundem em uma narrativa que propõe reflexões urgentes a respeito das relações sociais e, sobretudo, humanas. Ao longo do processo criativo, o artista resgatou memórias de sua infância e observou os desafios enfrentados pela população local, como barreiras sociais, econômicas e geográficas. Essa imersão resultou em personagens inspirados em amigos de infância e no próprio autor, que exploram como as comunidades subalternizadas se adaptam para se encaixar em uma sociedade predominantemente burguesa e branca. A dramaturgia questiona a suposta universalidade dessa visão de mundo e revela suas camadas de opressão.

Em uma Atenas tomada pela tensão entre tradição e pensamento livre, Sócrates — o filósofo que desafiava certezas e incitava a juventude a questionar — é arrastado ao tribunal. Acusado por 3 cidadãos atenienses de corromper os jovens e de profanar os deuses da cidade, ele enfrenta seu destino com ironia sagaz e lógica implacável. A trama aprofunda-se na prisão. Ali, Críton, seu amigo leal, oferece-lhe a fuga, uma chance de escapar de uma sentença injusta. . No derradeiro amanhecer, Sócrates recebe Xantipa, sua esposa, para um adeus. Depois, cercado por discípulos fiéis, ele conduz seu último diálogo: uma meditação sublime sobre a imortalidade da alma, a coragem perante o desconhecido e a beleza de uma vida vivida sem mentiras. Em vez de suplicar por clemência, defende a vida filosófica como um dever sagrado, transformando sua apologia num manifesto eterno sobre liberdade e integridade. Com texto de Regis de Oliveira, direção de Bruno Perillo e Luiz Amorim como protagonista, O Julgamento de Sócrates é um mergulho na essência humana: o conflito entre convicção e conveniência, o preço da verdade e o legado de quem escolhe morrer de pé para que suas ideias vivam para sempre.

Em um drama perspicaz de Daniela Pereira de Carvalho, mergulha nas profundezas do custo humano nos negócios das grandes corporações. A narrativa se desdobra após o colapso de uma barreira de uma mineradora, que resulta na trágica perda de 150 vidas.Um jornalista especializado em economia confronta o presidente da empresa, lançando luz sobre as complexas dinâmicas da realidade política e econômica.

Nova versão da peça que inaugurou a trajetória da companhia. Três histórias sentimentais se entrelaçam ao som e com a intensidade das músicas para morrer de amor: Isabela sofre porque foi abandonada, Felipe quer muito se apaixonar e Ricardo, seu melhor amigo, está apaixonado por ele.O espetáculo celebra 15 anos de lançamento, e uma nova versão de Música para morrer de amor, espetáculo inaugural do grupo, que desde então se tornou referência entre peças para jovens e ganhou uma adaptação cinematográfica, e que retorna em formato musicado com colaboração de novos parceiros criativos.

Montada em mais de 20 países, O FILHO ganha sua montagem inédita no Brasil.Nicolas é um jovem de 16 anos, apresentando sinais de depressão. Filho de pais separados sente-se perdido, troca a casa da mãe (Maria Ribeiro) pela do pai (Gabriel Braga Nunes). Quem poderá compreendê-lo? Os pais, os médicos? Na peça O FILHO, o dramaturgo francês Florian Zeller mergulha na teia complexa das relações familiares para refletir sobre os mistérios da mente e a dificuldade em encontrar um sentido para a vida.

A peça é baseada no romance homônimo que fascina e atordoa ao mostrar como um amor perdido pode nos tirar do prumo. Aqui, o amor entre dois homens, com um retrato sobre o universo LGBTQAP+ destes tempos. O fim de um relacionamento e a não aceitação deste fato são o ponto de partida do premiado romance de Flavio Cafiero, vencedor do prêmio APCA de Literatura de 2021, que originou o espetáculo adaptado e dirigido por Ester Laccava, protagonizado por Vinicius Aguiar.

Sob a influência do cínico Lorde Henry, Dorian faz um pacto para manter sua juventude e beleza, enquanto seu retrato, pintado pelo dedicado Basílio, envelhece e acumula as marcas de seus atos questionáveis.Esta adaptação objetiva trazer uma nova luz à obra de Wilde, enfatizando as relações homoafetivas e questionando os padrões de beleza que afetam de maneira homens gays, homenageando a ousadia de Wilde, mas também provocando uma reflexão crítica sobre a influência da superficialidade na vida moderna.

Ao longo de mais de 10 anos de pesquisa, o LABTD - Laboratório de Técnica Dramática - buscou entender os motivos pelos quais a ditadura ainda define a sociedade brasileira. Mural da Memória, novo trabalho da companhia, olha para o futuro e busca os efeitos da ditadura nos nossos corpos e nossa percepção de mundo. Em Mural da Memória, a Lei da Anistia é revogada e os desaparecimentos ocorridos durante a ditadura começam a ser julgados. Acusado de sumir com o corpo de três vítimas, um General 4 Estrelas é o primeiro a responder diante do tribunal. Embora a peça seja ficcional, ela foi construída a partir de muitas histórias reais.

Na montagem brasileira, sob a direção e adaptação de Pedro Neschling, o público decide o final da trama. No elenco, estão Carmo Della Vecchia*, Douglas Silva, Fernando Caruso, Hylka Maria, Paulo Mathias Jr e Fafy Siqueira.A história se desenrola em um salão de beleza em Santa Cecília. Uma trama que começa com risos termina em assassinato de uma famosa cantora reclusa. O crime acontece a poucos metros dos clientes e funcionários do salão, todos com motivos ocultos e atitudes suspeitas. O público é convidado a participar da investigação, escolhendo coletivamente quem acredita ser o culpado. O resultado é um desfecho diferente a cada sessão, sempre fruto das decisões da plateia, em uma dinâmica leve e divertida.

O casal, Sofía (Sophia Abrahão) e Pablo (Leandro Luna) estão morando juntos há quatro meses. Mas o que é um paraíso para ela é um inferno para ele. Pablo quer romper o relacionamento, não aguenta mais. Um desejo repentino e urgente que ele não sabe como resolver. Para isso, ele obriga Martin (Beto Schultz), seu melhor amigo, a morar com ele e sua namorada, para que ela, cansada de viver com um intruso, decida terminar o relacionamento. Uma semana, nada mais. É o tempo estipulado entre os amigos para concluírem o grande plano.Todos enfrentarão situações inesperadas e surpreendentes que revelarão facetas completamente ocultas de suas personalidades.

O sucesso off-Broadway Mães, o Musical (Motherhood, the Musical), com texto, letra e música de Sue Fabisch, desembarca no Brasil para temporada especial com versão brasileira de Anna Toledo e direção de Jarbas Homem de Mello. A narrativa se passa durante um chá de bebê, onde amigas compartilham suas experiências e desafios como mães. Dani, grávida do primeiro filho, recebe as amigas Júlia, mãe e advogada workaholic; Márcia, mãe de cinco filhos; e Tina, uma mãe separada que tenta equilibrar trabalho, família e divórcio. A comédia aborda temas universais sobre a maternidade, trazendo reflexões sobre os desafios e as alegrias dessa jornada.

A Companhia Teatro do Incêndio estreia a peça Dois Perdidos Numa Noite Suja, considerada uma das obras primas do autor e dramaturgo paulista Plínio Marcos.A trama mostra a convivência forçada entre dois homens em um quarto de pensão, o que gera uma tensão, levando-os a atitudes e decisões radicais para se livrarem de seus destinos traçados pela condição social.Tonho, que veio do interior e conta com instrução, viu-se perdido na cidade enquanto seu calçado estragou. Paco, semianalfabeto e a um passo da marginalidade, um músico que teve sua flauta roubada em uma bebedeira, ostenta um sapato novo que ganhou, exasperando o companheiro.

Um personagem-narrador, sem nome ou relações pessoais, um homem inadequado que de forma irônica e sarcástica rumina sua amargura e seu ressentimento numa conversa direta com o espectador. Este é o centro de Memórias do Subsolo, escrito por Fiódor Dostoiévsky e publicado pela primeira vez em 1864. Na nova versão, adaptada por Diego Moschkovich e Vladimir Bocharov e dirigida por Johana Albuquerque, o cenário e o tempo vão de São Petesburgo (Rússia) nos fins do século XIX para a cidade de São Paulo em pleno século XXI.

Uma experiência imersiva criada e apresentada por Philip Blue, um dos ilusionistas mais respeitados do país. Mais do que um show de mágica, trata-se de uma vivência sensorial, interativa e profundamente humana, onde o inesperado surge com leveza, humor e emoção.

O Bando Golíardis celebra dez anos de trajetória artística com uma temporada especial do espetáculo “Cansei!”. A peça usa o humor e a sensibilidade para expor o cansaço das mulheres diante das desigualdades que enfrentam todos os dias. Misturando mímica, comédia física e uma estética cartoonesca, a montagem convida o público a uma experiência crítica e de humor ácido sobre os papéis impostos às mulheres e as estruturas de gênero que as aprisionam. Em cena, esse cansaço se transforma em potência coletiva de mudança, abrindo espaço para a denúncia, a invenção e o desejo de transformação.

A Camareira da Amy, uma tragicomédia musical com execução ao vivo dos hits da Amy Whinehouse por banda de estrelas do jazz paulistano faz temporada nos dias 10 e 17 de outubro, 2 e 9 de novembro no Marte Hall em São Paulo. O espetáculo é uma criação da multiartista Clara Clarice que, além de dirigir e assinar o roteiro, encarna a Camareira. O trabalho, se situa nos limites entre o teatro e a música, e também pode ser visto como um tributo à Amy Winehouse.

O espetáculo Projeto Clarice traz para o palco o encontro entre as atrizes Clara Carvalho, Magali Biff, Mariana Muniz e Vera Zimmermann e o diretor Cesar Ribeiro, com o desejo de refletir sobre o feminino a partir de temas que percorrem a obra de Clarice Lispector, como subjetividade, identidade, alteridade, família e afetos. Com adaptação também de Ribeiro, a obra foi construída a partir de cinco contos da escritora – Via Crucis, Menino a Bico de Pena, A Legião Estrangeira, Amor e O Ovo e a Galinha –Cada texto retrata um aspecto diferente da vida de uma mulher e tem como protagonista uma das atrizes: Via Crucis é uma parábola sobre o nascimento de Cristo; Menino a Bico de Pena foca na relação entre mãe e filho a partir da alteridade; A Legião Estrangeira trata da formação da identidade tendo como base a relação entre uma mulher e uma menina; Amor destaca a identidade de uma mulher em meio ao seu núcleo familiar; e O Ovo e a Galinha é uma espécie de metafísica de todas essas situações.

Wicked é o prelúdio da famosa história de Dorothy e do Mágico de Oz, onde conhecemos a história não contada da Bruxa Boa e da Bruxa Má do Oeste. Na trama, Elphaba (Myra Ruiz) é uma jovem do Reino de Oz incompreendida por causa de sua pele verde incomum e por ainda não ter descoberto seu verdadeiro poder. Sua rotina é tranquila e pouco interessante, mas ao iniciar os estudos na Universidade, seu destino encontra Glinda (Fabi Bang), uma jovem popular e ambiciosa, nascida em berço de ouro, que só quer garantir seus privilégios e ainda não conhece sua verdadeira alma. As duas iniciam uma inesperada amizade; no entanto, suas diferenças, como o desejo de Glinda pela popularidade e poder, e a determinação de Elphaba em permanecer fiel a si mesma, entram no caminho, o que pode perpetuar no futuro de cada uma e em como as pessoas de Oz as enxergam.

O Mar não me Obedece é uma peça de teatro físico, dança contemporânea e performance que se constrói entre os limites de força e delicadeza, controle e entrega. Em cena, o risco é real: quedas e movimentos inspirados em artes marciais como aikidô, jiu-jitsu e judô se encontram com momentos de sutileza.Os textos se entrelaçam à fisicalidade e colocam em cena desde bactérias intestinais até a história de um rei que tenta castigar o mar, para revelar a teimosia humana em acreditar em verdades absolutas e buscar domínio sobre o que não pode ser controlado.

QUERIDINHA é uma mulher que vive para amar e se moldar aos relacionamentos em que se envolve. Sem opiniões próprias, ela acaba absorvendo as personalidades dos seres amados como se fossem suas. Quando um relacionamento termina, a protagonista se vê vazia e desorientada, até encontrar um novo amor para admirar e servir.Nesta releitura do conto "A Queridinha", de Anton Tchékhov, a figura da mulher que ama demais é transpassada por camadas autobiográficas e ressignificada a partir de uma perspectiva contemporânea e crítica. O espetáculo coloca no centro da cena uma mulher sexagenária, figura frequentemente silenciada na produção cultural, ampliando vozes e experiências que refletem a diversidade de gênero, idade e afetividade da sociedade brasileira.

A peça Olhos nos Olhos, estrelada por Ana Lúcia Torre, celebra os 80 anos de vida e 60 anos de carreira desta, mesclando histórias de sua trajetória pessoal e profissional com a obra de Chico Buarque de Holanda. Letras de clássicos como Meu Guri, Beatriz, Geni e o Zepelim, Valsinha, Atrás da Porta e Olhos nos Olhos, entre muitas outras, compõem o roteiro.

Sucesso de público nas décadas de 1990 e 2000, com sessões lotadas em diversas cidades brasileiras, a comédia Aluga-se Um Namorado, escrita originalmente pelo inglês James Scherman e adaptada por Gustavo Klein, chega ao Teatro Multiplan MorumbiShopping para uma nova temporada. O espetáculo conta a história de Alex Schneider (Eri Johnson), um ator bem-humorado contratado por Sara (Ju Knust) para interpretar o papel de seu namorado, judeu e médico, diante de sua família, que segue rigorosamente as tradições judaicas. A farsa é armada porque, na verdade, o verdadeiro namorado de Sara não é judeu. A partir daí, desenrola-se uma comédia marcada por mal-entendidos e situações inesperadas. Será que os pais de Sara (Myrian Rios e Raymundo de Souza) e seu irmão Joel (João Lima Junior), um psicanalista atento, vão descobrir a verdade? E o verdadeiro namorado (Marcondes Oliveira), será revelado? Sara acabará se apaixonando pelo ator? O enredo gira em torno dessas perguntas, com doses de humor e reviravoltas.

O ator Fernando Belo, além de atuar também assina a direção da montagem, que apresenta dois monólogos do dramaturgo britânico Simon Stephens em formato double-bill, ou seja, apresentados na mesma noite. A produção marca a primeira montagem brasileira do texto Canção Que Vem de Longe e a estreia de Um Precipício no Mar na capital paulista.Com dramaturgia centrada no tema do luto e suas múltiplas formas de vivência, o espetáculo reúne dois relatos íntimos e complementares. Em Um Precipício no Mar, acompanhamos Alex, um fotógrafo que enfrenta o vazio após a morte trágica da filha de oito anos. Já em Canção Que Vem de Longe, Willem, um banqueiro radicado em Nova York, retorna à Amsterdã para o funeral do irmão. Em cartas escritas ao morto, ele revisita a própria história, a família e os vínculos interrompidos, oscilando entre negação e reconciliação.

O espetáculo explora a conexão entre gerações de mulheres de uma família, entrelaçando suas histórias e segredos. Uma mulher, após um afogamento, entra em coma, e nesse estado de delírio e sonho recebe visitas imaginárias de sua irmã e de suas ancestrais, travando diálogos com as mulheres da sua vida, enquanto luta para sobreviver e voltar à realidade.

O espetáculo explora a conexão entre gerações de mulheres de uma família, entrelaçando suas histórias e segredos. Uma mulher, após um afogamento, entra em coma, e nesse estado de delírio e sonho recebe visitas imaginárias de sua irmã e de suas ancestrais, travando diálogos com as mulheres da sua vida, enquanto luta para sobreviver e voltar à realidade.

“As 3 Cores Primárias” (cujo título original em japonês é Sangenshoku) ganha montagem inédita no Brasil. A peça se insere numa temática recorrente na obra literária de Mishima e presente em sua vida pessoal: o erotismo entre corpos humanos, independente de gênero. “As 3 Cores Primárias” apresenta um tratamento positivo dessas questões, o que contrasta com a natureza mais sombria de outra obra do mesmo período, Cores Proibidas.Numa tarde quente de verão à beira mar, o casal Ken e Yoko recebe a visita do amigo Shun. A interpretação que os jovens fazem de signos emitidos pelas forças da natureza ao seu redor e o amor levam o trio a tomar uma decisão final sobre o relacionamento entre eles. Eles entendem que, assim como as três cores primárias que criam todas as outras, o equilíbrio nos relacionamentos humanos encontra-se no três.

"Corpo Desnudo e Devaneios" é um monólogo criado e interpretado por Brício Leão. A obra transita entre memórias, delírios e confissões de um homem em confronto com suas verdades mais íntimas.Texto autoral, corpo presente e alma exposta. Uma experiência onde a nudez não é só física, mas emocional, simbólica, política. Para quem busca arte viva, crua e contemporânea. Para amantes do teatro poético e performativo. Para quem quer ser tocado, questionado e transformado.Para quem reconhece que o palco também é Iugar de cura.

Uma Família à Procura de um Ator, primeiro texto escrito por Samir Yazbek, em montagem de Gustavo Merighi, com Anderson Muller estreando em um solo. O espetáculo convida a uma jornada psicodélica e bem-humorada. A proposta estética mescla elementos analógicos dos anos 80 com a tecnologia digital, com o objetivo de estabelecer um diálogo vibrante entre passado e presente, levantando temas urgentes com um olhar original.

Alguns dias após a anexação da Áustria pela Alemanha, em que Anna, a filha de Freud é levada para interrogatório na Gestapo, o pai da psicanálise recebe a visita de um desconhecido. O embate de ideias travado pelos dois pode ser pode ser uma alucinação, memória ou sonho. A trama se passa em Viena em março de 1938, os alemães invadem a Áustria e perseguem os judeus. A Princesa Marie Bonaparte e o cônsul americano negociavam a partida de Sigmund Freud (1856 -1939), mas ele resiste em partir. Primeiro porque os alemães exigiam que ele assinasse um documento, contando como ele foi bem tratado pelos nazistas. Outro fator é que ele já tinha 82 anos de idade, dos quais os últimos 16 com um câncer na boca e queria terminar seus dias nas terras do que já foi o Império Austro-Húngaro (Ele nasceu em Příbor, cidade da atual República Checa). Mas quando sua filha Anna é presa para interrogatório, a história toma outro rumo. É nesse dia que ele recebe uma visita.

Zbura– Campeões do Mundo da Patinação apresenta “ELDORADO – O Cabaret”. o espetáculo se passa em uma Berlim dos anos 30 e conta a história de Vincent, um dançarino boêmio que vê sua vida mudar com as imposições de um novo governo.

Um Povo Ainda Há de Vingar, musical original livremente inspirado no disco Refazenda, lançado por Gilberto Gil em 1975, que completa 50 anos. A montagem do Grupo 59 de Teatro - dirigida por Kleber Montanheiro e escrita pelo dramaturgo Lucas Moura da Conceição e pelo poeta Marcelino Freire A montagem de Jeca acompanha a jornada de emancipação de um homem do povo a partir da conexão com suas raízes. É nessa viagem de retorno ao seu lugar de infância - feita por quem saiu para se encontrar e agora, mais velho, regressa para se reconhecer - que o espectador acompanha a trajetória de um Brasil plural e contraditório, em busca de um sentido de vida profundamente vinculado à terra. A dramaturgia é estruturada em uma espiral, em uma metáfora cíclica das estações da vida, da natureza e da música. O enredo é construído a partir de personagens, paisagens e situações retiradas das letras das canções do álbum, que ganham vida no palco.

A peça Por Toda a Minha Vida, acompanha um dia na vida de Renata e Luiz. Ao se conhecerem num jardim, eles iniciam uma conversa aparentemente casual, que logo se transforma em uma viagem afetiva pelo passado de Renata.Ela propõe a Luiz um jogo: contar a história dos três romances de sua vida seu Primeiro Amor, um Namorado e seu atual Marido para que ele descubra qual deles foi, de fato, o grande amor de sua vida.Com direção artística de Tinno Zani e texto de Leo Bagarolo e Victor Delboni, o espetáculo aposta em uma narrativa sensível e bem-humorada, que transita entre comédia e drama. O elenco traz os atores Evelin Camargo e Leo Bagarolo, que ampliam sua trajetória ao atuar nos palcos.

O espetáculo é uma adaptação para teatro do livro da Dra. Maya Angelou, o best-seller “Eu sei porque o pássaro canta na gaiola”, lançado em 1969 e que agora chega ao Brasil com dramaturgia e direção de Elissandro de Aquino. Em cena, Mila Moura e Pedro Leal David, multiplicarão o palco tocando arranjos exclusivos forjados no blues e suas variações. Depois de dez anos, ter o retorno de Zezé Motta ao teatro estrelando “Vou Fazer de Mim um Mundo”, seu primeiro monólogo, é uma forma de celebrar seu octogésimo ano com um acontecimento único e histórico.

Um filho recebe a notícia de que sua mãe tem apenas um mês de vida. Uma descoberta inesperada o obriga a revirar o passado para conhecer quem essa mulher foi, antes que o tempo acabe. Obcecado em preencher essas lacunas, os limites entre as suas memórias e as da mãe começam a se confundir.

Ao longo de sua trajetória, Nara Leão assumiu um compromisso com a liberdade, eternizando-se como uma das grandes personalidades brasileiras do século XX. Neste solo, Zezé Polessa revive a cantora que marcou época, quebrou tabus, lançou modas e protagonizou movimentos como a Bossa Nova, o Tropicalismo e as canções de protesto durante a ditadura. Escrita e dirigida por Miguel Falabella, "Os Olhos de Nara Leão" traz de volta a artista para compartilhar com o público suas memórias, reflexões e sucessos como "A Banda", "Diz que fui por aí", "Corcovado" e "Marcha da Quarta-feira de Cinzas".

"Valência = 2 homens + 1 cooler” é uma peça que discute a amizade e a masculinidade contemporâneas através da história de um homem que precisa urgentemente de um transplante de rim. Seu melhor amigo se oferece como doador, mas o que parecia ser somente um ato de compaixão se torna estopim de uma crise de consciência e de um acerto de contas de uma amizade de mais de 30 anos.

Molière discute o machismo em sua Escola de Mulheres. Nessa comédia escrita em 1662, mas incrivelmente atual, Arnolfo repele frontalmente a ideia de ser traído, e para isso tenta educar uma jovem para que se torne sua esposa ideal. As mulheres de Molière são inteligentes, perspicazes e empoderadas, muito antes do termo invadir nosso cotidiano, fazendo com que o plano de Arnolfo não seja tão fácil assim.

Ao longo das últimas décadas, ‘Hair’ se tornou um ícone e uma das principais referências do movimento cultural e comportamental que mudou o mundo nas décadas de 60 e 70. Quase 60 anos se passaram desde a estreia em 1967 e uma nova versão brasileira de ‘Hair’ chegará aos palcos para comprovar que este fenômeno não tem data de validade.Símbolo máximo do movimento hippie, ‘Hair’ era um reflexo do turbilhão de acontecimentos do final dos anos 60, com a busca por novas experiências, o amor livre e o rock psicodélico. Tornou-se também uma resposta a um mundo que se indignava com os horrores da segregação racial e com a Guerra do Vietnã, o primeiro conflito internacional televisionado.

Um dos maiores sucessos da Broadway e adaptada para o cinema em um filme vencedor do Oscar chega pela primeira vez ao Brasil. Com texto e letras de Tom Eyen, músicas de Henry Kieger, coreografia original de Michael Bennett e arranjos de Harold Wheeler, o espetáculo no Brasil terá tradução e versão de Bianca Tadini e Luciano Andrey, direção geral de Gustavo Barchilon, direção musical de Gui Leal e coreografias de Rafa L. “DREAMGIRLS” retrata a ascensão de um grupo de cantoras afro-americanas nos Estados Unidos na década de 60, inspirado nas histórias de mulheres da Motown, como as “The Supremes”. A trama reflete a era de ouro da música soul e as transformações da indústria fonográfica dos Estados Unidos durante os anos 60 e 70, abordando pautas como racismo, desigualdade de gênero, o preço da fama e a complexidade das relações pessoais e profissionais no showbiz.

Roma, 6 de maio de 1938. Enquanto Benito Mussolini e Adolf Hitler firmam sua aliança política — em uma parada com massiva presença da população — Antonietta, dona de casa e mãe de seis filhos, é impedida de ir para ficar em casa cuidando dos afazeres domésticos. Em meio ao caos, seu pássaro de estimação voa até a janela do vizinho Gabriele. Ele, demitido da rádio por ser gay e na iminência de ser preso, não iria a um desfile com essa temática. Entre conversas sobre sonhos, frustrações e desejos, nasce uma amizade extraordinária e um amor platônico que, naquele dia, mudará suas vidas para sempre.

Um quintal se torna palco de encantos em A Botija: um inventário de histórias fantásticas do Nordeste Brasileiro, peça que a Cia. Fabulinhos apresenta. Resultado de uma pesquisa sobre literatura oral realizada nas cidades do sertão potiguar, A Botija conta a história de três netos que retornam à casa da avó, no sertão nordestino, em busca de uma botija de ouro da qual ouviram falar na infância. Ao longo dessa busca, encontram-se com encantados e encantarias, como a caipora, a princesa da serra e a mulher do sonho.

Após uma temporada de sucesso de público e crítica, "Beetlejuice" volta para os palcos paulistanos. Estrelada por Eduardo Sterblitch, a peça é inspirada no clássico de Tim Burton, "Os Fantasmas Se Divertem" (1988), trazendo a estética excêntrica e o humor sombrio que marcam a obra tanto nas telas quanto nos palcos. A peça conta com libreto original de Scott Brown e Anthony King e músicas de Eddie Perfect. A versão brasileira é assinada por Claudio Botelho. A equipe criativa conta com Laura Visconti na direção musical, Renato Theobaldo na cenografia (vencedor do Prêmio DID 2024), Dani Vidal e Ney Madeira no figurino, Sueli Guerra na direção de movimento e coreografia, Dani Sanches no desenho de luz, Gabriel D’Angelo no desenho de som, Anderson Bueno no visagismo e Lucas Pimenta como assistente de direção. A produção geral é de Alyzandra Pessanha.

Em cena, o publicitário Tom (Armando Babaioff) vai à fazenda da família para o funeral de seu companheiro. Ao chegar, descobre que a sogra (Denise Del Vecchio) nunca tinha ouvido falar dele e tampouco sabia que o filho era gay. Nesse ambiente rural e austero, Tom é envolvido numa trama de mentiras criada pelo irmão (Iano Salomão) do falecido, estabelecendo com aquela família relações de complicada dependência. A fazenda, aos poucos, vira cenário de um jogo perigoso, onde quanto mais os personagens se aproximam, maiores as suas contradições.

O espetáculo tem texto de Emílio Boechat e Marilia Toledo. Marilia também divide a direção da peça com Fernanda Chamma, enquanto a direção musical é assinada por Daniel Rocha. No palco, o camaleônico Ney Matogrosso é interpretado por Renan Mattos - que é acompanhado por mais 16 atores e banda ao vivo composta por 6 músicos. O musical chega para apresentar ao público essa figura tão importante para a nossa cultura.

Dois homens, de personalidades opostas, se conhecem num posto de saúde, enquanto aguardam seus resultados de teste rápido. Esse encontro, ao acaso, unirá os dois de uma forma inesperada e criará um lanço entre eles por toda a vida.

O projeto de “Vozes Negras” foi idealizado e dirigido por Gustavo Gasparani com produção da Aventura, de Aniela Jordan e Luiz Calainho. A proposta é justamente usar o conceito de uma série televisiva, mas no teatro. A cada semana, canções, texto e direção se renovam a partir do contexto de cada homenageada. Todos os espetáculos da série funcionam de forma independente e nãoé necessário assistir em ordem cronológica. Cada sessão vai abrir espaço para uma conversa com a presença de uma debatedora convidada e a participação da plateia, sobre temas como o racismo e o feminismo negro nos dias de hoje.

Exatamente 25 anos depois de sua estreia no galpão do Armazém 14, no Recife, A Máquina, premiado espetáculo adaptado do romance homônimo de Adriana Falcão, e dirigido pelo renomado encenador pernambucano João Falcão, volta aos palcos do Brasil. A peça, que marcou a história da dramaturgia brasileira por sua inventividade e revelou ao país os talentos de um quarteto pouco modesto: Wagner Moura, Lázaro Ramos, Gustavo Falcão e Vladimir Brichta - até então desconhecidos do grande público. O enredo convida o espectador a adentrar a fictícia cidade de Nordestina, um lugar comum, sem recursos, como tantas cidades do interior do Brasil, onde o jovem Antônio decide mudar seu destino — e o do mundo — para impedir a partida de sua amada Karina. Para isso, promete o impossível: viajar no tempo e trazer o mundo até sua cidade.

A peça apresenta uma celebração do artista anônimo, daquele que está “na linha de trás”, cuja paixão pela arte é maior que o medo do fracasso. Em um teatro vazio, dezessete bailarinos disputam oito vagas na linha de coro de um novo musical da Broadway. Liderados por Zach, um diretor exigente que busca mais do que técnica, os candidatos são levados a um processo incomum: revelar suas histórias de vida, medos, frustrações, descobertas e sonhos mais profundos. À medida que os depoimentos se desenrolam, o público mergulha nas trajetórias únicas de cada artista — jovens que cresceram entre aulas de balé, repressões familiares, inseguranças físicas e o desejo visceral de pertencer ao palco.

Dona Lola é uma dona de casa que tem sua vida transformada ao se tornar um fenômeno das redes sociais com os vídeos postados pela sua neta. Após o inesperado sucesso, ela, incentivada por suas amigas mais próximas, decide se apresentar no teatro mesmo não sendo atriz, não tendo um espetáculo e muito menos sabendo o que dizer. Claro que as presenças mais aguardadas na plateia são as das amigas, mas, por motivos distintos, elas não comparecem à apresentação, o que resulta na ira de Dona Lola, que acaba expondo a vida de suas amigas e, de certa forma, dizendo muito sobre si mesma

Uma comédia hilária e irreverente do clássico Titanic (1997), Titanique — O Musical está repleto de reviravoltas absurdas e canções icônicas que elevam a experiência a algo verdadeiramente inesquecível. O espetáculo é uma carta de amor à música pop, ao cinema e ao teatro musical — prometendo uma noite cheia de risadas, emoção e pura alegria, tudo ao som inesquecível de Céline Dion.

Um dos textos mais emblemáticos do dramaturgo inglês William Shakespeare, “O Mercador de Veneza” ganha nova montagem, sob a direção de Daniela Stirbulov. À frente do elenco de 12 atores, Dan Stulbach dá vida ao icônico agiota Shylock, já interpretado por nomes como Al Pacino, Laurence Olivier e Pedro Paulo Rangel.A trama acompanha Antônio, um mercador que contrai uma dívida com o agiota Shylock para ajudar seu amigo Bassânio. Como garantia, Antônio aceita dar libra de sua própria carne. Com o não pagamento da dívida, o contrato desencadeia um julgamento dramático, colocando em pauta temas como justiça e preconceito.

O consagrado dramaturgo irlandês Brian Friel (1929–2015) criou em Afterplay (2002) um encontro entre duas personagens de Tchekhov: Sônia Serebryakova (Tio Vânia) e Andrey Prozorov (As Três Irmãs). A peça de um único ato chega em São Paulo, no dia 31 de outubro, sob direção de Luiz Eduardo Frin, que também atua ao lado de Bia Bologna. Com atmosfera intimista e texto ágil, o espetáculo mergulha nas memórias e fragilidades de Sônia e Andrey, que se encontram em um café decadente da Moscou dos anos 1920. Ambos carregam passados desfeitos e buscam, de formas distintas, algum ponto de reconexão. Nas palavras de Luiz Eduardo Frin, a obra sugere que, em tempos de mudanças rápidas e de permanente desconstrução, apenas os que aceitam sua condição de deslocados conseguem de fato se encontrar.

Hannah Arendt - Uma Aula Magna é o mais novo espetáculo de Eduardo Wotzik, onde o ator e diretor, - em surpreendente, e reflexivo espetáculo, traz à cena de maneira bem-humorada, uma das mais importantes pensadoras do século ΧΧ.O premiado ator, diretor e autor de teatro Eduardo Wotzik, de barba e salto alto, dá vida a importante cientista política do Século XX em Hannah Arendt Uma Aula Magna.

Com Amanda Acosta no papel principal de Norma, a montagem recria momentos da vida dessa multiartista em um diálogo imaginário. Dirigida por Aimar Labaki, com direção musical de Gustavo Kurlat e idealização de Alexandre Brazil, a peça apresenta não só a trajetória pessoal e artística de Norma, mas também o vigor cultural do Brasil nos anos 1950 e 60.

Nova temporada de Tim Maia - Vale Tudo - o musical, espetáculo com roteiro de Nelson Motta e baseado no livro "Vale Tudo – O Som e a Fúria de Tim Maia".A primeira montagem da peça, de 2012, conquistou público e crítica, tornando-se um dos maiores sucessos do teatro musical brasileiro. Com linguagem moderna e dinâmica, a nova versão promete emocionar e transformar o palco em uma grande festa permeada por 20 hits de Tim Maia.O musical percorre a trajetória de Tim Maia, desde a juventude no Rio de Janeiro até a consagração como um dos maiores nomes da música brasileira. Baseada no livro homônimo de Nelson Motta e com curadoria de Carmelo Maia, a peça percorre a trajetória de Tim Maia desde a juventude no Rio de Janeiro, às amizades com artistas do calibre de Roberto Carlos, Erasmo Carlos, Elis Regina, Jorge Ben etc, até a consagração como um dos maiores nomes da música brasileira. Além do texto de Nelson Motta, a nova montagem conta com direção musical de Carlos Bauzys e Diego Salles, direção geral de Pedro Brício e produção geral de Adriana Del Claro.

A partir do best-seller Sapiens, de Yuval Harari, o premiado espetáculo FICÇÕES fala da capacidade humana de criar e acreditar em ficções: deuses, dinheiro, nações…o que foi ou não inventado? Vera Holtz se desdobra em personagens da obra literária e em outras criadas por Rodrigo Portella, canta, improvisa, “conversa” com Harari, brinca e instiga a plateia, interage com o músico Federico Puppi – autor e performer da trilha sonora original, com quem divide o palco. Em outros momentos, encarna a narradora, às vezes é a própria atriz falando.

Após grande sucesso, a pista do Teatro Oficina recebe de volta Senhora dos Afogados, de Nelson Rodrigues, com direção de Monique Gardenberg. Escrita em 1947, é um mergulhono inconsciente familiar — uma tragédia brasileira. Nesta encenação, o espaço cênico é atravessado por elementos audiovisuais, trilha original e ambientações sensoriais. Ambientada em uma casa à beira-mar, a peça propõe um mergulho nos limites entre realidade e delírio. A casa, torna-se um organismo vivo. No centro da trama está Misael (Marcelo Drummond), juiz assombrado por segredos. Ao seu redor, giram personagens tomados por impulsos inconfessáveis: Moema (Lara Tremouroux), a filha intensa e intuitiva, e Eduarda (Leona Cavalli), esposa e figura central de uma dinâmica familiar.

Ser feliz o tempo todo, todos os dias, também há de ter seu preço e seus conflitos. É o que pretende mostrar a protagonista vivida por Martha Nowill na peça Felicidade, escrita por Caco Galhardo e dirigida por Dani Angelotti. Na direção musical e também no palco, o espetáculo conta ainda com a participação do cantor e compositor Zeca Baleiro, dos atores Eduardo Estrela, Luisa Micheletti, Nilton Bicudo e Willians Mezzacapa e da percussionista Layla Silva. Com cara de quadrinhos e ambiente de show musical, o espetáculo narra a inesperada virada na vida de uma jornalista e influenciadora de sucesso, que sem nenhuma razão aparente acorda com uma felicidade radiante e inexplicável. O que poderia ser apenas um bom dia se transforma em uma desconhecida forma de existir, já que essa alegria simplesmente não vai embora. Agora, ela precisa aprender a lidar com sua nova personalidade transformada. Mas será que o mundo ao seu redor está preparado para conviver com tanta felicidade?

O monólogo de Gregório Duvivier volta a São Paulo para dois dias de apresentações. A peça é uma comédia sobre a presença quase invisível da poesia no cotidiano. Quem tem medo de poesia? Gregório Duvivier não faz parte deste grupo e, como um apaixonado, faz de tudo para persuadir os outros das qualidades do seu objeto de encanto – até mesmo criar um espetáculo sobre o assunto. No monólogo cômico “O Céu da Língua”, o artista usa o seu discurso para convencer o público de que tropeçamos diariamente na poesia e o assunto é prazeroso e divertido.

Sucesso da dramaturgia nacional, a peça de Bosco Brasil ganha nova montagem dirigida por Eric Lenate, em codireção com Vitor Julian. Lenate também está em cena ao lado de Fernando Billi. O espetáculo, que tem direção de produção de Maurício Inafre, coloca em cena o encontro entre dois homens atravessados pela história: um imigrante que traz no corpo e na memória as marcas da Segunda Guerra Mundial e um ex-torturador do Estado Novo brasileiro. Ao expor esse choque de experiências, a obra convida o público a refletir sobre a violência política, a memória do horror e os limites da humanidade.

Com humor afiado e olhar crítico, em atuação solo de Danielle Winits dirigida por Gerald Thomas, a obra se estabelece como uma reflexão sobre as irracionais contradições humanas, o papel da mulher na sociedade e os dilemas da vida contemporânea. O título sugere uma busca extraterrestre, mas é, na verdade, uma metáfora para a busca de empatia, conexão e sentido no meio da confusão cotidiana da humanidade.Estruturada como um monólogo múltiplo, uma só atriz (Danielle Winits) interpreta diversos personagens e por meio dessas vozes constrói uma narrativa fluida e cômica que atravessa diferentes contextos sociais e históricos. Mais do que uma peça feminista ou de crítica social, é uma reflexão espirituosa e comovente sobre o que nos torna humanos, e sobre os sinais de inteligência (afeto e empatia) que ainda podem ser encontrados entre nós.