O espetáculo é inspirado na trajetória de Niède Guidon, na arte rupestre da Serra da Capivara e e nas muitas camadas – humanas, naturais e históricas – que tornam esse território tão complexo. O espetáculo encerra a trilogia dedicada à primeira infância pela 2 Mililitros Cia Teatral, integrando os espetáculos “Pororoca” e “Os Céus e Suas Histórias” em que a natureza é tomada como ponto de partida para refletir sobre nossa relação com o mundo.

O espetáculo narra a história de Jeffinho, um menino muito talentoso que adora fazer rimas e passinhos. Ele mora em uma comunidade que faz divisa através de uma RUA com um dos bairros mais ricos da cidade.Um dia, brincando, ele conhece Lucas, um garoto da mesma idade e que mora do lado de lá. Apesar das diferenças, eles se tornarão amigos e viverão, juntos, descobertas boas e ruins sobre o mundo e a sociedade. Com muita música, dança, aprendizado e diversão, a história fala sobre oportunidades, sonhos e amizade.

Ciranda das Flores convida o público para um encontro dentro de um jardim encantado. A peça acompanha uma Florista (Helena Ritto) e um Lenhador (Jonathan Faria), colegas que nutrem um amor silencioso um pelo outro — um sentimento que ambos têm dificuldade de expressar. Com canções tradicionais, o espetáculo costura narrativas populares: a do Alecrim e o Botão de Rosa e a divertida briga entre o Cravo e a Rosa.

A parceria entre Simoninha e a OSH vem de longa data e já rendeu muitos encontros emocionantes. A Orquestra tem como uma de suas marcas a versatilidade musical, unindo o erudito e o popular em um repertório que dialoga com diferentes públicos. Nas versões apresentadas no palco dessa série o público pode aproveitar versões orquestradas e cheias de emoção de músicas que marcaram época.

Após o sucesso da celebração de 10 anos da gravadora, Gui Boratto retorna ao topo do Edifício Martinelli. Desta vez, para o lançamento da compilação: "DOC Magnum Vol. II"Com mais de 20 faixas inéditas selecionadas por ele, o DOC Magnum Vol. II ganha vida em uma tarde exclusiva de DJ sets e performances ao vivo com os artistas presentes na compilação.

Velejando o Barco Mundo e guiados pela Árvore Ancestral, a Onça-Pintada, o Macaco-Prego e a Perereca-Usina buscam a Máquina do Lucro que destruiu a floresta onde moravam. No trajeto, os animais passam por diversas aventuras e desafios, como o mar de lama, a seca e o rio poluído, e encontram mais um aliado, o Cachorro-Caramelo, que conhece bem a cidade. Com a ajuda do público, os animais cantam e dançam para suspender o céu, reunindo forças para enfrentar os Acionistas da Corporação e sua Máquina do Lucro.

Jogo da Cena é um espetáculo de comédia improvisada que reúne artistas experientes do humor para brincar em cena, criar histórias do nada e se colocar em jogo diante do público. Tudo acontece ao vivo e sem roteiro.Em cena, Ian Soffredini convida alguns dos melhores improvisadores da cidade, formando elencos diferentes a cada apresentação, sempre acompanhados por um músico improvisador. A proposta é simples: reunir gente muito boa de humor para jogar junto, correr riscos e se divertir em cena.

No monólogo, Clodovil expõe pensamentos e episódios marcantes de sua trajetória, revelando as origens de suas inspirações criativas e revisitando mais de 40 anos de vida pública. Moda, televisão, amizades, família, seu único amor e a experiência como deputado federal se entrelaçam ao relato íntimo de uma infância e adolescência difíceis, marcadas pela solidão. Sem filtros, o personagem compartilha lembranças duras e explica os motivos que o levaram a ser uma criança introspectiva e sem amigos.

Quem se lembra do próprio nascimento? Ninguém. Mas eu me lembro do meu. Lembro em todos os detalhes: do meu nascimento e da minha infância. E posso garantir: eu era muito mais feliz antes de nascer. Vida boa era a minha quando eu estava guardado ainda dentro da minha mãe. Silêncio, sossego e serviço de quarto. Aqui fora há barulho, bagunça, bando de ladrões. Eu me sinto exilado no mundo. Mas se viver não tem remédio, temos ao menos o consolo da comédia.

Em cena, quatro mulheres contam histórias que atravessam o horror, a violência, o amor e a obsessão, dentro de uma casa sombria, distorcida do lar que um dia já foi. Na dramaturgia, Amanda e Juuar procuram refletir sobre o que aconteceria no imaginário coletivo se as histórias contadas fossem de mulheres que respondem à violência, com desejos violentos intrínsecos e viscerais, em vez de sofrer.Interpretadas pelas atrizes Carlota Joaquina, Monalisa Silva, Stella Rabello e, ainda, Amanda Lyra, as personagens desafiam o arquétipo feminino da fragilidade e de mulheres suscetíveis à violência, abusos e assassinatos. Ao contrário, vão até as últimas consequências do desejo, provocando sensações ao mesmo tempo de assombro e atração. Elas se sentem livres para existir fora do que seria o campo de desejo prescrito e aceito socialmente.

LAS NEURONAS explora como corpo, atenção, ação coletiva e dispositivos moldam nossa percepção da realidade e nossa experiência cotidiana. Entre o cômico e o poético, a montagem provoca o público a refletir sobre consciência, percepção e sobre nossa relação com os dispositivos tecnológicos. Com participação do público, experimentos científicos são recriados de forma bem-humorada. Dados científicos se conectam às vivências das artistas e espectadores, dialogando com dinâmicas de grupos humanos, florestas e animais. A peça é um convite à escuta e observação ativa e nos desafia a tomar posse de nossa mente e corpo.

Vivência sensorial lúdica para primeira infância. A palavra “Arrobôi” vem a partir da sonoridade afro-brasileira, evocando ritmo, alegria e intensidade.Com diferentes estações cromáticas, cada uma dedicada a uma cor do arco-íris. Em cada espaço, materiais naturais e texturas diversas estimulam os sentidos das crianças. O percurso é livre e circular, possibilitando que as crianças transitem entre as cores conforme seus desejos e curiosidade.

Voltar, buscar e trazer propõe um ciclo de brincares e vivências inspiradas em saberes afroindigenas e voltadas para bebês de 0 a 3 anos e suas pessoas cuidadoras. Por meio de vivências sensoriais como preparo de banhos de ervas, uso do sling, pintura com urucum, criação em cabaças e práticas de cuidado, o projeto fortalece vínculos, valoriza a primeira infância e reconhece o corpo como espaço de aprendizagem. As vivências promovem troca intergeracional, presença e acolhimento, integrando natureza, ancestralidade e convivência. Assim, cada encontro transforma gestos simples em experiências significativas, capazes de nutrir relações e ampliar repertórios de cuidado e criação.

Vivência realizada na instalação de brinquedos naturalizados, espaço destinado ao movimento, interação e brincadeiras, com a mediação de pessoas educadoras dedicadas a provocar desafios ao propor às crianças reconhecer em si novas habilidades e possibilidades de movimento.

Inspirada no processo criativo do espetáculo “Rupestre – o que a terra conta”, esta vivência propõe uma imersão sensorial em torno da ideia de escavação e descoberta. O espaço é transformado em diferentes paisagens onde bebês e suas pessoas cuidadoras são convidadas a explorar como verdadeiros arqueólogos do brincar.A experiência convida o público a tocar, cheirar, mover e reorganizar o ambiente, encontrando pequenos tesouros. O gesto de colecionar – tão presente nas brincadeiras da primeira infância – é aqui entendido como pesquisa poética das materialidades e suas histórias.

PARLENDÔ – Eu e Você e Todo Mundo é um show musical cênico voltado a crianças e famílias que convida o público a embarcar em uma viagem sonora guiada por canções autorais e pela interação entre música e cena. No palco, instrumentos, vozes, adereços e ações cênicas constroem um ambiente lúdico que estimula a escuta, a imaginação e a participação do público. As canções acompanham a trajetória de viajantes em busca do desconhecido. Entre dúvidas e descobertas, o percurso se transforma em poesia e abre espaço para temas presentes no universo das infâncias, como diversidade, o livre brincar, sentimentos como saudade, medo e coragem, a preservação da natureza, a alimentação saudável e a força da criatividade.

É hora do almoço no Sanatório Boa Cabeça! Três supostos loucos sentam-se à mesa, porém não há nada para comer ou beber. Sedentos e famintos, os amigos inventam uma deliciosa “viagem” em busca de comida, que os levará para áridos desertos, para o fundo do mar e para longínquos planetas. Incríveis personagens e cenários, feitos de guardanapos, bacias, copos, garrafas pet, sacolas plásticas, talheres e pratos os acompanharão por suas aventuras. Nossos amigos atestam que “brincar ainda é o melhor remédio” para tudo. Eles transformam o que seria um sanatório em um... SONHATÓRIO!

Uma paródia de Dario Fo que brinca com nosso cotidiano, sonhos e preconceitos. Num espaço de proximidade, ator e espectadores empreenderão um flashback alegórico aos primeiros anos da vida de Cristo. Roberto Birindelli interpreta 22 personagens nesta obra-prima do autor italiano.

Nesta nova versão da vida da camponesa Bernadette Soubirous, o espetáculo mergulha com sensibilidade nas visões que marcaram sua existência e transformaram Lourdes. Mais do que relatar milagres, a peça revela a jornada íntima de uma jovem de fé pura, enfrentando dúvidas, pressões e descobertas. Com dramaturgia original e cenas emocionantes, A Visão de Bernadette oferece uma experiência profunda, espiritual e humana, iluminando a história da menina que enxergou o invisível.

A MOSTRA 20 ANOS RT FEATURES celebra as duas décadas da produtora brasileira comandada por Rodrigo Teixeira e reconhecida globalmente por sua dedicação a filmes autorais que ganharam destaque nos principais festivais de cinema do mundo.A programação conta com títulos que ajudam a mapear a trajetória da produtora. Dentre eles, obras marcantes do cinema nacional, como ALEMÃO, de José Eduardo Belmonte; O CHEIRO DO RALO, de Heitor Dhalia, e O ANIMAL CORDIAL, de Gabriela Amaral Almeida. Estarão presentes também filmes que fizeram a RT atravessar gêneros e fronteiras, como FRANCES HA, de Noah Baumbach; CALL ME BY YOUR NAME, de Luca Guadagnino; THE LIGHTHOUSE, de Robert Eggers; TARDE PARA MORRER JOVEM, de Dominga Sotomayor Castillo, e o recente KONTINENTAL’25, de Radu Jude.

A mostra Para gostar de cinema apresenta uma seleção de filmes pensada como um percurso aberto pela história do cinema. Em vez de seguir uma linha cronológica, a programação propõe um trajeto em zigue-zague, revelando diferentes caminhos e possibilidades de encontro com as imagens.A proposta da mostra é estimular o interesse e o encantamento pelo cinema, aproximando o público da experiência da sala de exibição e da relação entre cinema e vida. Para isso, cada filme exibido conta também com comentários produzidos pela equipe do CINUSP, formada por estudantes de diferentes cursos da universidade.Ao reunir obras diversas e incentivar novas leituras sobre elas, a mostra destaca o cinema como uma arte de descoberta, capaz de multiplicar mundos e provocar reflexões sensoriais, culturais e políticas a partir da experiência coletiva de assistir a um filme.

A mostra Para gostar de cinema apresenta uma seleção de filmes pensada como um percurso aberto pela história do cinema. Em vez de seguir uma linha cronológica, a programação propõe um trajeto em zigue-zague, revelando diferentes caminhos e possibilidades de encontro com as imagens.A proposta da mostra é estimular o interesse e o encantamento pelo cinema, aproximando o público da experiência da sala de exibição e da relação entre cinema e vida. Para isso, cada filme exibido conta também com comentários produzidos pela equipe do CINUSP, formada por estudantes de diferentes cursos da universidade.Ao reunir obras diversas e incentivar novas leituras sobre elas, a mostra destaca o cinema como uma arte de descoberta, capaz de multiplicar mundos e provocar reflexões sensoriais, culturais e políticas a partir da experiência coletiva de assistir a um filme.

A Fundação Stickel, em parceria com o MIS, apresenta a exposição “Stickel Poster Contest 3 – O Cartaz em Cartaz”, resultado da terceira edição do concurso anual de cartazes promovido pela instituição. Idealizado para valorizar o cartaz como forma de expressão artística, cultural e comunicacional, o concurso contou com a curadoria de Rico Lins e direção artística de Fernando Stickel, presidente da Fundação Stickel desde 2004. A exposição apresenta ao público a pluralidade de linguagens e abordagens do cartaz contemporâneo, da experimentação gráfica à reflexão crítica sobre formas e conteúdos visuais e reafirma o compromisso da Fundação Stickel com a difusão de práticas e saberes no campo do design gráfico. Além da mostra, será lançado o catálogo oficial do concurso, consolidando o registro desta edição.

Após encerrar a turnê internacional do álbum "Me Chama de Gato Que Eu Sou Sua", Ana Frango Elétrico retorna aos palcos com um novo espetáculo que reúne faixas de seus três álbuns, versões de sua discografia e músicas inéditas. Artista com múltiplos prêmios, Ana atua também nas áreas de produção musical, escrita e performance, consolidando-se como um dos nomes mais inventivos da música brasileira contemporânea.

A peça é um exercício sensorial delicado que encanta bebês e adultos. Apresenta o ciclo da vida da artista plástica Tomie Ohtake. Primeiro, nascimento, crescimento, desenvolvimento e envelhecimento de Tomie, viajando pelo universo de cores, formas, sons, músicas e gestos do Japão. Depois, é revelado o contato da artista com as cores, formas e cultura brasileira.

Laurinha brinca de criar filmes em um antigo cinema desativado de seu bairro, quando percebe que esse cinema e grande parte de sua vizinhança foi vendida para os Srs Compasso e Descompassado. Laurinha conhece um personagem que atravessou os tempos, o Lanterninha, e juntos criam um filme para evitar que todos os antigos moradores do bairro tenham que mudar de suas casas.

O espetáculo infantil Alice no País das Maravilhas, escrito e dirigido por Leandro Mariz, apresenta a jornada de uma garota sonhadora em busca de um mundo de aventuras e descobertas, onde tudo pode acontecer. Misturando fantasia, humor e personagens icônicos, a peça celebra a força da imaginação e mostra como crescer também pode ser aprender a olhar de modo diferente para o mundo.

Tendo cometido filicídio, uma mulher, Medea, avança a bordo de Marus, uma especial embarcação, rumo à sua terra de origem, Yewá. Uma navegação que é também uma jornada de revista sobre sua condição de mulher oprimida pelo desleal conquistador Nassár. Nesse retorno à gênese, Medea acaba também por evocar um coro de mulheres barqueiras, as Marinhas, vozes que com ela viajam, fortalecem o coletivo para a luta e preparam-na para a reconciliação com Hélsius, o acendedor de Sóis, seu avô, em busca de um mundo reinventado.

O projeto propõe uma ação cultural em torno do lançamento do livro *Pedra da Sabedoria*, de Donaldo Buchweitz e Filipe Macedo, com ilustrações de Leandro Mendes, no Centro Cultural São Paulo. A iniciativa busca ampliar o acesso à literatura infantil contemporânea e incentivar a leitura desde a infância, abordando temas como aprendizagem, diversidade, inclusão e neurodivergência de forma sensível e acessível.A obra apresenta um universo simbólico em que o conhecimento é vivido como experiência afetiva e coletiva, destacando a personagem Lorena, que enfrenta dificuldades de aprendizagem. O lançamento inclui atividade musical e promove o encontro entre crianças, famílias e educadores.

A montagem dirigida por Maria Alencar, com dramaturgia de Luane Sato é um convite à suspensão do tempo e ao ato de brincar e imaginar, a partir do encontro entre uma onça e uma criança que juntas precisam desvendar um mistério.De um lado do rio, uma onça acorda no meio da noite sentindo uma coceira estranha no peito. Inquieta, procura a Velha Ventania - aquela que tece o tempo. Do outro lado do rio mora uma criança que acorda no meio da noite porque seu coração treme. A Dona Onça e a Velha Ventania escutaram o coração da criança e terão que atravessar o rio.

O QG Animal é uma celebração da infância e da imaginação. Levamos a magia das brincadeiras tradicionais, música e dança, resgatando valores essenciais enquanto diverte. Os nossos personagens: Léo Leão, Dipelúcia, Lala e Toupeira, os quatro heróis vão invadir a sua casa com muita diversão e alegria. E proporcionar entretenimento e muita alegria para brincar em família e entre amigos.

Idealizado por 6 mulheres que tem como base musical o samba e o pagode raiz. Mulheres com histórias e vivências, similares, amigas e parceiras musicais em diversos projetos paralelos, fizeram de um desejo, a concretização de um projeto, que não só se empodera em um universo machista, mas que também ressignifica a história individual de cada uma com o samba.Essa união deu ao Preta Batuque, o ímpeto latente de estarem juntas e tocando grandes sucessos da MPB (Música Preta Brasileira). O projeto é uma celebração da negritude, do feminino, da ancestralidade, da existência, do respeito aqueles que nos deram a missão de continuar ressoando a força do samba em suas diversas vertentes.

Fábio Porchat apresenta seu espetáculo de stand-up "HISTÓRIAS DO PORCHAT", trazendo consigo pelo quarto ano consecutivo um repertório de narrativas que prometem arrancar risadas incontroláveis da plateia pelo Brasil e pelo mundo. Ao longo de suas inúmeras viagens, Fábio acumulou experiências únicas, desde encontros com gorilas em safáris africanos até situações hilárias como uma massagem quase erótica na Índia e uma improvável dor de barriga no Nepal. Essas vivências se transformam em combustível para uma apresentação cheia de humor e descontração.

Quando a identidade de um cadáver torna-se a única solução para a subsistência de outro homem é sinal de que algumas sociedades precisam se reinventar. Com sensibilidade, afeto e bom humor, a peça expõe os efeitos da opressão e a luta por dignidade de um homem negro dentro de um sistema que ignora o direito de simplesmente existir.

Em Baixa Sociedade, o público acompanha Otávio, um homem disposto a tudo para mudar de vida — mentir, fingir, inventar — acreditando que o sucesso depende apenas da aparência certa. A partir dessa trama, Juca de Oliveira constrói um retrato divertido e incômodo do brasileiro contemporâneo: aquele que sonha em subir, mas não percebe que o chão ainda está por fazer. Com humor afiado, “Baixa Sociedade” marca o encontro de dois grandes nomes da cena brasileira — e promete fazer o público rir, pensar e se reconhecer.

A história retrata João, que, já velho e inválido, recorda sua intensa e tumultuada relação com Teresa, um amor quase extremista e doentio, marcado pela impossibilidade de alcançar a perfeição e por um suicídio simulado de Teresa que João só descobre anos depois.

“Meu Remédio” escrita, produzida e estrelada por Mouhamed Harfouch, com direção de João Fonseca, a montagem chega à segunda temporada paulista fortalecida por um ano praticamente inteiro em cartaz e pelo reconhecimento da crítica, do público e de premiações importantes. Com personagens que simbolizam figuras marcantes das duas primeiras décadas de sua vida, costurada a uma trilha cantada e tocada ao vivo, “Meu Remédio” convida o público a refletir sobre a relação com as próprias origens, partindo do íntimo para alcançar o coletivo. O espetáculo, que se consolidou como um dos solos mais bem-sucedidos do ciclo recente, evidencia como cada história pessoal é atravessada por escolhas, afetos e camadas que moldam quem somos, emocionando plateias ao tratar de identidade, pertencimento e autoconhecimento. A nova temporada aprofunda esse percurso, ressaltando que, muitas vezes, o maior remédio é aceitar quem se é.

Inspirado nos elementos da natureza, o espetáculo conduzido por Fabiana Godoy e Luan Carbonari convida o público a criar imagens singulares e a mergulhar em um universo de sensações. Voltado à imaginação dos bebês e das crianças, o projeto apresenta de forma lúdica e sensorial temas que fazem parte do seu cotidiano.Mais do que um espetáculo, é uma experiência de aprendizagem, partilha e encontro entre bebês, crianças e famílias — uma delicada porta de entrada para o mundo da arte. Este não é um projeto para ser apenas assistido, mas vivenciado: uma experiência divertida, sensorial e profundamente respeitosa às necessidades do público infantil.

Orquestra Experimental de Repertório e Coro Lírico Municipal se unem em um grande programa dedicado a Richard Wagner.Sob a regência de Wagner Polistchuk e preparação coral de Hernán Sánchez Arteaga, o concerto percorre momentos marcantes da obra wagneriana.No repertório, trechos de Lohengrin, Tristão e Isolda, Navio Fantasma, Crepúsculo dos Deuses, As Valquírias e Tannhäuser.

Para celebrar seus 80 anos de vida e 60 de carreira, a atriz Ana Lúcia Torre divide com o público memórias e reflexões em um espetáculo que fala letras de diversas músicas de Chico Buarque, com participação do pianista Diógenes Junior. Quem assiste se identifica totalmente com os temas que compõem a narrativa, como arte, amores, separações, maternidade, resistência, sociedade e o tempo. Letras de clássicos como Meu Guri, Beatriz, Geni e o Zepelim, Valsinha, Atrás da Porta e Olhos nos Olhos, entre muitas outras, compõem o roteiro.

Dois performers cruzam experiências pessoais sobre o impacto das ações afirmativas em diversos âmbitos da educação formal no Brasil. Usando elementos de sala de aula e explorando a linguagem da contação de histórias, trazem de forma épica um diálogo entre os alunos que foram e os professores e artistas que são, refletindo sobre os impactos do racismo estrutural na formação escolar. Em uma breve retrospectiva, investigam temas como a implementação da política de cotas, a resistência de diversos setores às ações afirmativas e a necessidade de reformas no ambiente escolar. Colocando uma lupa sobre as vivências, somando ao diferentes movimentos de mudança na educação, dividem os questionamentos com o público e como resultado os impactos dessas experiências são dissecados.

O Teatro Santos Augusta traz de volta a comédia Meu Remédio, estrelada por Mouhamed Harfouch, com direção de João Fonseca. Em curtíssima temporada, o espetáculo explora, de forma leve e bem humorada, questões sobre origens, ancestralidade, identidade e o poder transformador da aceitação pessoal. Depois de uma temporada de sucesso no Rio de Janeiro, Meu Remédio estreia em São Paulo, trazendo uma narrativa profundamente pessoal e emotiva, em que Harfouch mergulha na sua história de vida, em um processo criativo íntimo que levou o artista a revisitar sua trajetória, seu nome e sua herança cultural. Assim, o ator, também responsável pelo texto e pela produção, transforma um projeto essencialmente pessoal em uma expressão artística para o grande público, com quem compartilha seus questionamentos e provocações.

Sucesso de público e crítica, o musical Ney Matogrosso – Homem com H, produção da Paris Cultural, retorna a São Paulo para mais uma temporada. O espetáculo tem texto de Emílio Boechat e Marilia Toledo, vencedores do Prêmio Bibi Ferreira por este trabalho. Marilia também divide a direção da peça com Fernanda Chamma, enquanto a direção musical é assinada por Daniel Rocha. No palco, o camaleônico Ney Matogrosso — grande homenageado do musical — é interpretado por Renan Mattos (que venceu os prêmios Bibi Ferreira e DID 2022, além de ter sido indicado ao APCA) – que é acompanhado por mais 16 atores e banda ao vivo composta por 6 músicos.

O que leva um homem pacífico, que sente repulsa por qualquer tipo de violência, que aprendeu a viver evitando conflitos – para não ser alvo da agressividade de outras pessoas – o que leva esse homem a cometer um ato extremamente violento? É a partir dessa pergunta que nasce a escrita de O Motociclista no Globo da Morte. O texto apresenta a história de Antonio, um matemático, um homem racional e sensato que, numa tarde de um dia qualquer, se vê̂ envolvido numa espiral de violência quando almoçava em um bar. É a partir deste fato, que muda a sua vida para sempre, e enquanto conta ao público com riqueza de detalhes o que aconteceu, que Eduardo vai tecendo considerações sobre as diversas formas de violência que resultam da vida em sociedade. E se é possível, aos seres humanos como indivíduos, combater essa violência ou se é inevitável render-se a ela.

Em uma arena que ora é rodeio, ora é o centro de um sítio, personagens se enfrentam à mesa de jantar ou diante de um touro bravio, tentando decifrar um país que “rumina” e “agoniza” em busca do próprio destino. Não se sabe se o que se vê é o retrato de um Brasil cruel e conservador ou uma antiga fábula infantil que ajudou a moldar o imaginário nacional.

Com humor afiado e olhar crítico, em atuação solo de Danielle Winits dirigida por Gerald Thomas, a obra se estabelece como uma reflexão sobre as irracionais contradições humanas, o papel da mulher na sociedade e os dilemas da vida contemporânea. O título sugere uma busca extraterrestre, mas é, na verdade, uma metáfora para a busca de empatia, conexão e sentido no meio da confusão cotidiana da humanidade.Estruturada como um monólogo múltiplo, uma só atriz (Danielle Winits) interpreta diversos personagens e por meio dessas vozes constrói uma narrativa fluida e cômica que atravessa diferentes contextos sociais e históricos. Mais do que uma peça feminista ou de crítica social, é uma reflexão espirituosa e comovente sobre o que nos torna humanos, e sobre os sinais de inteligência (afeto e empatia) que ainda podem ser encontrados entre nós.

Quarenta anos após o início pulsante do Hip-Hop nas ruas de São Paulo, sua batida original ressurge no Sesc 24 de Maio como memória viva e afirmação cultural. A exposição convida o público para uma jornada que devolve à cidade gestos, sons e imagens de uma geração que criou com poucos recursos e máxima potência. Sob curadoria coletiva e com mais de 3 mil peças reunidas de forma inédita, a mostra reconstrói a revolução urbana que transformou inúmeros pontos da cidade em palcos de resistência.A mostra tem idealização e curadoria compartilhada por vozes e testemunhas da cena, como OSGEMEOS, Rooneyoyo O Guardião, KL Jay (DJ histórico dos Racionais MC’s), Thaíde, as pioneiras Sharylaine e Rose MC e o b-boy ALAM Beat.

“Guerra”, palavra temida que escancara o conflito. Sophia usa a palavra na música “Cinema total” - tudo está em guerra. Que guerra é essa? Que mundo é esse? Em último caso a vida sendo uma guerra contra a morte, o monumento fazendo guerra ao tempo, a canção fazendo guerra a desordem do universo. Como grandes guerras, como pequenas guerras, como guerras. - Pra variar estamos em guerra. Não é um eixo temático, é uma provocação, é um anúncio - porque a guerra não é o estado de nada, é preciso declarar guerra.

Marta, uma professora paraense sobrevivente de um atentado escolar, compartilha suas reflexões sobre educação e o seu vínculo com a enigmática professora Belmira. Embaladas por ritmos paraenses, as memórias emergem da relação entre as duas na tentativa de elaboração do trauma vivido.

Um dos expoentes mundiais da percussão experimental, o baterista japonês Ryosuke Kiyasu se apresenta em duas noites na Porta. Cada show apresenta um set único, com convidados especiais nas duas noites.

A exposição Afinidades do Inconsciente, individual de Claudio Dantas, tem curadoria de Sergio Gonçalves. A mostra reúne cerca de 22 pinturas inéditas realizadas em 2025, evidenciando uma pesquisa pictórica desenvolvida ao longo de quase quatro décadas.Os trabalhos exploram territórios entre imaginação, memória e figuração, construindo imagens abertas que transitam entre o real e o onírico. Sem assumir caráter retrospectivo, a exposição destaca permanências e transformações na trajetória do artista, reafirmando sua investigação sobre o imaginário e a liberdade do processo pictórico.

A Estação Motiva Cultural recebe, pela primeira vez no Brasil, o Marcin Wasilewski Trio. Reconhecido como um dos grupos mais consistentes do jazz europeu contemporâneo, o trio polonês construiu ao longo de duas décadas uma trajetória de coesão artística e reconhecimento da crítica.

Realizada em parceria com o ICTP-SAIFR, a programação, que tem como foco promover a ciência fora do ambiente acadêmico, exibe mensalmente um filme seguido de debate com professores de física e outras áreas da ciência. Este mês o filme selecionado é Brilho Eterno de uma Mente sem Lembranças, de Michel Gondry. A sessão será seguida de uma conversa com André Frazão Helene, professor na USP, no Departamento de Fisiologia do Instituto de Biociências.No longa, Joel (Jim Carrey) e Clementine (Kate Winslet) tentaram durante anos fazer o relacionamento dar certo. Desiludida, ela decide literalmente apagar ele das lembranças utilizando uma técnica experimental. Sabendo disso, Joe se prontifica a fazer o mesmo, mas acaba desistindo ao entender que mesmo as memórias ruins são essenciais.

Como Falhar em Público é um laboratório cênico que transforma o erro em matéria-prima de encontro, riso e reflexão. A cada sessão, quinze participantes sobem ao palco para vivenciar jogos de improviso, comunicação e presença, enquanto o restante da plateia acompanha como espectador ativo. Baseado na pedagogia do palhaço, o laboratório atravessa corpo, palavra e vulnerabilidade como caminhos de pertencimento.Não é um espetáculo: é um espaço de risco compartilhado, onde falhar se revela potência, humanidade e arte.

Em 2026, Moacir Santos e John Coltrane completariam 100 anos. O projeto Coisas Supremas, idealizado pelo trombonista Allan Abbadia, celebra o legado desses dois marcos da música do século 20 ao aproximar os álbuns lançados em 1965, Coisas (Moacir Santos) e A Love Supreme (John Coltrane), obras frequentemente apontadas como marcos criativos de seus autores.Com arranjos originais, o espetáculo combina polirritmia afro-brasileira, linguagem jazzística e dimensão espiritual — eixo que conecta os dois discos: em A Love Supreme, Coltrane explicita uma devoção que ajudaria a definir o spiritual jazz; em Coisas, Moacir articula a vertente musical de matriz afro-brasileira, a escrita camerística e a invenção harmônica, tornando-se referência para o samba-jazz.

O espetáculo de Victor Kroner convida o público a mergulhar em músicas autorais e releituras, compostas por camadas de sutis de violão, guitarra, violoncelo e percussão. Em diálogo com a música, paisagens visuais se desdobram como extensões do som, indicando ao espectador a se perder — não em narrativa linear, mas em sensação.“Entrepulso” é um convite à introspecção: um concerto onde som, imagem e silêncio união do mesmo peso.

A exposição coletiva A MONTANHA, reúne obras de 10 artistas brasileiros contemporâneos: Aominê, Augusto Portella, Diana Motta, Luiz Gallina Neto, Moisés Patrício, Renan Andrade, Eduardo Nazarian, R.Trompaz, Samara Paiva e Mavi Accorsi.A montanha atravessa o imaginário humano como figura paradoxal: obstáculo e promessa, desafio e iluminação. Ela exige esforço, disciplina e resistência, mas oferece, no cume, a experiência rara de enxergar além. Esta exposição parte da montanha como metáfora existencial e espiritual. É a partir desse campo simbólico que A Montanha reúne pesquisas que compartilham a ideia de tensão, elevação, peso e resistência como motores de pensamento e forma.

Apontado como um dos melhores shows de Mônica Salmaso, ‘Minha Casa’ está percorrendo o Brasil com grande sucesso, com apresentações lotadas em todas as cidades. As casas de Mônica Salmaso são múltiplas, espalham-se pelos diferentes Brasis que a artista canta em sua obra. Passada a pandemia, ela lançou dois cds gravados em 2021 e 2022, respectivamente ‘Canto Sedutor’, com Dori Caymmi, e ‘Milton’, em duo com André Mehmari e participação especial de Teco Cardoso. Além disso, a artista foi a convidada da turnê ‘Que tal um samba?’, de Chico Buarque, percorrendo o Brasil e Portugal por 10 meses, em 2022 e 2023. O show faz um passeio pela trajetória da artista, mas traz músicas nunca gravadas por ela, reafirmando a cantora como uma dedicada desbravadora do vasto cancioneiro brasileiro.

A Sala São Paulo recebe The Infamous Ramírez Hoffman, espetáculo criado por John Malkovich e pela pianista Anastasya Terenkova. Baseado na obra de Roberto Bolaño, o concerto dramático combina narração, piano, violino e bandoneón em uma construção minimalista que já percorreu importantes salas europeias.

Tradicional na noite paulistana, a festa Funfarra realiza mais uma edição, desta vez no alto do Edifício Martinelli.

DODÔ é um espetáculo criado em diálogo com o universo de Samuel Beckett, junto à ONG Ser em Cena, que atende pessoas com afasia. A obra do autor fala do que escapa ao discurso, o que estabelece uma relação direta com o universo do elenco e sua reinvenção de linguagem e de vida. A proposta de encenação foi criada a partir dos modos como as singularidades expressivas de cada pessoa dialogam com a poética beckettiana, na qual a palavra e o seu desmanche encenam uma poética própria.

O CineSesc apresenta a primeira edição da Mostra Farol. O projeto articula dois eixos complementares: de um lado, obras de cineastas hoje consagrados, revisitadas como sementes de revoluções estéticas; de outro, uma seleção de filmes recentes, ainda inéditos comercialmente no Brasil, que circularam por grandes festivais e sugerem novas rotas para o cinema contemporâneo. Inspirada na ideia do farol, que orienta embarcações em mar aberto e organiza o percurso, a mostra propõe uma travessia entre heranças e apostas. São 31 filmes, entre sessões presenciais e online, que atravessam distopias moldadas pelo capitalismo e incursões no horror corporal, revisitam conflitos territoriais históricos na África e no Oriente Médio e investigam memórias, culturas, identidades e subjetividades de gênero e sexualidade.

O trapper Yunk Vino se tornou um dos expoentes do trap do país – algo que foi potencializado quando ele passou a integrar o elenco da Labbel Records, selo de trap da Boogie Naipe. Focado no seu novo lançamento, o álbum MR., Yunk Vino sobe aos palcos para mostrar que não para de evoluir.

A banda Geriatricus traz um espetáculo que une música ao vivo, humor, teatralidade e nostalgia. Geriatricus conquistou o público ao transformar clássicos dos anos 80 e 90 em performances divertidas, cativantes e repletas de energia.No palco, personagens como Véia (Dona Celeste), Leandrinho e Gutinho ganham vida em interpretações que misturam humor, teatralidade e interação direta com o público. O repertório, tocado ao vivo, traz sucessos que marcaram gerações, passando por artistas como Legião Urbana, Capital Inicial, Paralamas do Sucesso, RPM, Pearl Jam, Seu Jorge, entre outros.

Cariño nasce como uma plataforma de escuta atenta. O projeto resgata a cultura do "afago sônico", priorizando a qualidade técnica e a intimidade em vez do espetáculo massivo. Inspirada na tradição e na resistência das pistas queer, a Cariño propõe uma experiência onde o som é tratado com dignidade e o público com cuidado.

Sheela — A Festa realiza “noitada psicodélica” em homenagem ao ícone gaúcho Júpiter Maçã com show da Orchestra Jupiteriana e DJs no Porão da Casa de FranciscaNesta edição astral, a atração musical é a Orchestra Jupiteriana, projeto idealizado por Luiz Thunderbird que presta homenagem ao ícone gaúcho do rock psicodélico Júpiter Apple, ou Júpiter Maçã (Flávio Basso). Vinte anos após sua primeira encarnação, a Orchestra ressurge em nova formação. Quem assume os vocais é Tatá Aeroplano, junto com Luiz Thunderbird (baixo), da banda Devotos de Nossa Senhora, Clayton Martin (bateria) e Dustan Gallas (guitarra), ambos do Cidadão Instigado, além de Jimmy Pappon (teclados), que também toca no projeto solo do antigo VJ da MTV.

O espetáculo “A Culpa é dos Amigos” é a junção explosiva do fenômeno 4 Amigos, formado por Dihh Lopes, Thiago Ventura, Afonso Padilha e Márcio Donato mais o peso do programa A Culpa é do Cabral, que reúne Rodrigo Marques, Fabiano Cambota, Nando Viana e Thiago Ventura.No palco, o que se vê é um espetáculo movido pela espontaneidade. É improviso afiado. É piada rápida. É interação sem freio com a plateia. É aquele tipo de show em que ninguém sai ileso — nem o público, nem os próprios comediantes.

Um dos grandes nomes do pagode, Péricles apresenta seus grandes sucessos em São Paulo.

Durante as celebrações do 250º aniversário da morte de Bach, no ano 2000, a Internationale Bachakademie Stuttgart convidou Wolfgang Rihm, Sofia Gubaidulina, Tan Dun e Osvaldo Golijov a escrever sua própria versão da Paixão de Jesus Cristo a partir das versões de Bach. Autor de grandes obras vocais, óperas e trilhas sonoras, Golijov trouxe ao texto de São Marcos traços das culturas sul-americana, cubana e judaica, além de elementos naturalmente herdados de tradições da música erudita ocidental. Em sua Paixão Segundo São Marcos, Jesus não é um europeu de pele branca, mas sim um homem de pele escura. A obra projeta a ação nas ruas de algum lugar da América do Sul do presente.

A Suíte orquestral nº 3 provavelmente foi concebida para o Collegium Musicum, sociedade de amantes de música dirigida por Bach. A suíte segue o modelo consolidado na França de Luís XIV, em que uma abertura majestosa é seguida por quatro danças estilizadas, às quais Bach incluiu uma “ária na corda Sol” inspirada no estilo vocal italiano.Bach apresentou o Oratório de Páscoa aos membros de sua congregação no Domingo de Páscoa de 1725. Dois dias antes, na Sexta-feira Santa, eles haviam ido para casa com o trágico retrato musical da crucificação que encerra a Paixão segundo São João. O tom alegre da abertura do Oratório dissipa essas nuvens, anunciando o milagre e, ao final, a celebração ainda mais gloriosa do triunfo da vida sobre a morte. Para este programa dedicado a Bach, a Osesp conta com a regência de Richard Egarr, maestro britânico especializado no repertório barroco.

O Monsters of Rock 2026 ganha mais uma atração de peso: Halestorm, uma das bandas mais aclamadas do rock moderno, se junta ao poderoso lineup que já conta com Guns N’ Roses, como headliner, e Lynyrd Skynyrd. A nona edição do festival promete reunir diferentes gerações de fãs em uma verdadeira celebração com o melhor do rock.Com produção da Mercury Concerts, o Monsters of Rock reafirma a tradição de apresentar um lineup de peso, reunindo alguns dos maiores nomes do rock mundial em uma experiência única. E as novidades não param por aí — mais atrações serão anunciadas em breve. Fiquem ligados!

Reunindo 60 obras — entre pinturas, gravuras, desenhos, aquarelas e documentos inéditos —, a exposição "Lasar Segall: sempre a mesma lua" apresenta um panorama amplo da produção do artista. A curadoria de Patricia Wagner adota um olhar poético para explorar suas múltiplas linguagens e a construção de uma identidade que, embora enraizada na tradição judaica, dialoga com temas universais como deslocamento, espiritualidade e a condição humana.O ponto de partida é a associação entre a imagem da lua e o profundo sentimento humano que Segall atribuía à própria identidade judaica. A partir desse símbolo, a mostra evidencia como, em cada fase, o artista equilibra tensões pessoais, heranças culturais e observações sobre o mundo. A mostra destaca também a maneira como Segall absorveu os reflexos de seu tempo.

A Orquestra Juvenil Heliópolis (OJH) é um dos grupos mais avançados do sistema de ensino musical desenvolvido pelo Baccarelli no núcleo Heliópolis. Com jovens com idades entre 14 e 25 anos, a OJH é a primeira etapa do processo de profissionalização dos instrumentistas em formação. Depois de completar o ciclo de ensino coletivo e preparatório, os jovens passam a estudar de forma individual e integram formações instrumentais, que têm como objetivo desenvolver suas habilidades em performances coletivas.

2025 foi o ano em que o Brasil recebeu a sua primeira estatueta do Oscar, com o prêmio de Melhor Filme Estrangeiro para Ainda Estou Aqui, de Walter Salles. E agora, sem premios, mas ainda assim com 04 indicações para o Agente Secreto, de Kleber Mendonça Filho. Com dois anos consecutivos de sucesso, o Cinema no Brasil está ganhando envergadura de esporte popular, sendo o Oscar, o equivalente à Copa do Mundo. A Mostra Os Melhores do Oscar 2026, vai exibir os melhores filmes indicados ao festival logo após a premiação, para quem não conseguiu ver no cinema, uma segunda chance de conferir os filmes desta temporada, da melhor maneira possível, numa sala de cinema.

William Seven retrata como a mágica entrou em sua vida ao conhecer seu grande mestre, o famoso mágico Júlio Lipan do circo Orlando Orfei. A convivência com seu tutor da infância à fase adulta, suas histórias, percepções e experiências vividas, são ilustradas com efeitos de ilusionismo trazendo muita emoção ao público.Nesta obra, em seu mundo mágico e sob uma ótica não convencional, a plateia é encantada com seus sonhos, pensamentos e imaginações, mostrando em tom autobiográfico, que algumas atitudes aparentemente sem importância escondem um desfecho altamente relevante no destino de milhares de pessoas.

Partindo da alegoria e da concretude de um corpo que corre (no palco, na rua, no trampo, nas montanhas), o espetáculo lança olhares sobre narrativas que se deslocam em possíveis imaginários latino-americanos.Sustentado por uma encenação arejada, o movimento infinito dos corpos pelo espaço torna-se motor e diapasão de histórias e imagens, nos quais o “corre” se configura como trabalho, deslocamento, coletividade, transcendência, festa, dança, fuga e/ou busca. Daqui, olhamos de longe para o norte do México, na tentativa de mirar seu povo originário rarámuri, conhecido por correr e caminhar longas distâncias, a fim de nos perguntar: quem somos nós nessa corrida?

Em SEREI SEREIA? contamos a emocionante história da menina Inaê, que nasceu com um grande desafio: ela não pode andar. Sua mãe, então, lhe conta uma história tão bonita: na verdade, Inaê é uma sereia e por isso ela jamais poderá andar como os humanos. A peça retrata a trajetória da menina no caminho do entendimento dos limites entre a fantasia e realidade. Com delicadeza e poesia discutimos questões urgentes sobre muitos preconceitos que ainda recaem sobre os cadeirantes. Porém, e sobretudo, trata-se de um espetáculo muito poético, que encanta as crianças e os mobiliza para importantes reflexões.

GranCirco DuNavô é uma celebração à família de sangue, de estrada e de coração. Inspirado no circo popular brasileiro, o espetáculo mistura magia, dança, música e palhaçaria para homenagear os laços que sustentam uma trupe em movimento, transformando o cotidiano em poesia e encontro.

CONCERTO PARA UM CORPO TRAQUEJADO é um solo de Wilson Aguiar que mistura dança, teatro e autobiografia para criar um concerto físico sobre memória, tempo e experiência. Em cena, o artista revisita momentos de sua trajetória por meio do corpo, transformando gestos em narrativa e movimento em partitura. Um espetáculo íntimo, sensível e potente sobre um corpo que resiste, recorda e se reinventa. Com direção artística e produção de Luciana Canton, iluminação de Marisa Bentivegna e figurino de Fábio Namatame, o espetáculo propõe um encontro íntimo e poético com um corpo que dança sua própria memória.

Dois atores se preparam para encenar o clássico “O Pequeno Príncipe” de Antoine de Saint-Exupéry. No entanto, ao tentar dar vida à fábula, eles se deparam com desafios que vão além da interpretação dos personagens. A peça aborda a tristeza e a ausência e, de forma lúdica e emocionante, expõe a importância da escuta e da conexão mútua entre adultos e crianças.

Dentro D´água é um espetáculo de grande apelo sensorial. Diferentes materialidades, que geralmente contribuem para a poluição do meio ambiente, se tornaram matéria prima para a construção de uma poesia dramática-visual que tem como disparador criativo o universo das águas, no qual rio e mar se encontram e diferentes elementos da natureza ajudam a construir uma atmosférica fantástica onde diferentes seres ganham vida diante dos olhos dos pequenos espectadores. Numa proposta mais intimista, cujas crianças, inseridas muito próximas ao espaço cênico, interagem quase que diretamente com a obra, constituindo essa atmosfera de formas, cores, texturas, contrastes, de sons e movimentos.

O espetáculo tem em suas veias a paixão de Kafka pelo teatro popular e episódico do cabaré. A dramaturgia costura 7 contos do autor, alguns com apenas um pequeno parágrafo. Numa sequência, a narrativa evoca as raízes indígenas andinas de imigrantes latino-americanos em nossa cidade, expõe as engrenagens da captura da vida pelo negócio, o condicionamento e o caráter excludente da cultura citadina ocidental, culminando no desejo de fusão com a terra, com o corpo do animal e com o vasto horizonte. Mas no fio da história, acontecimentos em descompasso – como um relógio que gira ao contrário ou que se adianta - nos lançam ao patamar do sonho, tal como o concebem as culturas indígenas, como disciplina que norteia, orienta. O sonho como experiência coletiva.

Por meio de uma encenação teatral popular e com música executada ao vivo, a Trupe Ave Lola traz à cena o espetáculo Sonho de Uma Noite de Verão, uma das obras mais celebradas do lendário dramaturgo William Shakespeare.A história acompanha o entrelaçamento de tramas amorosas e disputas no limite entre sonho e realidade. Quatro jovens de Atenas se perdem na floresta enquanto tentam decidir seus destinos amorosos, ao mesmo tempo em que o reino das fadas vive suas próprias tensões, guiadas pela disputa entre Oberon e Titânia, e pela travessura de Puck, que embaralha desejos e identidades.

O MASP exibe a exposição André Taniki Yanomami: ser imagem / në utupë / image being, que reúne 121 desenhos produzidos entre 1976 e 1978 por André Taniki Yanomami (n. ca. 1945, Terra Indígena Yanomami, Roraima, Brasil). Taniki é xamã, guardião político e espiritual de sua comunidade, sendo responsável por “segurar o céu”, garantindo o equilíbrio cósmico, além de curar doenças e mediar relações. A expressão yanomami në utupë significa “ser imagem” e designa a essência vital de todos os seres, visível apenas aos líderes espirituais em visões xamânicas. Com curadoria de Adriano Pedrosa, diretor artístico, MASP, e Mateus Nunes, curador assistente, MASP, a mostra apresenta obras raramente exibidas ao público — 78 delas nunca exibidas antes —, que retratam a cosmologia yanomami, na qual humanos, animais, espíritos, floresta e céu coexistem em uma mesma ecologia espiritual.

Com realização da Vento Leste e produção da equipe MIS, a mostra apresenta um testemunho visual impactante a partir de ampla documentação sobre a escassez hídrica que afeta milhões de pessoas em diferentes países, incluindo o Brasil. O trabalho de Hiller desmistifica a ideia de abundância hídrica em regiões como a Amazônia e o Pantanal, revelando que mesmo no país detentor do maior volume de água doce do planeta, milhões de brasileiros vivem sem acesso à água limpa.

Com cerca de 67% de seu território coberto por florestas, o Japão é reconhecido como um dos países mais arborizados do mundo, segundo dados da Embaixada do Japão no Brasil. A partir deste cenário, o carpinteiro, mestre da madeira, pede a permissão das divindades das montanhas e florestas para cuidar das árvores, analisando cuidadosamente suas características e o seu crescimento para utilizar a madeira certa para o propósito certo. Tendo como base esse respeito e admiração pela natureza, junto com a responsabilidade e o comprometimento de construir algo duradouro, os carpinteiros japoneses desenvolveram uma técnica altamente refinada, que não depende de pregos ou peças metálicas. Este é um pouco do espírito que a exposição “Imbuídos das forças das florestas do Japão – Mestres da carpintaria: habilidade e espírito”, com curadoria de Marcelo Nishiyama, diretor associado e curador-chefe do museu Takenaka Carpentry Tools (Kobe, Japão). Em São Paulo, a mostra ainda ganhará uma segunda parte, prevista para março de 2026, dedicada ao kigumi, técnica arquitetônica que consiste em entalhar as peças de madeira para que se encaixem perfeitamente.

A exposição “Olhar Negro, Negro Olhar — Antologia da Fotografia Negra da Bahia”, traz um panorama sensível da fotografia produzida no estado. Com curadoria de Bené Fonteles e pesquisa e organização de Marcelo Reis, a mostra propõe um aprofundamento nas múltiplas camadas de significados sobre a negritude baiana.A exposição reúne obras de artistas que construíram, ao longo das últimas décadas, um repertório visual sobre o povo e a cultura da Bahia, entre eles: Adenor Gondim, Ayrson Heráclito, Bauer Sá, Christian Cravo, Mário Cravo Neto, Miguel Rio Branco, Pierre Verger, Zélia Gattai e Voltaire Fraga, entre outros.

No Japão, a água é compreendida como fonte de vida e nutrição essencial para a natureza, mas é também indispensável para a formação da sociedade e da espiritualidade do país. Na exposição “Fluxos – o Japão e a água” o elemento é apresentado a partir de diferentes perspectivas: seu desenvolvimento junto com a economia e infraestrutura das cidades e do meio ambiente; seus avanços tecnológicos e aprimoramento de sua qualidade e abastecimento; sua importância para a espiritualidade e tradições japonesas; sua influência por meio da arte. Com curadoria de Natasha Barzaghi Geenen, também Diretora Cultural da instituição, a exposição traz o movimento centrífugo das águas para a expografia, que convida o público a explorar um ambiente de formas arredondadas com texturas e iluminação que parecem deixar o segundo andar da JHSP submerso.

A nova exposição temporária, ¡Cancha Brava! Futebol sudamericano en disputa, convida o público a vivenciar não apenas as conquistas e confrontos dentro de campo, mas também a paixão arrebatadora que move os sul-americanos, seus conflitos e contradições, tornando o futebol uma das manifestações culturais mais marcantes do continente. A curadoria de Luiza Romão, Matias Pinto e Gisele de Paula propõe um percurso histórico, político e poético, pelo subcontinente a partir do futebol, explorando instalações audiovisuais, paisagens sonoras, experiências interativas, fotografias e obras de arte – muitas produzidas com exclusividade para a exposição. Como o próprio título anuncia, a exposição é bilíngue, explorando os cruzamentos entre português e castelhano. !Cancha Brava! é uma síntese da história do nosso futebol, feita de muita paixão, particularidades e bolas divididas.

A exposição celebra o universo vibrante e multicolorido das letras pintadas à mão dos cartazes de mercado, das carrocerias de caminhões e das embarcações ornamentadas. Idealizada pelo artista Filipe Grimaldi em parceria com o artista e pesquisador Thiago Nevs e a produtora Carolina Herszenhut, a mostra, que reúne trabalhos de cerca de 60 artistas, propõe um mergulho na cultura visual popular do Brasil e de países como Argentina, Chile, Colômbia, México e Peru, valorizando saberes que atravessam gerações.Exaltando personagens que atuam no anonimato, a exposição é organizada em núcleos temáticos e retrata sobretudo, a diversidade de estilos da letra popular brasileira e latino-americana.

Em Ensaio sobre a memória, um escritor e sua assistente iniciam uma pesquisa para a criação de um novo conto, sobre um senhor que se engajou contra um regime militar latino-americano e foi torturado. Por não resistir à tortura entregou seus pares, e passou a vida esperando uma segunda chance para remediar essa fraqueza. Nesse contexto, a peça mergulha em um labirinto de narrativas, com conflitos de versões, memórias ficcionais e suspeição histórica. O elenco é formado por Cláudio Marconcine (Escritor), Dênia Correia (Mulher), Lauande Aires (Pedro Damián) e Katia Lopes (Espectro). O espetáculo foi livremente inspirado no conto A outra morte, de Jorge Luís Borges.

O Ciclo de Cinema e Psicanálise, programa mensal do MIS, é realizado em parceria com a Folha de São Paulo e a Sociedade Brasileira de Psicanálise de São Paulo (SBPSP) e apresenta sempre um filme seguido de bate-papo, com mediação de Luciana Saddi, coordenadora do Programa de Cinema e Psicanálise da Diretoria de Cultura da SBPSP. A edição de abril exibe o longa brasileiro “O último azul”, em parceria com a Vitrine Filmes. Após a sessão, será realizado um bate-papo com a presença do psicanalista Marcio Roque e da atriz Denise Weinberg, protagonista do longa.

O podcast Caso Bizarro chega aos palcos com uma edição especial ao vivo. Criado e apresentado por Mabê Bonafé, o programa ganha uma versão teatral que mistura narrativa, humor e interação com a plateia.No espetáculo, Mabê e convidados narram os casos sobrenaturais, em uma experiência que recria o clima do podcast no palco.

Um encontro entre o jazz afro-cubano e o brasileiro: esta é a proposta de Collab, que reúne o pianista Gonzalo Rubalcaba e o bandolinista Hamilton de Holanda. Em uma jornada musical enraizada na ancestralidade africana de ambos, o projeto celebra a multiculturalidade, aproximando pessoas de diferentes origens e reafirmando o jazz como gênero universal.

Public Image Ltd funde vários estilos (rock, dub, dance, folk, pop) e por desafiar constantemente as convenções musicais e de gênero. O PiL faz música com texturas, cria atmosferas densas.

Em uma noite de nostalgia, a festa revive os hits que marcaram os anos 2000 e 2010.

Semana do Circo, a II edição da Mostra Estados da Palhaçaria, idealizada pela Curadora de Teatro Gui Miralha, dá continuidade à investigação sobre as múltiplas possibilidades da linguagem do palhaço na cena. Reunindo os espetáculos Ordinários (LaMínima); Eu, Migo e Meu Umbigo (O Bando Pero no Mucho); Não Aprendi Dizer Adeus (Bárbara Salomé); Na Lona de Benjamim (Coletivo Catappum) e Tarântula Transita (Vulcanica Pokaropa), a mostra articula diferentes possibilidades da palhaçaria, do humor físico à memória do circo teatro, da imaginação infantil à crítica social, evidenciando a potência da figura do palhaço como mediadora de temas sensíveis da condição humana. Ao reunir artistas e coletivos com pesquisas singulares, a curadora propõe um panorama que celebra a diversidade da cena circense e reafirma o palhaço como capaz de transformar fragilidades, conflitos e lembranças em encontro, riso e reflexão.

“Amar e Mudar as Coisas”, criado por Taciana Barros e interpretado por ela, Marisa Orth e Buhr, completa uma década rodando pelo Brasil. A homenagem a Belchior, sucesso de público por onde passa, ganha mais uma camada de importância neste ano em que o artista completaria 80 anos. O show apresenta releituras intensas e contemporâneas de clássicos do compositor cearense, em um formato intimista e ao mesmo tempo potente, que combina vozes marcantes, guitarras, violões de aço e nylon, baixo acústico, piano e efeitos sonoros. Para completar a atmosfera do show, as artistas contam com Estevan Sinkovitz (guitarra e violões) e Zéli Silva (baixo acústico), além da própria Taciana no piano, guitarra e violão.

A fotógrafa Lucia Lang inaugura sua exposição individual “Régis, Cadê Você?”, um ensaio construído a partir de longas caminhadas pelo centro de São Paulo. Com olhar atento e sensível, a artista percorre ruas, becos e zonas de sombra da cidade em uma busca que é, ao mesmo tempo, urbana e existencial. O trabalho parte da procura quase infrutífera por alguém que partiu para revelar um centro em transformação, marcado pela diminuição do fluxo de pessoas, pelo esvaziamento afetivo e por mudanças profundas no tecido social.Longe de registros meramente documentais, as imagens constroem paisagens urbanas associadas a um estado de alma. A cidade deixa de ser pano de fundo e passa a atuar como agente ativo, influenciando sentimentos, percepções e modos de estar no mundo.