TEATRO

Peça mergulha no lado obscuro e hilariante do mercado de trabalho contemporâneo. Dois atores, no papel de candidatos desesperados, enfrentam testes insanos e absurdos em busca de um papel/emprego. Parte da Trilogia “Pessoas Trabalhando”, o trabalho mistura humor e ironia para expor os limites extremos que os candidatos enfrentam e as crueldades do processo seletivo.

Marta, uma professora paraense sobrevivente de um atentado escolar, compartilha suas reflexões sobre educação e o seu vínculo com a enigmática professora Belmira. Embaladas por ritmos paraenses, as memórias emergem da relação entre as duas na tentativa de elaboração do trauma vivido.“Belmira“, solo da paraense Angela Ribeiro e com dramaturgia e direção de Carla Zanini, propõe uma reflexão sobre a insegurança e o medo enfrentados diariamente por uma professora sobrevivente de um atentado escolar. O espetáculo aposta na força do encontro e do momento presente por meio de uma encenação intimista, na qual o público desvenda, passo a passo, as camadas dessa história.O projeto nasceu dentro do curso piloto de dramaturgia do Instituto Brasileiro de Teatro (IBT) e foi motivado pela indagação sobre como é possível aprender e ensinar em um ambiente ameaçado pelo recente crescimento de atentados nas escolas do país.

Bicampeão Latino Americano de ilusionismo, Caio Ferreira apresenta neste espetáculo solo uma coletânea e releitura de vários clássicos da história da mágica antiga e contemporânea. Retrata a relação especial do ilusionista com obras de música erudita encadeadas num jogo teatral contínuo onde a plateia é convidada a participar ora pela sensação de mistério, ora pela sua sensibilidade musical.

Esfera é uma fusão de técnica e poesia que convida o espectador a mergulhar em um universo de formas e sentidos. O espetáculo une dança, malabarismo, bambolê, roda Cyr e acrobacia em coreografias poéticas e sofisticadas. A apresentação é uma experiência emocionante, que transporta o público para um estado de sensibilidade profunda.

Em 1614, em São Luís do Maranhão, Brasil, preso à boca de um canhão, prestes a ser executado por sodomia por soldados franceses, Tybyra, indígena Tupinambá, propaga as últimas palavras, como se depois de relâmpagos, o som dos trovões saíssem de sua boca.Dramaturgia de estreia do artysta potyguara Juão Nyn, uma ficção sobre o primeiro caso de LGBTfobia, com um corpo nativo, documentado no país.O espetáculo é falado em tupi, com legendas e falas pontuais em português.

O espetáculo é uma encenação inédita de contos curtos de Kafka, pílulas, atualíssimas, que ironizam o absurdo da lei, do permanente estado de exceção em que vivemos, um antídoto contra o nonsense da civilização ocidental.

O espetáculo transita pela obra e vida da poeta Ana Cristina Cesar, ícone da poesia marginal dos anos 70, a partir do conflito de três atrizes envoltas pela complexidade e identificação das angústias de sua personagem

A Cia de Teatro Acidental apresenta uma reflexão sobre a solidão, tomando como referência para a peça o livro "Robinson Crusoé", de Daniel Defoe. O espetáculo é apresentado por meio de um formato inusitado: a cada noite, um dos integrantes da companhia será sorteado para estar em cena, mantendo o roteiro decidido coletivamente, em um ambiente de total isolamento, onde não só deverá sobreviver à condição adversa, mas também encarar as tensões entre o desejo de estar só e a necessidade de convivência.

A comédia teatral TOC TOC, escrita por Laurent Baffie, traduzida e montada mundo afora diversas vezes após estrondoso sucesso na França, retorna aos palcos brasileiros com uma nova montagem e grande elenco, trazendo uma abordagem bem-humorada e sensível sobre o Transtorno Obsessivo Compulsivo (TOC). Visto no Brasil por mais de 1 milhão de pessoas, o espetáculo se passa em uma sala de espera de um consultório. Seis personagens, cada um com suas próprias obsessões, se veem obrigados a conviver e enfrentar seus desafios enquanto aguardam a chegada de um médico que, misteriosamente, nunca chega.Branca (Letícia Lima), obcecada por limpeza; Maria (Cláudia Ohana), uma religiosa que vive com a sensação de ter esquecido tudo aberto; Lili (Maria Helena Chira), com seu hábito de repetição; Bob (Miguel Menezzes), fanático por simetria; Vicente (André Gonçalves), que não consegue parar de fazer contas; e Fred (Riba Carlovich), que luta contra uma síndrome que o faz dizer palavras obscenas, formam esse grupo peculiar. A demora do médico faz com que a única solução seja iniciar uma terapia em grupo, onde, entre crises, brigas e muitas gargalhadas, o público é convidado a acompanhar as dificuldades e as maneiras inusitadas que cada um encontra para lidar com seu TOC

Ao som das trilhas icônicas do universo Colossal, os personagens favoritos da TV Colosso se reúnem para enfrentar uma ameaça: uma invasão de cães cibernéticos comandados pelo terrível Vira-Lata de Aço, vindo do futuro para levar o Gilmar das Candongas para o ano de 2090 e resolver a "TV Colosso das Galáxias", uma versão altamente tecnológica e sem humor. Em cena, momentos marcantes como o “Bom dia, Galera!“ e o clássico “Tá na hora de matar a fomeee!” ganham vida. Priscila, ao lado dos Gilmares, convoca a turma para enfrentar os caninos espaciais, que acabam descobrindo que a verdadeira magia da TV Colosso está na bagunça e amizade da equipe. Será que a TV Colosso volta ao passado, ou o futuro está a caminho? Todos correm para salvar a TV Colosso – afinal, ainda bem que já é hora do almoço!

Brás Cubas, o “defunto autor”, se assume como tendo sido um aristocrata medíocre em vida, mas mesmo assim consegue, através do riso e da sedução, conquistar a empatia do público. Ele pertence a uma elite aventureira, dividida entre o desejo liberal e a prática escravocrata. A montagem traz uma visão moderna do romance baseada na carnavalização, salientando seu aspecto cômico-fantástico. A encenação realiza uma “conversa” entre quatro artes: o teatro, a literatura, a dança e a música.Em um solo vibrante, Marcos Damigo vive um Brás Cubas bem-humorado, irreverente, egoísta e amoral. Com uma narrativa não linear e fiel à obra original, o personagem dialoga com a plateia, canta, dança, discorre sobre seus envolvimentos amorosos e episódios de sua vida enquanto passeia pelas agruras da sociedade de seu tempo. “A recepção do público sempre foi ótima: uma plateia muito jovem, evidentemente interessada pela obra por causa do vestibular, misturou-se a espectadores maduros, admiradores de Machado de Assis, e foi unânime o impacto causado pelo trabalho de Damigo, ator que está na plenitude do uso de seus recursos vocais e corporais para interpretar o imprevisível Brás Cubas, em cenas ora sérias, ora cômicas, ora fantásticas, ora musicais. Tanto na adaptação quanto na direção, minha concepção brechtiana – com destaque para os aspectos filosóficos da obra – exige do ator experiência, inteligência, despojamento e versatilidade, e Marcos Damigo está impressionante no papel do irônico defunto”, afirma Regina Galdino.

Equilíbrio, força, delicadeza feminina, inércia e emoção são as palavras que definem essa performance de dança de Paulina Zoé com roda cyr.

Livremente inspirado na música homônima de Jorge Ben Jor, Magnólia, narra a fábula sobre uma deusa astronauta que vive na dimensão azul e rosa por entre estrelas e cometas até encontrar um cavaleiro negro, São Jorge. Ele propõe a ela uma missão: descer para a Terra e experimentar o que é ser humana. Na Terra, depois da queda, ela passa por diversas transformações até se tornar uma mulher negra.

Estrelando Fernando Pavão e Otávio Martins, a produção é uma celebração do talento e da amizade entre os três principais envolvidos – os atores e o diretor Marcos Damigo – que comemoram seus 30 anos de carreira neste projeto. A história gira em torno desse reencontro no velório do pai, onde um dos irmãos, o mais velho, foi obrigado a sacrificar suas próprias ambições para cuidar da família, enquanto o irmão mais novo se tornou um premiado fotojornalista e desbravou o mundo. O encontro, porém, está longe de ser caloroso. Carregado de mágoas, acusações e ressentimentos, o que parecia uma simples reunião de família revela-se uma verdadeira montanha-russa emocional, com revelações do passado que mudam as perspectivas dos dois.Antes da temporada, serão feitos ensaios abertos gratuitos da peça. O ensaio cru da peça, sem cenografia, sonoplastia, iluminação e figurinos apresenta o processo de construção do espetáculo. Após os ensaios serão feitas conversas entre a platéia, elenco e diretor.

Os irmãos Mário e Maria se deparam com a perda do cachorro de estimação, o Manoel, e passam por diversas situações a fim de superarem a dor desta perda. Não há ali nenhum adulto, são obrigadas a lidar com tudo sozinhas. A Morte surge como personagem que percorre as cenas ora divertindo, ora assustando, trazendo consigo reflexões acerca dos estigmas que a cultura ocidental criou a respeito dela.

Ester Laccava narra em primeira pessoa a história de uma mulher que transcende sua infertilidade e arranca à força, felicidade nos pequenos momentos de sua vida no sertão. O texto poético, baseado na literatura de cordel, se reveza com depoimentos autobiográficos da atriz, e é a segunda peça da trilogia GRITO DE MULHER.

A peça mergulha nas profundezas do custo humano nos negócios das grandes corporações. A narrativa se desdobra após o colapso de uma barreira de uma mineradora, que resulta na trágica perda de 150 vidas.Um jornalista especializado em economia confronta o presidente da empresa, lançando luz sobre as complexas dinâmicas da realidade política e econômica. "Realpolitik" transcende a frieza das planilhas para revelar o impacto devastador desses eventos na vida real.

Wicked é o prelúdio da famosa história de Dorothy e do Mágico de Oz, onde conhecemos a história não contada da Bruxa Boa e da Bruxa Má do Oeste.A montagem de 2025 trará uma nova montagem, com novo elenco, cenários, figurinos, iluminação e repleto de novos efeitos especiais.

Nesta estreia dirigida por Eliane Monteiro (Teatro da Vertigem), o espaço urbano se transforma em um território poético e sensorial. Por meio de visualidades marcantes, narrativas encantadoras e uma trilha sonora viva e pulsante, uma performance rompe com o cotidiano, convidando o público a explorar as múltiplas relações entre o feminino e as águas.Da mesma forma, a intervenção Floresta Invertida busca promover a conexão entre as águas do mundo e as águas internas, compreendendo que somos parte de um mesmo sistema. Essa associação é proposta por meio de experiências de contemplação, sensibilização dos sentidos, combinando textos e materialidades que relacionam o elemento água, tão importante para a manutenção da vida, a seus desdobramentos simbólicos e oníricos.

Com muita ironia, leveza e elegância, Molière discute o machismo em sua Escola de Mulheres. Nessa comédia de 1662, Arnolfo repele frontalmente a ideia de ser traído, e para isso educa uma jovem para que se torne a esposa ideal. As mulheres de Molière são inteligentes, perspicazes e empoderadas, muito antes do termo invadir nosso cotidiano, fazendo com que o plano de Arnolfo não seja tão fácil assim.

Lorena, uma palestrante de técnicas de comunicação aplicadas à vida corporativa, reconhecida como mestra na sua área, sofre uma crise nervosa em plena apresentação. As consequências desse evento - e os motivos que a levaram a ele - são a espinha dorsal da estória. Sozinha no palco – com a ajuda apenas de um técnico/ator – a protagonista vive em público momentos de mania, depressão e recuperação.

Em uma cena com ares vitorianos que poderia estar no século XIX, como nos dias de hoje, diferentes vozes e corpos femininos se entrelaçam na construção de Uma Mulher, persona destituída de um nome ou características específicas, mas definida por seu gênero. É entre a intimidade da cozinha e o campo de convivência – e confronto – da sala de jantar, que a personagem entra em um delírio ao receber um quilo de carne para preparar ao marido. A ação cotidiana adquire ares espetaculares quando ao tentar cortar a carne ela vê Jesus Cristo à sua imagem e semelhança e passa a contar e questionar o seu passado atravessado pela violência patriarcal num mundo representado por um Deus no masculino, enquanto ela busca algum tipo de redenção frente a uma tragédia anunciada em sua vida cotidiana.

Um pequeno acidente de trânsito, que quase resultou num atropelamento, acaba provocando a aproximação entre o Sr Green, um velho e solitário judeu ortodoxo, e Ross, um jovem executivo de 29 anos que, graças ao juiz Kruger, foi acusado de negligência na direção e considerado culpado pela ocorrência. A pena consiste em fazer com que Ross deva prestar serviço comunitário junto à vítima uma vez por semana, pelos próximos seis meses. A ação da peça se passa no velho apartamento do Sr. Green. Tudo parece ter sido adquirido há muito tempo e se mantido intocável desde então.   A circunstância legal que os uniu involuntariamente, envolve os dois em situações inusitadas, com traços de fino humor e de profunda emoção. Revelando pouco a pouco a personalidade de cada um, suas realizações e suas frustrações acabam por constituir a trama central da peça através da riqueza da narrativa e dos instigantes diálogos de Jeff Baron. Retratam também, magistralmente, os aspectos mais pitorescos da cultura judaica, bem como os encontros e desencontros de dois seres humanos nas grandes cidades.  O que se inicia como uma comédia sobre duas pessoas estranhas que se ressentem de ter que compartilhar o mesmo ambiente, ainda por pouco tempo, transforma-se em um drama envolvente e emocionante à medida que segredos vão sendo revelados e antigas feridas começam a ser abertas.

Se equilibrando pelo fio do tempo, três amigos se enrolam, dançam e brincam enquanto viajam pela história do pião. Lançados numa espiral de ritmos e culturas que atravessam gerações, se redescobrem na simplicidade do objeto. Quando a dança acaba e o equilíbrio cessa, basta enrolar, lançar e acreditar, que tudo volta a girar.

Neste monólogo, Othon Bastos, com 91 anos de idade e mais de 70 anos de carreira, percorre histórias divertidas e dramáticas de sua vida pessoal e profissional. Com uma atuação artística marcada por papéis no cinema e no teatro, ele parte dessas memórias para criar um mural sobre o trabalho, o amor, o teatro, o cinema e a política. Citando e trazendo referências a grandes autores da dramaturgia, o espetáculo se estabelece como uma reflexão sobre a vida e a resiliência, uma ode ao enfrentamento dos obstáculos que se apresentam na existência humana.

Depois de temporadas de sucesso no Rio de Janeiro e em São Paulo em 2024, o solo de comédia Da Puberdade à Menopausa, escrito e protagonizado pela atriz e comediante gaúcha Angela Dippe, ganha mais uma temporada na capital paulista.Com tintas autobiográficas e muito humor, o espetáculo compara a trajetória da mulher a uma “montanha-russa de hormônios”, em comparação com a vida dos homens, que segue em “movimento retilíneo e uniforme, sem atrito e sem aceleração”, segundo a própria atriz.O espetáculo é uma mistura de stand-up comedy e palestra, com Angela apresentando ao público as diversas fases da vida de uma mulher, da puberdade à menopausa. Ao longo de seu relato, ela desenvolve temas como relacionamentos amorosos, padrão de beleza, cultura do patriarcado, machismo, sexo na maturidade e etarismo.

Olinda, 1789. Isabel das Santas Virgens está enclausurada, acusada de loucura e rebeldia por lutar pela sua autonomia numa sociedade patriarcal, e desafiar a coroa portuguesa. Ela escreve uma carta à Rainha Dona Maria I, com quem se sente irmanada na opressão pelo mundo dos homens. Isabel relata sua vida, infância e juventude, entre a Bahia e os sertões de Minas Gerais, sobrevivendo graças ao seu "saber das letras", sua paixão pela escrita e pela leitura. Isabel é uma feminista "avant la lettre" que denuncia os destemperos e injustiças praticados pelos homens da Coroa contra mulheres, escravizados e todos que se encontravam em situação de vulnerabilidade. Uma história de coragem e esperança que fala muito às mulheres de hoje. Adaptação do premiado romance de Maria Valéria Rezende, vencedor do Prêmio Oceanos de Literatura em Língua Portuguesa e finalista do Prêmio Jabuti.

Com uma homenagem à palavra, o poder que ela tem na construção das (in)verdades em uma era marcada pela metamorfose acelerada da comunicação, o espetáculo A Língua Mãe, do premiado autor espanhol Juan José Millás, faz temporada no Sesc Pinheiros. Em cena, está Monica Biel que além de viver a protagonista cheia de humor e ironia, fez a tradução e adaptação da história para o palco com a direção de André Paes Leme.A peça é um convite bem-humorado à reflexão sobre as mudanças provocadas pelas crises da comunicação e da sociedade capitalista nos novos tempos, e de que forma essas modificações contribuem para banalizar conceitos e influenciar nossas vidas. A montagem aponta a importância da palavra na manipulação das informações e na negligência em relação aos fatos para a qual a sociedade caminha.

Sozinha em cena, Juliana Martins conta com naturalidade e humor suas vivências sexuais. São confissões pessoais misturadas com experiências de amigas e relacionadas à liberdade da mulher.Narrado com ironia e sinceridade, o texto é inspirado na vida real da atriz. Casada por 19 anos, dos 20 aos 39 anos, Juliana conta que depois que se separou, buscou viver intensamente sua liberdade sexual.

O que une as saudosas cantoras brasileiras Elizeth Cardoso, Maysa, Dalva de Oliveira e Dolores Duran com a norte-americana Maria Callas, as francesas Barbara e Edith Piaf, a argentina Mercedes Sosa e a alemã Marlene Dietrich? É justamente o fato de que todas elas, em seus diferentes tempos e sociedades, cantaram cada uma à sua maneira as delícias e dissabores do amor. O musical Território do Amor, com texto de Gabriel Chalita, lança justamente um olhar para o que essas vozes poderosas e icônicas cantam a respeito desse que é o mais complexo dos sentimentos humanos.

Dirigida por Elias Andreato para o texto do premiado autor americano Mark St. Germain, a trama apresenta um encontro fictício entre Sigmund Freud (Odilon Wagner - o pai da psicanálise, e o escritor, poeta e crítico literário C.S. Lewis (Marcello Airoldi), dois intelectuais que influenciaram o pensamento científico filosófico da sociedade do século 20.Durante esse diálogo, Sigmund Freud, crítico implacável da crença religiosa, e C.S. Lewis, renomado professor de Oxford, crítico literário, ex-ateu e influente defensor da fé baseada na razão, debatem, de forma apaixonada, o dilema entre ateísmo e crença em Deus. O texto de Mark St. Germain é baseado no livro Deus em Questão, escrito pelo Dr. Armand M.Nicholi Jr. - professor clínico de psiquiatria da Harvard Medical School. Freud quer entender por que um ex-ateu, um brilhante intelectual como C.S. Lewis, pode, segundo suas palavras, “abandonar a verdade por uma mentira insidiosa” - tornando-se um cristão convicto.No gabinete de Freud, na Inglaterra, eles conversam sobre a existência de Deus, mas o embate verbal se expande por assuntos como o sentido da vida, natureza humana, sexo, morte e as relações humanas, resultando em um espetáculo que se conecta profundamente com o espectador através de ferramentas como o humor, a sagacidade e o resgate da escuta como ponto de partida para uma boa conversa. O sarcasmo e ironia rondam toda essa discussão. As ideias contundentes ali propostas nos confundem, por mais ateus ou crentes que sejamos.

Gritos e Silêncios: Fragmentos de Otelo, baseada na obra de William Shakespeare, é a 15ª peça teatral do “Bardo” encenada pela ShakeCena Cia. de Pesquisa Teatral.Em comemoração ao aniversário de 10 anos de atividades da companhia, pela primeira vez, a atriz Eliete Cigaarini sobe ao palco de uma montagem de seu grupo de pesquisa para interpretar Emília.Otelo, o mouro de Veneza, sob o ponto de vista dos personagens principais da trama: Otelo, Desdemona, Iago, Emília, Cássio e Rodrigo. Esses personagens são apresentados em uma linguagem “brechtiana”, inspirada no mestre Bertold Brecht, célebre diretor alemão, idealizador do conceito que propõe que a função do teatro seja pedagógica, institui para este papel a função de um narrador para suas obras , ainda, seus personagens distanciam-se de seus papéis para ocupar esta função e denunciar uma crítica social da trama encenada.

A vida e a obra do autor norte-americano Tennessee Williams (1911-1983) inspirou a criação do espetáculo metateatral Tennessee Williams Deve Morrer!, que tem sua segunda temporada no Teatro Sérgio Cardoso.Com texto de Luiz Filipe Caivano e Marcelo Braga, que também assina a direção, o novo trabalho encerra a trilogia metateatral de dramaturgia autoral da Cia. Filhos do Dr. Alfredo, composta ainda por Montanha Russa (2018) e Quem Fica com Quem (2019). No elenco, estão Vivian Bertocco e Luciano Schwab. Tennessee Williams Deve Morrer acompanha dois irmãos e artistas de teatro, Rose e Tom, que, enquanto se preparam para entrar em cena, recebem a crítica do espetáculo que estão prestes a iniciar. Frente à dureza da análise do crítico, Tom – que além de ator também é dramaturgo – resolve reescrever a peça como uma resposta à exclusão artística e à intolerância às novas ideias de construção teatral. Ele pretende sublinhar a atitude conservadora e homofóbica da crítica de então. E essa “peça dentro da peça” percorre fatos relevantes da vida, as relações com Kip, Pancho e Frank - seus mais significativos amores - e aspectos importantes da obra de Williams, que é, sem dúvida, um dos autores mais importantes do Teatro Moderno do século XX.

"Restinga de Canudos" enxerga as ruínas de Canudos, cidade submersa, e mergulha nas águas do açude de Cocorobó em busca das histórias de suas gentes. Para além da visão de Euclides da Cunha e da narrativa do massacre, o espetáculo recria, a partir dos olhos de duas professoras, uma comunidade viva, forte, próspera e vitoriosa na invenção de formas próprias de existência. "Restinga de Canudos" traz professoras, beatos fazendo reza, guerra e festa numa Canudos recriada para o tempo presente.

“As andorinhas são os animais mais felizes do mundo. Muito triste ver o animal mais feliz do mundo em pedaços. O mais feliz. As andorinhas explodem todo começo de dia, e também no fim da tarde, aquela coreografia absurda e exata demais num ser com um espaço tão ridículo para os miolos. Fazem a farra”. A primeira frase inicia o livro e o espetáculo, que pareia o modus operandi das andorinhas ao dos homens gays, em uma livre adaptação do romance de Flavio Cafiero, realizada pela dupla Ester Laccava e Vinicius Aguiar, diretora e ator do espetáculo, respectivamente.A obra explora a dinâmica das relações de amor, sexo e amizade na intensa cidade de São Paulo nos anos 2020, com um foco particular nos desafios enfrentados por pessoas LGBTQIA+ acima dos 40 anos, perfil do personagem central. Essa geração, que viveu em uma época na qual assumir sua identidade ou falar abertamente sobre o amor era visto como tabu. Agora, com o fenômeno dos aplicativos e da liberdade nas relações tão extrapoladas, quanto rarefeitas, se depara com um estranhamento sobre como ser e amar.

Com direção original de Munir Kanaan, o espetáculo leva aos palcos o embate entre o Papa Bento XVI, um teólogo conservador vivido por Zécarlos Machado, e o carismático cardeal argentino Jorge Bergoglio, de visão progressista e futuro Papa Francisco, interpretado por Celso Frateschi. A peça ganhou a sua primeira montagem em 2019, na Inglaterra, baseada no livro homônimo de Anthony McCarten, que também inspirou a adaptação cinematográfica da Netflix dirigida pelo brasileiro Fernando Meirelles. Dois Papas marca um reencontro de Celso Frateschi e Zécarlos Machado nos palcos. A dupla esteve junta em Santa Joana, de Bernard Shaw, na década de 80.

Dois casais de gerações diferentes se encontram em um quarto de hotel. Segredos e mentiras começam a ser revelados e trazem à tona um divertido turbilhão de sentimentos, com muita emoção e desafios, que mudarão a vida deles para sempre.

Devido ao grande sucesso das primeiras edições, o Teatro Oficina volta a apresentar Dorival e a Mar, um rito-espetáculo em homenagem a Dorival Caymmi. Assim como Itamar Assumpção, João Gilberto e Torquato Neto, Caymmi é também um dos artistas-fundamento do trabalho do Teatro Oficina.Foram criadas cenas a partir das atmosferas propostas por cada canção, criando uma conexão entre elas, uma dramaturgia. Neste dia, o teatro feito carro-naval vai atravessar o mar de imagens criadas por Dorival em clássicos como O Mar, O Bem do Mar, Saudade de Itapoã, Dora, O Vento e Canção da Partida.

O espetáculo Copo Vazio, com direção de Bruno Perillo, fez sua estreia no Sesc Belenzinho, com ingressos esgotados antes do fim da temporada. A peça é a primeira adaptação do livro de Natalia Timerman, muito reverberado na literatura, feita pela dramaturga Angela Ribeiro, e reflete sobre a necessidade de se desenvolver a responsabilidade afetiva.Com idealização de Carolina Haddad, o espetáculo tenta reconstruir a trajetória de Mirela e Pedro, personagens do romance que viveram um intenso relacionamento por três meses até que Pedro decide sumir de maneira repentina.

Gesualdo Brilhante, um motorista de aplicativo com dificuldade em dizer não, é surpreendido por três soldados do exército que, desesperados com a ausência de um colega em uma missão inesperada, o convencem a assumir o lugar do desertor. O soldado ausente, preso após um roubo malfadado em um terreiro de candomblé, desencadeia uma cadeia de eventos que obriga Gesualdo a mergulhar em um universo de autoritarismo e violência.Em meio à tensão crescente de uma guerra iminente, Gesualdo, incapaz de resistir ao fluxo, se transforma em uma engrenagem implacável de um sistema bélico. Em meio a tambores e confetes, mesclando a iminência do conflito à efervescência de um desfile de carnaval, os personagens transitam entre o riso e o desespero, entre o grotesco e o sublime. Livremente inspirado em “Um Homem é um Homem” de Bertolt Brecht.

Escrita por Edward Albee (1928-2016) no início da década de 90, ‘Três Mulheres Altas’ logo se tornou um clássico da dramaturgia contemporânea. Perversamente engraçada – como é a marca do autor –, a peça recebeu o Prêmio Pulitzer e ganhou bem-sucedidas montagens pelo mundo, ao trazer o embate de três mulheres em diferentes fases da vida: juventude, maturidade e velhice.Dirigida por Fernando Philbert, a nova versão da peça traz no elenco Suely Franco, Deborah Evelyn e Nathalia Dill, tem tradução de Gustavo Pinheiro e produção da WB Produções, de Bruna Dornellas e Wesley Telles.Em cena, as atrizes interpretam três mulheres batizadas pelo autor apenas pelas letras A, B e C. A mais velha (Suely Franco), que já passou dos 90, está doente e embaralha memórias e acontecimentos, enquanto repassa a sua vida para a personagem B (Deborah Evelyn), apresentada como uma espécie de cuidadora ou dama de companhia. A mais jovem, C (Nathalia Dill), é uma advogada responsável por administrar os bens e recursos da idosa, que não consegue mais lidar com as questões financeiras e burocráticas.Entre os muitos embates travados pelas três, a grande protagonista do espetáculo é a passagem do tempo e também a forma com que lidamos com o envelhecimento. ‘O texto do Albee nos faz refletir sobre ‘qual é a melhor fase da vida?’, além de questões sobre o olhar da juventude para a velhice, sobre a pessoa de 50 anos que também já acha que sabe tudo e, fundamentalmente, sobre o que nós fazemos com o tempo que nos resta. Apesar dos temas profundos, a peça é uma comédia em que rimos de nós mesmos’, analisa o diretor Fernando Philbert.

Um clássico da comédia dos anos 90, o filme “Uma Babá Quase Perfeita” conquistou gerações de fãs e transformou-se, em 2021, em um musical da Broadway, reafirmando a atemporalidade da obra e o Brasil ganha uma versão do musical, estrelada por Eduardo Sterblitch e dirigida por Tadeu Aguiar. A história de “Uma Babá Quase Perfeita” gira em torno de Daniel Hillard (Eduardo Sterblitch), um ator desempregado que fará qualquer coisa por seus filhos. Após um divórcio conturbado, Daniel encontra uma solução para não ficar longe dos seus filhos, disfarçando-se de Euphegenia Doubtfire, uma senhora idosa perfeita para ser babá das crianças. Enquanto cuida das crianças, ele aprende importantes lições sobre paternidade e responsabilidade.Em seu segundo musical, Eduardo Sterblitch dará vida à famosa Babá. O artista multifacetado estará ao lado de Thais Piza, responsável por dar vida à ex-esposa Miranda, Lara Suleiman no papel da filha mais velha Lydia Hillard, Bernardo Destri como Christopher e Bibi Valverde como a pequena Natalie. O elenco conta ainda com outros 20 talentos dos palcos e poderá sofrer eventuais alterações sem prévio aviso. Vitor Martinez assina a maquiagem de efeito e a perucaria fica por conta de Feliciano San Román. O musical conta com música e letras de Karey e Wayne Kirkpatrick, e texto de Karey Kirkpatrick e John O'Farrell.

A distopia criada por Nelson Baskerville a partir da tragédia carioca de Nelson Rodrigues ressurge como um espelho cruel das hipocrisias brasileiras, amplificadas pelo recente avanço da extrema direita. Edgard, um homem marcado pela miséria apesar de anos de dedicação ao patrão Werneck, recebe uma proposta tentadora: casar-se com Maria Cecília, jovem rica e "bonitinha" , mas envolta em um passado controverso. O dilema entre dinheiro e moralidade o arrasta por um universo de desejos reprimidos, traições e valores distorcidos.

Apaixonado pela funcionária de uma pet shop, Rocky Balboa é um boxeador talentoso, mas com resultados irregulares, que ganha a vida cobrando dívidas para um agiota. Por conta de um golpe de sorte (e marketing), ele é desafiado pelo campeão dos pesos-pesados. O azarão treina, corre pelas ruas da Filadélfia e vira popstar da noite para o dia.

Texto de Duca Rachid e José Eduardo Vendramini. Direção de Georgette Fadel e Luaa Gabanini.Celebrando uma década desde a estreia de ‘Cartas Libanesas’, o novo espetáculo apresenta uma perspectiva inédita dessa história. A libanesa Adibe, uma camponesa grávida do primeiro filho, fica em sua aldeia no Líbano à espera do marido Miguel, um mascate libanês que foge da 1ª Guerra imigrando para Brasil com o intuito de prosperar e sustentar a família. Numa contínua troca de cartas, dividem anseios, descobertas e dores na expectativa de um possível reencontro futuro.

Gregorio Duvivier tem na língua portuguesa não somente uma pátria mas uma obsessão. Afinal a palavra é uma fonte inesgotável de humor, desde os primórdios. No Princípio era o Verbo, disse Deus. E logo em seguida vieram os erros de concordância. O mesmo Deus disse: Faça-se a Luz. Mas disse pra quem? E por que? Disse porque a palavra inaugura um mundo. Daí o termo o Céu da Língua: foi a língua, afinal, que nos pariu. Nos pariu como povo, mas também como humanidade.O espetáculo mistura Stand Up Comedy com poesia falada e uma dramaturgia que costura tudo. Stand up poetry? Linguistic comedy? Como preferir. Gregorio prefere na nossa língua: Comédia Poética. Dirigido pela atriz Luciana Paes, Gregorio descobre o poder da fala e nos lembra que o homem, nada mais é do que um macaco que fala – e todas as outras diferenças derivam disso.

“Pra Você Lembrar de Mim” narra a transformação da relação entre pai, diagnosticado com a Doença de Alzheimer (DA) precoce, e filha, mostrando aos poucos a inversão dos papéis de cuidado e cuidador.

Com dramaturgia do uruguaio Sergio Blanco e direção de Victor Garcia Peralta, a peça é uma autoficção que acompanha os encontros entre um jovem parricida e um dramaturgo interessado em escrever a história do crime.Inspirado no mito do Édipo e na vida de São Martinho de Tours, santo europeu do século IV, o espetáculo também revisita textos que abordam o tema da paternidade, como “Os Irmãos Karamazov”, de Dostoievski; “Um Parricida”, de Maupassant; e “Dostoievski e o Parricídio”, de Freud. O cenário reproduz a quadra de basquete de uma prisão, onde ocorrem os encontros quase documentais entre os dois personagens, duas pessoas de mundos completamente distintos. Começa, então, uma peça dentro da peça, com Robson Torinni na pele tanto do jovem assassino quanto do ator que o representa. Com esse jogo de metalinguagem, a peça propõe uma reflexão sobre construção da dramaturgia, o universo teatral e os limites entre ficção e realidade.

O drama de um casal em crise é retratado no espetáculo Finlândia, que faz nova temporada no Teatro UOL. A bem-sucedida montagem brasileira tem direção de Pedro Granato e é interpretada pelo casal Paula Cohen e Jiddu Pinheiro, que também assinam a tradução.A peça do francês Pascal Rambert estreou em 2022 em Madri, na Espanha, e, desde então, ganhou montagens de sucesso em Paris (França), Montevidéu (Uruguai), Cidade do México (México) e Santo Domingo (República Dominicana).Finlândia nos coloca em um quarto de hotel em Helsinque, junto com o casal de atores Paula e Jiddu, que está em processo de separação e tenta estabelecer um diálogo sobre o futuro de seu relacionamento. A peça emerge das complexidades e desafios emocionais enfrentados por esse casal em crise, que ainda precisa encontrar um consenso sobre a criação e guarda da sua filha pequena.E, nesse duelo de linguagem entre dois mundos aparentemente inconciliáveis, um espelho reflete o momento que vivemos, uma estrutura de padrões opressivos que está por ruir, um mundo em desconstrução que aponta novos caminhos. E, por consequência, junto com a mudança vem os conflitos, as quebras e as resistências.

Uma entrevista com a plateia dá origem ao inteiramente improvisado espetáculo Portátil. Com os poucos dados que a pessoa escolhida fornece aos atores, além de uma trilha sonora composta no momento, o elenco cria uma narrativa própria que percorre as memórias do entrevistado. No final, o resultado é uma apresentação orgânica, diversificada, que passeia por diversos personagens, épocas e lugares, a fim de contar a história de uma pessoa.

O Papel de Parede Amarelo e Eu é uma adaptação contemporânea de uma obra pioneira de 1892, que até hoje ressoa profundamente ao confrontar as complexas relações de poder entre homens e mulheres. A história se desenrola através dos olhos de uma mulher diagnosticada com depressão e histeria, forçada por seu marido, um médico, a se isolar em uma casa para evitar qualquer esforço físico ou mental. Durante esse isolamento, ela desenvolve uma obsessão com o papel de parede amarelo de seu quarto, um símbolo de sua crescente confusão mental e angústia.A obra revela não apenas as tensões psicológicas da protagonista, mas também o contexto social que limita sua liberdade e identidade, desafiando as normas da época sobre o papel da mulher. Ao mesmo tempo, a peça expõe, com uma linguagem poética moderna e realista, a luta interna dessa mulher, refletindo sobre as questões de gênero e o poder nas relações maritais.A História mantém uma profunda atualidade ao refletir sobre os desafios enfrentados pelas mulheres e o avanço de suas lutas. Um espetáculo de forte simbolismo, que ilumina os dramas pessoais e o triunfo artístico sobre as adversidades.

A comédia conta a história de Alex, um fanfarrão convicto e incorrigível, casado com Bruna, uma dona de casa bonita e inteligente, que vive solitária. Numa de suas farras, Alex acaba sofrendo um acidente deixando viúva a bela esposa. Após a morte dele, a jovem viúva será disputada por Nico, um mauricinho convicto, e por Paulo , melhor amigo de Alex. Para impedir que ela se case com seu desafeto, o morto volta à Terra e pede ajuda a seu melhor amigo. Assim se desenrola uma trama de confusões hilariantes, cheia de surpresas.

Dois ícones da dramaturgia. De um lado, a lendária Lady Macbeth, personagem imortal de William Shakespeare. Do outro, uma das mais importantes atrizes brasileiras, Susana Vieira. “Lady” promove indiretamente esse encontro, mas não para reencenar a tragédia do autor inglês. Ao contrário, o monólogo inédito de Vana Medeiros é uma viagem bem-humorada, feminina, leve e contemporânea. Um texto moderno escrito especialmente para o humor e o talento de Susana, que desejava retornaraos palcos com uma comédia inteligente e de grande comunicação com o público.

Dois irmãos se reencontram no velório do pai, depois de vinte e cinco anos sem se ver.Enquanto o mais velho foi obrigado a ceder suas paixões e ambições para cuidar da família, o irmão mais novo desbravou o mundo e hoje é um premiado fotojornalista.O reencontro é tenso, carregado de ressentimentos e mágoas. Enquanto o irmão mais velho acusa o mais novo de fugir de suas responsabilidades, o irmão mais novo o acusa de ser cúmplice dos erros cometidos pelo pai. Momentos de descontração surgem durante o reencontro, através das lembranças de histórias passadas, entre risadas e olhares cúmplices a conexão fraterna surge durante o acerto de contas.Uma revelação do passado muda totalmente o ponto de vista dos irmãos, que precisam revisitar suas intimidades para dialogar.

Desde a sua estreia em Londres, em 2022, ‘Prima Facie’ seguiu uma trajetória meteórica. Escrito por Suzie Miller, o texto ganhou dezenas de montagens ao redor do mundo, conquistou a Broadway e o West End inglês, virou objeto de disputa entre produtores e inspirou debates e esforços para mudar algumas leis britânicas. Com Débora Falabella em seu primeiro solo teatral, sob direção de Yara de Novaes, a montagem estreou em abril de 2024 no Rio de Janeiro e se tornou em um fenômeno de público. Após uma temporada em São Paulo no Teatro Vivo, a peça segue em cartaz no palco do Teatro da Faap. Em cena, Débora vive a bem-sucedida advogada Tessa, que tem acusados de violência sexual entre seus clientes. Vinda de uma família pobre, ela batalhou e venceu no complexo mundo da advocacia. Ao mesmo tempo em que experimenta o sucesso, ela precisa encarar uma crise que a obriga a rever uma série de valores e princípios, além de refletir sobre o sistema judicial, a condição feminina e as relações conturbadas entre diversas esferas de poder.

O musical estrelado por Miguel Falabella é uma versão brasileira do espetáculo de sucesso da Broadway, que conta com músicas e letras de Stephen Sondheim. “Uma coisa engraçada aconteceu a caminho do Fórum” é um musical ambientado na Roma Antiga, inspirado nas comédias farsescas de Plauto. Combinando humor clássico e elementos de vaudeville, a história acompanha Pseudolus, um escravo astuto determinado a conquistar sua liberdade. Para isso, ele promete ajudar seu jovem amo, Hero, a conquistar Philia, uma virgem prometida ao arrogante soldado Miles Gloriosus.Philia vive sob a tutela do comerciante de escravos Marcus Lycus, que vendeu seus serviços a Miles Gloriosus, complicando o plano de Pseudolus. A trama também envolve os patrões de Pseudolus: Senex, um homem mais velho com tendências amorosas, e sua esposa dominadora, Domina. Além disso, o escravo-chefe da casa, Hysterium, é frequentemente arrastado para as confusões, geralmente contra sua vontade.O enredo é marcado por eventos cômicos, como trocadilhos, disfarces, identidades trocadas e mal-entendidos.

Tom Jobim Musical é uma montagem emocionante que retrata a vida e o legado do maior artista popular do Brasil. Viajamos desde a icônica praia de Ipanema nos anos 1950 até suas conquistas internacionais em Nova York, onde ele difundiu a Bossa Nova para o mundo. O musical enaltece sua importância na cultura musical do país e desperta o orgulho de ser brasileiro. Amado por sua música, inteligência e humor, Tom Jobim mostrou ao mundo o melhor do Brasil.A superprodução conta com 27 atores e 13 músicos, texto de Nelson Motta e Pedro Brício, direção de João Fonseca e direção musical de Thiago Gimenes.

“ÂNIMA” é uma história sobre mulheres que mudaram o curso da história da humanidade contada por uma tecelã. Ela entrelaça os fios da vida em busca de sua ancestralidade feminina dando voz a mulheres idealistas e pensadoras, como: Joana d'Arc, Hipátia de Alexandria, Marguerite Porete, Helena Blavatsky, Harrite Tubman e Simone Weil. Cada fio conta uma história, que escrito nas estrelas, ecoa através dos séculos.

Raul Seixas, o Musical mergulha na essência de um dos artistas mais autênticos da nossa música. A peça se desenrola durante uma noite insone, onde Raul revisita sua história, compõe, reflete sobre sua arte e questiona os rumos do Brasil. Com um tom confessional e emocionalmente intenso, o espetáculo nos conduz pelos bastidores da mente inquieta do artista, revelando seus pensamentos sobre a liberdade, a arte e a sociedade.Ao longo da apresentação, 21 canções ganham vida no palco, incluindo clássicos como Eu Nasci Há Dez Mil Anos Atrás, Maluco Beleza, Tente Outra Vez e Gita.

Uma grande cidade é um tecido de sonhos, frustrações, desejos, possibilidades, dúvidas, convívios e solidões. Milhões de solidões entrecruzadas. Sem dormir, sem parar. Mas e se decidirmos parar para ver? “Avenida Paulista, da Consolação ao Paraíso”, a peça inédita, é um retrato volante da inquietude da principal avenida de São Paulo, sua história, seu presente, suas ausências.

A história é de Cady Heron, uma adolescente que se muda para os Estados Unidos após viver na África com seus pais. Ela entra em uma nova escola e é acolhida por Janis e Damian, que a apresentam a uma nova estrutura social (high school). Por sugestão de Janis, Cady se envolve com o grupo popular de Karen, Gretchen e liderado por Regina George, mas logo percebe que elas são cruéis e manipuladoras. Cady então resolve fazê-las provarem do próprio veneno. O musical aborda temas como amizade, sororidade, aceitação e as pressões sociais enfrentadas pelos adolescentes de forma realista e muito engraçada.