A NDR Bigband retorna ao Brasil para dois espetáculos distintos reunidos em uma única noite na Sala São Paulo ao lado de João Bosco, Lenine e Martin Fondse. No gran finale, os dois compositores brasileiros com a orquestra alemã em arranjos concebidos especialmente para o projeto.

Concebido pela flautista e biógrafa de Moacir Santos, Andrea Ernest Dias, o espetáculo celebra o legado do maestro e dialoga com a invenção musical de nomes como Nei Lopes, Abigail Moura, Dona Ivone Lara, Letieres Leite, Paulo Moura, Claudio Santoro e Vinicius de Moraes.O repertório inclui ainda obras dedicadas a Moacir, como as de Maurício Carrilho, Alexandre Rodrigues e Sheila Smith — primeira a gravar “Nanã” em inglês, no LP Maestro (Blue Note Records, 1972), que projetou o compositor internacionalmente.

Um show três artistas com diferentes formações resulta em uma sonoridade potente, cheia de referências musicais - uma performance rica na diversidade de instrumentos como berimbau, flauta transversal (Lucio), congas/atabaques/percussões, trombone, cuíca (Bica), aliadas a voz potente de Nayra Costa (cantora de Fortaleza - Ceará).

O cantor, compositor e produtor musical Siso apresenta "Ferro e Fogo", seu quarto álbum de estúdio. O show de lançamento apresentará o álbum na íntegra, em um formato que reúne voz, teclados e bateria híbrida. O repertório será ampliado com músicas de fases anteriores, contando com as participações especiais de Tiê e Virgo Virgo.

Numa conversa bem-humorada com o público, o espetáculo revive momentos marcantes de sua vida de Gala Dalí (1894-1892), desde a infância até os últimos dias: a juventude na Rússia, seu primeiro casamento, com o escritor Paul Éluard, a inadequação à maternidade, o primeiro encontro com Salvador Dalí, a luta para se impor num universo dominado pelos homens, a rejeição por parte das famílias dos seus maridos e o constante julgamento social. Enquanto se diverte revivendo suas lembranças, reflete sobre a paixão, a arte, a gastronomia, dinheiro e poder, vida e morte.

O Brasil recebe, pela primeira vez, a aclamada sitarista e compositora Anoushka Shankar, um dos nomes mais influentes da música contemporânea global. A turnê brasileira de Anoushka marca um momento simbólico da carreira da artista, que celebra três décadas de apresentações desde sua estreia aos 13 anos. Discípula de seu pai, Pandit Ravi Shankar, ela cresceu aprendendo não apenas a tradição transmitida por gerações, mas também a liberdade de improvisação que marcaria sua identidade artística.

Leda é uma professora de meia idade, divorciada e bem-sucedida que viaja sozinha de férias para a praia em busca de descanso. Na areia, ao observar a serenidade de uma jovem mãe que brinca com sua criança, se vê assombrada por um dilema que parecia soterrado no passado: o abandono do marido e das duas filhas em busca de uma vida mais livre. Adaptação para o palco do romance de Elena Ferrante.

Como parte de uma programação dedicada a Clarice Lispector em 2026, o Belas exibe A Hora da Estrela, filme de Suzana Amaral, que leva para as telas uma das obras mais icônicas da escritora. A sessão será seguida de uma conversa com a psicanalista e comunicadora Manuela Xavier (@manuelaxavier) para um bate-papo imperdível!

Artista consagrada, Mel Lisboa construiu uma carreira sólida e multifacetada no teatro, na televisão e no cinema. No repertório do show, Mel Lisboa revisita clássicos inesquecíveis como “Jardins da Babilônia”, “Flagra”, “Ovelha Negra”, “Doce Vampiro”, “Desculpe o auê”, “Mutante”, entre muitos outros sucessos que atravessam gerações e reafirmam a força, a irreverência e a liberdade artística de Rita Lee. Mais do que um show, “Mel Lisboa canta Rita Lee” é um encontro emocionante entre duas artistas, celebrando um legado que segue vivo na memória afetiva e musical do Brasil.

Uma festa dedicada à música em vinil.

A Festas Tiger promove a festa Hashtag 2010, dedicada aos sucessos que marcaram a década entre 2010 e 2020. A pista reúne hits que dominaram playlists, rádios e baladas do período, com uma seleção que passa por pop, funk, indie, emo e EDM.A proposta é revisitar o repertório que definiu a cultura pop da década, reunindo músicas que circularam entre internet, festas e plataformas de streaming e que marcaram diferentes momentos da cena musical dos anos 2010.

O concerto Diálogos: Shaw, Mozart e Haydn reúne o Quarteto de Cordas da Cidade de São Paulo em um programa que aproxima diferentes épocas e linguagens da música de câmara. No repertório, a contemporaneidade de Caroline Shaw dialoga com o classicismo de Haydn e Mozart. Reconhecido por sua excelência artística, o grupo atua como um dos principais intérpretes de música de câmara do país. O programa propõe escutas cruzadas entre tradição, inovação e sensibilidade contemporânea.

O Segredo de Brokeback Mountain é uma história de amor entre dois cowboys no interior dos Estados Unidos na década de 60. Jack Twist e Ennis del Mar são jovens que se conhecem ao serem contratados para cuidar das ovelhas de Joe Aguirre em Brokeback Mountain. Os dois cowboys, pobres, ao passarem semanas isolados, no frio e em más condições de trabalho, começam a criar uma intimidade que se transforma em um romance intenso e conflituado. Com o fim do trabalho, voltam às suas vidas, deixando um enorme pedaço de quem são em Brokeback Mountain – e que passam o resto de suas vidas tentando recuperar. A peça é de Ashley Robinson, adaptada do conto de Annie Proulx, que teve uma notória e premiada versão de Ang Lee para o cinema. A história atravessa personagens profundamente humanos e faz pensar sobre a intolerância, os medos, as fragilidades, os interditos e o poder do amor.

A contação de histórias conduzida por Eliane Santiago de Lima apresenta ao público infantil o encantador conto popular “O Sapo e a Lua”, uma narrativa lúdica e sensível que fala sobre sonhos, persistência e imaginação. A história acompanha um sapo que sonha em pular tão alto a ponto de alcançar a lua. Determinado a realizar esse desejo, ele passa a treinar seus saltos até viver uma experiência mágica ao encontrar a lua, que o convida para dançar. A narrativa desperta nas crianças reflexões sobre acreditar nos próprios sonhos, além de estimular a criatividade e a escuta. A apresentação é construída de forma interativa e envolvente, utilizando recursos como voz, expressão corporal, musicalidade e participação do público, proporcionando uma experiência afetiva e divertida. A contação busca estimular a imaginação, o desenvolvimento emocional e o contato com a tradição oral, criando um momento de aprendizado e encantamento para as crianças.

Projeto traz programação que reúne mostra de quatro peças, oficina de máscaras teatrais, bate-papos, exposição de máscaras e exposição digital de pinturas de Dario Fo, além de reedição atualizada do livro A Cena de Dario Fo, de Veneziano.Um convite vindo da Itália, direto da Fondazione Fo Rame, para comemorar, ao lado de outros países, o centenário de nascimento do dramaturgo Dario Fo (1926-2016) acendeu em NEYDE VENEZIANO o desejo de criar um evento e celebrar o artista que fez do palco espaço de crítica social, humor irreverente e resistência cultural.

A cada semana, um ateliê diferente com os elementos naturais.Com experiências sensoriais e criativas para bebês e crianças entre 0 e 6 anos, junto a suas pessoas adultas, a cada semana a oficina explora materiais naturais como flores, madeira, tecidos e elementos da natureza. As atividades estimulam a interação e a criatividade das pessoas participantes em técnicas manuais como carimbo, decalque, modelagem, colagem, pintura, desenho, recorte e dobradura e muito mais.

A primeira edição de 2026 do Cineclube Lacan, programação realizada em parceria com a Clin-A, traz o novo longa de Paolo Sorrentino, estrelado por Toni Servillo em mais uma parceria poderosa para o cinema. Repetindo a excelência de A Grande Beleza, o cineasta retorna com um drama intenso e honesto. O olhar poético e sensível de Sorrentino explora os dilemas morais e pessoais de Mariano De Santis (Servillo), um homem influente que enfrenta decisões políticas angustiantes enquanto busca orientação de pessoas próximas, uma delas sendo sua filha, Dorotea (Anna Ferzetti).

A pista renasce. Vibrante, livre e sedutora. Pronta para receber quem vive a música como um ato de amor. Uma noite de pura intensidade, onde cada batida atravessa o corpo, desperta a alma e cria conexões que só a LØVE é capaz de inspirar.

Dois shows completos: Vitinho e Turma do Pagode com uma seleção do melhor do pagodão.

O álbum "Mantra Concreto" representa um projeto musical dedicado à obra do poeta Paulo Leminski, lançado em 2024, em celebração ao que seria seu octogésimo aniversário. A gênese do álbum ocorreu em 2021, durante o período de isolamento da pandemia, quando a leitura dos poemas de Leminski resultou na composição de treze canções em um curto espaço de tempo.

O show do baterista Sorry Drummer é uma jornada de sons, timbres e ritmos extraídos de forma orgânica. Esta abordagem cria um espaço vasto para improvisação entre os artistas, entregando uma experiência sonora que mergulha na musicalidade clássica, entrelaça-se com a essência do hip hop e navega pela nostalgia dos anos 90.

Neste solo de dança, a artista Anna Luiza Marques — bailarina, improvisadora e pesquisadora — investiga não a agressividade em si, mas as múltiplas formas de reagir a ela: medo, luta, fuga, paralisia, sedução, ironia...respostas muitas vezes silenciosas, automáticas, contraditórias — e profundamente corporais.O trabalho nasce de um percurso pessoal e se expande para o coletivo a partir de leituras de psicanálise, neurociência e estudos sobre comportamento humano, somados a uma pesquisa via Direct, realizada com seguidores do Instagram, que trouxe numerosos relatos, forneceu a construção de um repertório sensível de maneiras como o corpo se move ao lidar com a agressividade que recebe e com aquela que precisamos aprender a importância e manejar dentro de nós.

Com canções do álbum meio beat meio banzo e outras canções, a luta política por visibilidade e plenitude negra cuír é abordada por meio da relação entre música, poesia e sonhos de amor. No show, declamações gravadas por pessoas negras/LGBTQIs são inseridas entre as composições, criando uma performance.“Os dramas de Ayô” é um show que percorre emoções do amor em suas formas. A partir de canções da música brasileira, Ayô Tupinambá atravessa histórias de desejo, entrega, saudade e desencontro. Cada interpretação reúne afetos e memórias. Um encontro com os dramas do coração.

A terceira edição da Abrazo está chegando em São Paulo para fomentar ainda mais a magia das festas de salão!A Abrazo não é só mais uma festa, é o seu novo refúgio para se jogar na energia contagiante da Bachata, Salsa e Merengue, cercado pela galera mais dançante da cidade!

O rapper Baco Exu do Blues apresenta a sua nova turnê, do disco "HASOS". O espetáculo celebra o álbum, que reúne 18 faixas entre canções e textos profundos, em um mergulho nas falhas, sentimentos e contradições do artista.

O filme francês O Fabuloso Destino de Amélie Poulain ganha uma trilha sonora executada ao vivo em uma apresentação única e imersiva.Idealizado e produzido pelo compositor e pianista Anselmo Mancini, o Cine Concerto apresenta uma execução musical fiel à trilha original do filme, com sistema de sincronização próprio e uma formação instrumental desenhada especialmente para cada obra. Neste espetáculo, a trilha sonora composta por Yann Tiersen é interpretada ao vivo por um quinteto: Anselmo Mancini (piano), Dicinho Areias (acordeom), Amauri Lopes (violino), Thiago Righi (bandolim) e Everton Barba (bateria e percussão).Dirigido por Jean-Pierre Jeunet, o longa acompanha Amélie, interpretada por Audrey Tautou, em sua missão de transformar a vida das pessoas à sua volta — uma jornada marcada pela fantasia, sensibilidade e esperança.

Lançado em 1965, Elizete Sobe o Morro é mais do que um disco importante, é um registro histórico. Nele, uma das maiores cantoras brasileiras, Elizeth Cardoso, apresenta composições de autores ligados a escolas de samba, como Cartola, Zé Keti, Elton Medeiros, Candeia, Jair do Cavaquinho, Anescarzinho do Salgueiro e Nelson Sargento.No show que comemora os 60 anos de Elizete Sobe o Morro, Juçara Marçal (voz), Kiko Dinucci (guitarra e violão), Rodrigo Campos (cavaquinho e guitarra), Marcelo Cabral (baixo), Xeina Barros (percussão) e Fumaça (percussão) revisitam parte do repertório do álbum e interpretam composições próprias e de outros autores, como Dona Ivone Lara, Noel Rosa e Manacéa.

Nosferatu e Fausto, clássicos do expressionismo alemão, e a Sinfonia Amazônica, primeiro longa de animação brasileiro, serão exibidos com trilha sonora da Orquestra do Theatro São Pedro, sob direção musical de Marcelo Falcão. No Ano da Cultura Brasil-China, evento também homenageará o compositor chinês Tan Dun (O Tigre e o Dragão e Herói), em parceria com a Cinemateca Brasileira e o Goethe-Institut

A exposição coletiva “... toda palavra sã”, tem meio da curadoria de Galciani Neves, reune trabalhos que tomam a palavra, o texto e os signos gráficos como elementos centrais de investigação artística. A mostra apresenta obras de Almandrade, Antonio Manuel, Arnaldo Antunes, Carla Chaim, Carlos Nunes, Carlos Zilio, Carmela Gross, Geórgia Kyriakakis, Fabio Morais, Iole de Freitas, Mira Schendel, Natalie Salazar, Shirley Paes Leme, Vitor Cesar e Waltercio Caldas, propondo um amplo panorama de experimentações que atravessam diferentes tempos, linguagens e contextos poéticos.

Em sintonia com o Mês da Mulher, o Ateliê Casa Um apresenta a exposição “apesar de”, que reúne cinco artistas mulheres em uma reflexão sensível sobre permanência, reinvenção e existência em contextos de instabilidade. A mostra investiga aquilo que resiste mesmo diante de rupturas — não o colapso, mas o que continua, o que se reorganiza e encontra novas formas de existir. Ao destacar o feminino como força contínua de transformação, o projeto propõe um olhar poético e político sobre experiências marcadas por desgaste e reconstrução, criando um espaço de acolhimento, diálogo e novas possibilidades de sentido.

O rio no qual se nada com os olhos é a primeira exposição em São Paulo do artista Genor Sales, apresentada na Almeida & Dale, com curadoria de Divino Sobral. A mostra reúne aquarelas inéditas que retratam objetos ligados à água — como ânforas, filtros de barro, hidrantes e elementos da pesca — sobre fundos aquosos criados pela própria técnica pictórica.Por meio dessas imagens, o artista propõe reflexões sobre memória, território e as relações humanas com os rios. As obras também marcam uma ampliação de sua paleta cromática, com a presença de azuis, verdes e tons luminosos inspirados na paisagem do cerrado goiano.

A prática do artista Daniel Mello investiga como superfícies bidimensionais podem ganhar corpo e volume. Para isso, ele trabalha tanto com o acúmulo de matéria sobre planos quanto com a junção de objetos como placas, tapumes e tecidos, aproximando pintura e instalação. Muitos desses materiais vêm de refugos industriais ou da rua, preservando marcas de uso e do tempo. O artista também produz artesanalmente os bastões oleosos com que pinta, controlando densidade, brilho e opacidade da cor.

From House to Disco Club é o inferninho dançante comandado pelo duo From House to Disco, nome já conhecido da noite paulistana por sets que são uma ode ao estilo.Na estreia, o FHTD coloca o case para jogo e convida artistas e amigos que compartilham a mesma energia de pista. Cardume DJs, formado por Pedro Gariani e Dioun, chegam com a bagagem de cinco anos à frente de uma das festas mais consistentes de São Paulo. Já Kika Deeke, baterista e percussionista de formação, traz para o line-up sua pesquisa rítmica e presença de pista, depois de passagens por palcos como Warung, Surreal Park, Gop Tun, 5uinto e Rock The Mountain.

Aclamado pela própria banda como seu melhor show até agora, o filme expande o universo visual de POST HUMAN, combinando produção cinematográfica, perspectivas dos fãs e participações de personagens como E.V.E, Selene e M8.Com imagens captadas por múltiplas câmeras, drones e vídeos enviados por fãs, o filme oferece uma experiência imersiva e multilateral que reflete a energia da noite. O espetáculo percorre toda a evolução do catálogo do BMTH, de Sempiternal e That’s the Spirit a amo e a série POST HUMAN.

A festa apresenta uma viagem pela variedade da música brasileira, com hits dançantes.

As mais dançantes do Indie Pop somadas a uma seleção de Pop, Disco e House. Tudo isso em formato Boiler Room.

Em 2026, o Cidade Negra, um dos maiores nomes da música nacional, retorna aos palcos com a turnê exclusiva “De Agora em Diante”. A nova turnê marca o início de um novo ciclo da parceria entre Toni Garrido e Bino Farias, celebrando três décadas de uma trajetória repleta de sucessos que atravessaram gerações e consolidaram o Cidade Negra como um verdadeiro símbolo do reggae brasileiro.“De Agora em Diante” é um manifesto de resistência, renovação e conexão com os fãs que caminham ao lado da banda há mais de 30 anos. A proposta da turnê é trazer as raízes do reggae com um olhar para o futuro, com músicas inéditas, projetos especiais e um repertório que combina clássicos inesquecíveis com releituras emocionantes. Uma experiência musical única, que une presente e futuro de Toni e Bino em um espetáculo repleto de emoção, identidade e potência sonora.

Hércules - O Grande Herói traz a história do personagem mais famoso da mitologia. Depois de ser levado à Terra e se tornar mortal, Hércules precisa provar o seu valor e reconquistar seu lugar no Monte Olimpo. Mas ele terá que enfrentar o tenebroso Hades, e vai contar com a ajuda do treinador Phil e da bela Mégara. Para melhorar, as Musas acompanham cada passo do nosso grego favorito com graça e beleza. O que significa ser um verdadeiro herói? É isso que você vai descobrir neste espetáculo eletrizante, repleto de humor, ação e música

A exposição “Catados”, do artista Carlos Monaretta, tem curadoria de Ana Avelar. Reúne cerca de 30 obras inéditas, entre esculturas, fotografias e objetos, nas quais o artista utiliza a gambiarra como eixo central para investigar o improviso urbano sob perspectivas estéticas, políticas e sociais. Construídos a partir de materiais de reúso recolhidos em diferentes pontos da cidade de São Paulo, os trabalhos operam como uma espécie de “pesca” urbana, em que fragmentos descartados são reconfigurados em novas composições.

A festa "Para Sempre Cringe" traz de volta as lembranças da adolescência millenial. Para quem já subiu na cama ao som de Britney, cantou muito My Chemical Romance e deu play no diskman com as melhores do RBD.

As histórias que inspiram as narrativas são as trajetórias de vida de grandes mulheres escritoras que, com muita criatividade e coragem, dedicaram-se ao ofício da escrita, alcançando assim seus sonhos e também abrindo portas para que nós possamos usufruir de seus escritos.

Melchior, por não ter onde morar, sem ter o comer ou onde dormir, está diante de uma crise existencial que se agrava pela dificuldade financeira e falta de dignidade, decide tomar uma atitude drástica. Suas únicas companhias são Baltazar e Gaspar, que vão fazer de tudo para que o amigo não tome tal atitude. Absorvido pela dramaticidade e tragédias exibidas por ela, somado a vida que leva, Melchior a cada ato vai perdendo seus últimos resquícios de esperança pela vida enquanto Gaspar e Baltazar tentam resgatá-lo até o fim, sem nunca abandoná-lo.

A Gruta apresenta a exposição individual “A Cidade da Pedra que Brilha”, do artista paraibano Tiago Malagodi. O conjunto de 16 pinturas inéditas é fruto de uma investigação que une física clássica, geopolítica e memória afetiva sobre Itabira (MG), cidade-símbolo da exploração mineral brasileira e berço de Carlos Drummond de Andrade.Com curadoria de Matheus Morani, a mostra propõe a entropia — conceito da Segunda Lei da Termodinâmica sobre a irreversibilidade do tempo — como chave de leitura para a paisagem mineira. A série utiliza uma paleta reduzida em tons de cinza e azul, escolha que remete à natureza do minério de ferro em estado bruto. Em diálogo com a land art de Robert Smithson, Malagodi transforma trilhos e minas em marcos de uma temporalidade degradada.

O projeto “Fat Family Baile Charme” une musicalidade, performance e energia em uma experiência marcada por groove e dança. No repertório sucessos como “Jeito Sexy”, “Madrugada”, “Eu Não Vou” e “Fim de Tarde”. Além dos clássicos, o grupo apresentará novas versões com arranjos cheios de groove e surpresas que homenageiam a história do charme e da música soul nacional.

Doroty Marques, uma das maiores personalidades da música popular brasileira, sobe ao palco para comemorar suas oito décadas de vida e arte, acompanhada pela Peña Folclórica da Turma Que Faz. O espetáculo é um mergulho profundo na diversidade cultural latino-americana, unindo ritmos brasileiros e latinos que carregam histórias e tradições de luta, amor e resistência. Uma celebração aos 80 anos desta mestra maestra que percorreu o Brasil semeando arte, cultura e educação.

Os Anos 2000 & 2010 estão de volta! Então tira sua Cybershot e o seu Nike Shox do armário e vem curtir com a gente uma volta no tempo em nossa segunda edição, com shows, festas, comidas e drinques.

Melly retorna à Casa com o show de encerramento da turnê Amaríssima. Lançado via Natura Musical, Amaríssima marcou a estreia de Melly. Agora, a artista anuncia os shows de encerramento dessa era: uma celebração de um ciclo que reposicionou sua trajetória no cenário nacional e internacional.Amaríssima (2024) nasce do encontro entre o R&B, o pop contemporâneo e a musicalidade afro-baiana, costurando identidade, afeto, sensualidade e força política em canções que ecoaram muito além da Bahia. O álbum, que conta com participações de Liniker e Russo Passapusso, rendeu a Melly indicação ao Grammy Latino 2024 na categoria “Melhor Álbum Pop Contemporâneo em Língua Portuguesa”. Esses marcos consolidaram seu nome entre os principais da nova geração da música brasileira.

Até um carvalho enlouqueceu, exposição coletiva com obras de Bruno Dunley (Brasil), Lais Amaral (Brasil), Marina Rheingantz (Brasil) e Richard Aldrich (Estados Unidos) reúne artistas de contextos distintos cujas práticas compartilham um engajamento com a abstração enquanto processo material, perceptivo e temporal.O título da exposição faz referência ao mito de Orfeu, cuja música era capaz de comover animais, pedras e até árvores, suspendendo distinções entre matéria animada e inanimada. Ali, a força da música não reside na narrativa ou no significado, mas no próprio som, que atua diretamente sobre corpos e substâncias. Nesse contexto, as pinturas de Bruno Dunley testam a instabilidade da forma por meio de tensões cromáticas e hesitações compositivas. Lais Amaral trabalha com acumulação e apagamento, permitindo que as superfícies registrem tempo, pressão e resíduos. Marina Rheingantz constrói campos espaciais que oscilam entre paisagem, memória e abstração. Richard Aldrich aborda a pintura como um lugar de transferência, onde marcas, referências e decisões materiais permanecem provisórias e móveis.

Amor e outros estranhos é a primeira individual no Brasil de Jesse Wine, artista inglês radicado em Nova York. A exposição reúne obras recentes em cerâmica e composições em bronze. Wine apresenta três peças de argila em grande escala além de composições em bronze feitas a partir de elementos botânicos moldados, coletados ao longo de viagens realizadas nos últimos quatro anos. Essas obras constituem uma espécie de diário, no qual a experiência pessoal é registrada por meio do material, da forma e da acumulação.Membros, folhas, casas e edifícios surgem como ícones de uma memória suspensa. A matéria orgânica é preservada para além do tempo; a arquitetura permanece em um estado de interrupção.

A exposição “Angular”, reune trabalhos inéditos de Alan Oju e Guilherme Callegari, com o texto curatorial de Lorraine Mendes. A mostra propõe uma reflexão sobre o ângulo não apenas como medida geométrica, mas como gesto de vontade, ponto de inflexão e escolha, uma quebra que projeta novas direções e inaugura outras formas de ver e ocupar o espaço.Partindo de trajetórias distintas, mas atravessadas por experiências comuns no contexto urbano da Grande São Paulo, os artistas constroem um campo de diálogo marcado por tensões sutis entre desvio e permanência, controle eabertura, rigor e sensibilidade.

Em 2026, um dos álbuns mais icônicos e provocadores da música brasileira completa 40 anos. Cabeça Dinossauro, lançado pelos Titãs em 1986, transformou a banda e o próprio rock nacional ao romper padrões, desafiar o conservadorismo e traduzir, em som e fúria, o espírito de um país em transição. O Brasil tentava reaprender o significado de liberdade depois de duas décadas de censura e autoritarismo, e o álbum virou o retrato cru de uma geração inconformada.

Em 2026, um dos álbuns mais icônicos e provocadores da música brasileira completa 40 anos. Os Titãs Branco Mello, Sérgio Britto e Tony Bellotto sobem ao palco do Espaço Unimed para celebrar esta data histórica com a turnê Titãs – Cabeça Dinossauro 40 anos.

"Vetores" sob curadoria de Antonio Gonçalves Filho, a mostra coletiva tece relações entre os períodos moderno e contemporâneo da arte brasileira e internacional. Escultura, pintura, fotografia e gravura formam os três núcleos que retomam o modernismo como uma força em movimento, capaz de reverberar encontros, desdobramentos e novas possibilidades no presente.A mostra reúne obras de nomes como Eleonore Koch, Lucio Fontana, Tunga e Willys de Castro, em diálogo com artistas como Dudi Maia Rosa, Nelson Félix e Paulo Pasta.

A maestra Mei-Ann Chen é diretora musical da Sinfonietta de Chicago e regente laureada da Orquestra Sinfônica de Memphis. Cabe a ela conduzir a OSM num programa que começa com a Dança de Saibei, do compositor chinês An-Lun Huang. Dois russos que estão entre os nomes mais importantes da composição no século XX também integram o programa. O Concerto para Violino nº 1 de Prokofiev foi escrito poucos anos após a conclusão de seus estudos. Sua estreia aconteceria em 1923 em Paris, com Stravinsky como regente. Desse último, o programa traz a suíte do balé O Pássaro de Fogo.Entre os dois autores, a música refinada da finlandesa Kaija Saariaho. Nymphéa Reflection surgiu a partir da ideia de arranjar um quarteto de cordas para orquestra. Dividida em seis seções, ela simula parte do processamento eletrônico por meio de orquestração, e inclui, na última parte, um poema de Arseny Tarkovsky que é sussurrado pelos músicos.

As oposições de cores e de pedaços de melodias que escutamos em Fragmentos sintetizam o estilo de Marisa Rezende, que mostra que é possível retomar o impulso melódico sem renunciar à inventividade formal, em uma música que se desdobra à medida que é traçada. Em seguida, a Osesp recebe Roberto Minczuk e Sonia Rubinsky — renomados intérpretes de Villa-Lobos, cujo Concerto nº 4 só estreou no Brasil após a sua morte e no qual a sonoridade do piano é integrada com grande efeito à massa orquestral. A jornada musical se cumpre com Romeu e Julieta, na qual Prokofiev musica a essência do drama de Shakespeare, retratando o ódio das famílias com ritmos agitados e a paixão dos amantes com saltos melódicos

Em 2026, o Cidade Negra retorna aos palcos com a turnê exclusiva “De Agora em Diante”, apresentando shows especiais nas principais cidades do Brasil. A nova turnê marca o início de um novo ciclo da parceria entre Toni Garrido e Bino Farias, celebrando três décadas de uma trajetória repleta de sucessos que atravessaram gerações e consolidaram o Cidade Negra como um verdadeiro símbolo do reggae brasileiro.

O caráter agregador é um dos aspectos que chamam a atenção na última turnê de Gilberto Gil. É algo possível de notar nos bastidores, em cima do palco e, claro, na plateia, onde gerações diversas cantam afinadamente, numa só voz, as canções do repertório irretocável do artista. É o momento de Gilberto Gil mandar “aquele abraço” de cima do palco – muito bem acompanhado. É a última oportunidade de vê-lo em uma turnê dessa dimensão.TEMPO REI é um espetáculo que conversa com o passado, o presente e o futuro. Trata-se de um show que, mesmo diante de multidões, fica íntimo em momentos como quando Gil empunha o violão em “Se eu quiser falar com Deus”; e explode em festa na sequência que emenda “Toda menina baiana", “Esperando na janela” e “Aquele abraço”.

O espetáculo é inspirado na trajetória de Niède Guidon, na arte rupestre da Serra da Capivara e e nas muitas camadas – humanas, naturais e históricas – que tornam esse território tão complexo. O espetáculo encerra a trilogia dedicada à primeira infância pela 2 Mililitros Cia Teatral, integrando os espetáculos “Pororoca” e “Os Céus e Suas Histórias” em que a natureza é tomada como ponto de partida para refletir sobre nossa relação com o mundo.

O espetáculo narra a história de Jeffinho, um menino muito talentoso que adora fazer rimas e passinhos. Ele mora em uma comunidade que faz divisa através de uma RUA com um dos bairros mais ricos da cidade.Um dia, brincando, ele conhece Lucas, um garoto da mesma idade e que mora do lado de lá. Apesar das diferenças, eles se tornarão amigos e viverão, juntos, descobertas boas e ruins sobre o mundo e a sociedade. Com muita música, dança, aprendizado e diversão, a história fala sobre oportunidades, sonhos e amizade.

Ciranda das Flores convida o público para um encontro dentro de um jardim encantado. A peça acompanha uma Florista (Helena Ritto) e um Lenhador (Jonathan Faria), colegas que nutrem um amor silencioso um pelo outro — um sentimento que ambos têm dificuldade de expressar. Com canções tradicionais, o espetáculo costura narrativas populares: a do Alecrim e o Botão de Rosa e a divertida briga entre o Cravo e a Rosa.

Velejando o Barco Mundo e guiados pela Árvore Ancestral, a Onça-Pintada, o Macaco-Prego e a Perereca-Usina buscam a Máquina do Lucro que destruiu a floresta onde moravam. No trajeto, os animais passam por diversas aventuras e desafios, como o mar de lama, a seca e o rio poluído, e encontram mais um aliado, o Cachorro-Caramelo, que conhece bem a cidade. Com a ajuda do público, os animais cantam e dançam para suspender o céu, reunindo forças para enfrentar os Acionistas da Corporação e sua Máquina do Lucro.

Jogo da Cena é um espetáculo de comédia improvisada que reúne artistas experientes do humor para brincar em cena, criar histórias do nada e se colocar em jogo diante do público. Tudo acontece ao vivo e sem roteiro.Em cena, Ian Soffredini convida alguns dos melhores improvisadores da cidade, formando elencos diferentes a cada apresentação, sempre acompanhados por um músico improvisador. A proposta é simples: reunir gente muito boa de humor para jogar junto, correr riscos e se divertir em cena.

No monólogo, Clodovil expõe pensamentos e episódios marcantes de sua trajetória, revelando as origens de suas inspirações criativas e revisitando mais de 40 anos de vida pública. Moda, televisão, amizades, família, seu único amor e a experiência como deputado federal se entrelaçam ao relato íntimo de uma infância e adolescência difíceis, marcadas pela solidão. Sem filtros, o personagem compartilha lembranças duras e explica os motivos que o levaram a ser uma criança introspectiva e sem amigos.

Quem se lembra do próprio nascimento? Ninguém. Mas eu me lembro do meu. Lembro em todos os detalhes: do meu nascimento e da minha infância. E posso garantir: eu era muito mais feliz antes de nascer. Vida boa era a minha quando eu estava guardado ainda dentro da minha mãe. Silêncio, sossego e serviço de quarto. Aqui fora há barulho, bagunça, bando de ladrões. Eu me sinto exilado no mundo. Mas se viver não tem remédio, temos ao menos o consolo da comédia.

Em cena, quatro mulheres contam histórias que atravessam o horror, a violência, o amor e a obsessão, dentro de uma casa sombria, distorcida do lar que um dia já foi. Na dramaturgia, Amanda e Juuar procuram refletir sobre o que aconteceria no imaginário coletivo se as histórias contadas fossem de mulheres que respondem à violência, com desejos violentos intrínsecos e viscerais, em vez de sofrer.Interpretadas pelas atrizes Carlota Joaquina, Monalisa Silva, Stella Rabello e, ainda, Amanda Lyra, as personagens desafiam o arquétipo feminino da fragilidade e de mulheres suscetíveis à violência, abusos e assassinatos. Ao contrário, vão até as últimas consequências do desejo, provocando sensações ao mesmo tempo de assombro e atração. Elas se sentem livres para existir fora do que seria o campo de desejo prescrito e aceito socialmente.

LAS NEURONAS explora como corpo, atenção, ação coletiva e dispositivos moldam nossa percepção da realidade e nossa experiência cotidiana. Entre o cômico e o poético, a montagem provoca o público a refletir sobre consciência, percepção e sobre nossa relação com os dispositivos tecnológicos. Com participação do público, experimentos científicos são recriados de forma bem-humorada. Dados científicos se conectam às vivências das artistas e espectadores, dialogando com dinâmicas de grupos humanos, florestas e animais. A peça é um convite à escuta e observação ativa e nos desafia a tomar posse de nossa mente e corpo.

Vivência sensorial lúdica para primeira infância. A palavra “Arrobôi” vem a partir da sonoridade afro-brasileira, evocando ritmo, alegria e intensidade.Com diferentes estações cromáticas, cada uma dedicada a uma cor do arco-íris. Em cada espaço, materiais naturais e texturas diversas estimulam os sentidos das crianças. O percurso é livre e circular, possibilitando que as crianças transitem entre as cores conforme seus desejos e curiosidade.

Voltar, buscar e trazer propõe um ciclo de brincares e vivências inspiradas em saberes afroindigenas e voltadas para bebês de 0 a 3 anos e suas pessoas cuidadoras. Por meio de vivências sensoriais como preparo de banhos de ervas, uso do sling, pintura com urucum, criação em cabaças e práticas de cuidado, o projeto fortalece vínculos, valoriza a primeira infância e reconhece o corpo como espaço de aprendizagem. As vivências promovem troca intergeracional, presença e acolhimento, integrando natureza, ancestralidade e convivência. Assim, cada encontro transforma gestos simples em experiências significativas, capazes de nutrir relações e ampliar repertórios de cuidado e criação.

Vivência realizada na instalação de brinquedos naturalizados, espaço destinado ao movimento, interação e brincadeiras, com a mediação de pessoas educadoras dedicadas a provocar desafios ao propor às crianças reconhecer em si novas habilidades e possibilidades de movimento.

Inspirada no processo criativo do espetáculo “Rupestre – o que a terra conta”, esta vivência propõe uma imersão sensorial em torno da ideia de escavação e descoberta. O espaço é transformado em diferentes paisagens onde bebês e suas pessoas cuidadoras são convidadas a explorar como verdadeiros arqueólogos do brincar.A experiência convida o público a tocar, cheirar, mover e reorganizar o ambiente, encontrando pequenos tesouros. O gesto de colecionar – tão presente nas brincadeiras da primeira infância – é aqui entendido como pesquisa poética das materialidades e suas histórias.

PARLENDÔ – Eu e Você e Todo Mundo é um show musical cênico voltado a crianças e famílias que convida o público a embarcar em uma viagem sonora guiada por canções autorais e pela interação entre música e cena. No palco, instrumentos, vozes, adereços e ações cênicas constroem um ambiente lúdico que estimula a escuta, a imaginação e a participação do público. As canções acompanham a trajetória de viajantes em busca do desconhecido. Entre dúvidas e descobertas, o percurso se transforma em poesia e abre espaço para temas presentes no universo das infâncias, como diversidade, o livre brincar, sentimentos como saudade, medo e coragem, a preservação da natureza, a alimentação saudável e a força da criatividade.

É hora do almoço no Sanatório Boa Cabeça! Três supostos loucos sentam-se à mesa, porém não há nada para comer ou beber. Sedentos e famintos, os amigos inventam uma deliciosa “viagem” em busca de comida, que os levará para áridos desertos, para o fundo do mar e para longínquos planetas. Incríveis personagens e cenários, feitos de guardanapos, bacias, copos, garrafas pet, sacolas plásticas, talheres e pratos os acompanharão por suas aventuras. Nossos amigos atestam que “brincar ainda é o melhor remédio” para tudo. Eles transformam o que seria um sanatório em um... SONHATÓRIO!

Uma paródia de Dario Fo que brinca com nosso cotidiano, sonhos e preconceitos. Num espaço de proximidade, ator e espectadores empreenderão um flashback alegórico aos primeiros anos da vida de Cristo. Roberto Birindelli interpreta 22 personagens nesta obra-prima do autor italiano.

Nesta nova versão da vida da camponesa Bernadette Soubirous, o espetáculo mergulha com sensibilidade nas visões que marcaram sua existência e transformaram Lourdes. Mais do que relatar milagres, a peça revela a jornada íntima de uma jovem de fé pura, enfrentando dúvidas, pressões e descobertas. Com dramaturgia original e cenas emocionantes, A Visão de Bernadette oferece uma experiência profunda, espiritual e humana, iluminando a história da menina que enxergou o invisível.

A MOSTRA 20 ANOS RT FEATURES celebra as duas décadas da produtora brasileira comandada por Rodrigo Teixeira e reconhecida globalmente por sua dedicação a filmes autorais que ganharam destaque nos principais festivais de cinema do mundo.A programação conta com títulos que ajudam a mapear a trajetória da produtora. Dentre eles, obras marcantes do cinema nacional, como ALEMÃO, de José Eduardo Belmonte; O CHEIRO DO RALO, de Heitor Dhalia, e O ANIMAL CORDIAL, de Gabriela Amaral Almeida. Estarão presentes também filmes que fizeram a RT atravessar gêneros e fronteiras, como FRANCES HA, de Noah Baumbach; CALL ME BY YOUR NAME, de Luca Guadagnino; THE LIGHTHOUSE, de Robert Eggers; TARDE PARA MORRER JOVEM, de Dominga Sotomayor Castillo, e o recente KONTINENTAL’25, de Radu Jude.

A mostra Para gostar de cinema apresenta uma seleção de filmes pensada como um percurso aberto pela história do cinema. Em vez de seguir uma linha cronológica, a programação propõe um trajeto em zigue-zague, revelando diferentes caminhos e possibilidades de encontro com as imagens.A proposta da mostra é estimular o interesse e o encantamento pelo cinema, aproximando o público da experiência da sala de exibição e da relação entre cinema e vida. Para isso, cada filme exibido conta também com comentários produzidos pela equipe do CINUSP, formada por estudantes de diferentes cursos da universidade.Ao reunir obras diversas e incentivar novas leituras sobre elas, a mostra destaca o cinema como uma arte de descoberta, capaz de multiplicar mundos e provocar reflexões sensoriais, culturais e políticas a partir da experiência coletiva de assistir a um filme.

A mostra Para gostar de cinema apresenta uma seleção de filmes pensada como um percurso aberto pela história do cinema. Em vez de seguir uma linha cronológica, a programação propõe um trajeto em zigue-zague, revelando diferentes caminhos e possibilidades de encontro com as imagens.A proposta da mostra é estimular o interesse e o encantamento pelo cinema, aproximando o público da experiência da sala de exibição e da relação entre cinema e vida. Para isso, cada filme exibido conta também com comentários produzidos pela equipe do CINUSP, formada por estudantes de diferentes cursos da universidade.Ao reunir obras diversas e incentivar novas leituras sobre elas, a mostra destaca o cinema como uma arte de descoberta, capaz de multiplicar mundos e provocar reflexões sensoriais, culturais e políticas a partir da experiência coletiva de assistir a um filme.

A Fundação Stickel, em parceria com o MIS, apresenta a exposição “Stickel Poster Contest 3 – O Cartaz em Cartaz”, resultado da terceira edição do concurso anual de cartazes promovido pela instituição. Idealizado para valorizar o cartaz como forma de expressão artística, cultural e comunicacional, o concurso contou com a curadoria de Rico Lins e direção artística de Fernando Stickel, presidente da Fundação Stickel desde 2004. A exposição apresenta ao público a pluralidade de linguagens e abordagens do cartaz contemporâneo, da experimentação gráfica à reflexão crítica sobre formas e conteúdos visuais e reafirma o compromisso da Fundação Stickel com a difusão de práticas e saberes no campo do design gráfico. Além da mostra, será lançado o catálogo oficial do concurso, consolidando o registro desta edição.

Após encerrar a turnê internacional do álbum "Me Chama de Gato Que Eu Sou Sua", Ana Frango Elétrico retorna aos palcos com um novo espetáculo que reúne faixas de seus três álbuns, versões de sua discografia e músicas inéditas. Artista com múltiplos prêmios, Ana atua também nas áreas de produção musical, escrita e performance, consolidando-se como um dos nomes mais inventivos da música brasileira contemporânea.

A peça é um exercício sensorial delicado que encanta bebês e adultos. Apresenta o ciclo da vida da artista plástica Tomie Ohtake. Primeiro, nascimento, crescimento, desenvolvimento e envelhecimento de Tomie, viajando pelo universo de cores, formas, sons, músicas e gestos do Japão. Depois, é revelado o contato da artista com as cores, formas e cultura brasileira.

Laurinha brinca de criar filmes em um antigo cinema desativado de seu bairro, quando percebe que esse cinema e grande parte de sua vizinhança foi vendida para os Srs Compasso e Descompassado. Laurinha conhece um personagem que atravessou os tempos, o Lanterninha, e juntos criam um filme para evitar que todos os antigos moradores do bairro tenham que mudar de suas casas.

O espetáculo infantil Alice no País das Maravilhas, escrito e dirigido por Leandro Mariz, apresenta a jornada de uma garota sonhadora em busca de um mundo de aventuras e descobertas, onde tudo pode acontecer. Misturando fantasia, humor e personagens icônicos, a peça celebra a força da imaginação e mostra como crescer também pode ser aprender a olhar de modo diferente para o mundo.

Tendo cometido filicídio, uma mulher, Medea, avança a bordo de Marus, uma especial embarcação, rumo à sua terra de origem, Yewá. Uma navegação que é também uma jornada de revista sobre sua condição de mulher oprimida pelo desleal conquistador Nassár. Nesse retorno à gênese, Medea acaba também por evocar um coro de mulheres barqueiras, as Marinhas, vozes que com ela viajam, fortalecem o coletivo para a luta e preparam-na para a reconciliação com Hélsius, o acendedor de Sóis, seu avô, em busca de um mundo reinventado.

O projeto propõe uma ação cultural em torno do lançamento do livro *Pedra da Sabedoria*, de Donaldo Buchweitz e Filipe Macedo, com ilustrações de Leandro Mendes, no Centro Cultural São Paulo. A iniciativa busca ampliar o acesso à literatura infantil contemporânea e incentivar a leitura desde a infância, abordando temas como aprendizagem, diversidade, inclusão e neurodivergência de forma sensível e acessível.A obra apresenta um universo simbólico em que o conhecimento é vivido como experiência afetiva e coletiva, destacando a personagem Lorena, que enfrenta dificuldades de aprendizagem. O lançamento inclui atividade musical e promove o encontro entre crianças, famílias e educadores.

A montagem dirigida por Maria Alencar, com dramaturgia de Luane Sato é um convite à suspensão do tempo e ao ato de brincar e imaginar, a partir do encontro entre uma onça e uma criança que juntas precisam desvendar um mistério.De um lado do rio, uma onça acorda no meio da noite sentindo uma coceira estranha no peito. Inquieta, procura a Velha Ventania - aquela que tece o tempo. Do outro lado do rio mora uma criança que acorda no meio da noite porque seu coração treme. A Dona Onça e a Velha Ventania escutaram o coração da criança e terão que atravessar o rio.

O QG Animal é uma celebração da infância e da imaginação. Levamos a magia das brincadeiras tradicionais, música e dança, resgatando valores essenciais enquanto diverte. Os nossos personagens: Léo Leão, Dipelúcia, Lala e Toupeira, os quatro heróis vão invadir a sua casa com muita diversão e alegria. E proporcionar entretenimento e muita alegria para brincar em família e entre amigos.

Idealizado por 6 mulheres que tem como base musical o samba e o pagode raiz. Mulheres com histórias e vivências, similares, amigas e parceiras musicais em diversos projetos paralelos, fizeram de um desejo, a concretização de um projeto, que não só se empodera em um universo machista, mas que também ressignifica a história individual de cada uma com o samba.Essa união deu ao Preta Batuque, o ímpeto latente de estarem juntas e tocando grandes sucessos da MPB (Música Preta Brasileira). O projeto é uma celebração da negritude, do feminino, da ancestralidade, da existência, do respeito aqueles que nos deram a missão de continuar ressoando a força do samba em suas diversas vertentes.

Fábio Porchat apresenta seu espetáculo de stand-up "HISTÓRIAS DO PORCHAT", trazendo consigo pelo quarto ano consecutivo um repertório de narrativas que prometem arrancar risadas incontroláveis da plateia pelo Brasil e pelo mundo. Ao longo de suas inúmeras viagens, Fábio acumulou experiências únicas, desde encontros com gorilas em safáris africanos até situações hilárias como uma massagem quase erótica na Índia e uma improvável dor de barriga no Nepal. Essas vivências se transformam em combustível para uma apresentação cheia de humor e descontração.

Quando a identidade de um cadáver torna-se a única solução para a subsistência de outro homem é sinal de que algumas sociedades precisam se reinventar. Com sensibilidade, afeto e bom humor, a peça expõe os efeitos da opressão e a luta por dignidade de um homem negro dentro de um sistema que ignora o direito de simplesmente existir.

Em Baixa Sociedade, o público acompanha Otávio, um homem disposto a tudo para mudar de vida — mentir, fingir, inventar — acreditando que o sucesso depende apenas da aparência certa. A partir dessa trama, Juca de Oliveira constrói um retrato divertido e incômodo do brasileiro contemporâneo: aquele que sonha em subir, mas não percebe que o chão ainda está por fazer. Com humor afiado, “Baixa Sociedade” marca o encontro de dois grandes nomes da cena brasileira — e promete fazer o público rir, pensar e se reconhecer.

A história retrata João, que, já velho e inválido, recorda sua intensa e tumultuada relação com Teresa, um amor quase extremista e doentio, marcado pela impossibilidade de alcançar a perfeição e por um suicídio simulado de Teresa que João só descobre anos depois.

“Meu Remédio” escrita, produzida e estrelada por Mouhamed Harfouch, com direção de João Fonseca, a montagem chega à segunda temporada paulista fortalecida por um ano praticamente inteiro em cartaz e pelo reconhecimento da crítica, do público e de premiações importantes. Com personagens que simbolizam figuras marcantes das duas primeiras décadas de sua vida, costurada a uma trilha cantada e tocada ao vivo, “Meu Remédio” convida o público a refletir sobre a relação com as próprias origens, partindo do íntimo para alcançar o coletivo. O espetáculo, que se consolidou como um dos solos mais bem-sucedidos do ciclo recente, evidencia como cada história pessoal é atravessada por escolhas, afetos e camadas que moldam quem somos, emocionando plateias ao tratar de identidade, pertencimento e autoconhecimento. A nova temporada aprofunda esse percurso, ressaltando que, muitas vezes, o maior remédio é aceitar quem se é.

Inspirado nos elementos da natureza, o espetáculo conduzido por Fabiana Godoy e Luan Carbonari convida o público a criar imagens singulares e a mergulhar em um universo de sensações. Voltado à imaginação dos bebês e das crianças, o projeto apresenta de forma lúdica e sensorial temas que fazem parte do seu cotidiano.Mais do que um espetáculo, é uma experiência de aprendizagem, partilha e encontro entre bebês, crianças e famílias — uma delicada porta de entrada para o mundo da arte. Este não é um projeto para ser apenas assistido, mas vivenciado: uma experiência divertida, sensorial e profundamente respeitosa às necessidades do público infantil.

Orquestra Experimental de Repertório e Coro Lírico Municipal se unem em um grande programa dedicado a Richard Wagner.Sob a regência de Wagner Polistchuk e preparação coral de Hernán Sánchez Arteaga, o concerto percorre momentos marcantes da obra wagneriana.No repertório, trechos de Lohengrin, Tristão e Isolda, Navio Fantasma, Crepúsculo dos Deuses, As Valquírias e Tannhäuser.

Para celebrar seus 80 anos de vida e 60 de carreira, a atriz Ana Lúcia Torre divide com o público memórias e reflexões em um espetáculo que fala letras de diversas músicas de Chico Buarque, com participação do pianista Diógenes Junior. Quem assiste se identifica totalmente com os temas que compõem a narrativa, como arte, amores, separações, maternidade, resistência, sociedade e o tempo. Letras de clássicos como Meu Guri, Beatriz, Geni e o Zepelim, Valsinha, Atrás da Porta e Olhos nos Olhos, entre muitas outras, compõem o roteiro.

Dois performers cruzam experiências pessoais sobre o impacto das ações afirmativas em diversos âmbitos da educação formal no Brasil. Usando elementos de sala de aula e explorando a linguagem da contação de histórias, trazem de forma épica um diálogo entre os alunos que foram e os professores e artistas que são, refletindo sobre os impactos do racismo estrutural na formação escolar. Em uma breve retrospectiva, investigam temas como a implementação da política de cotas, a resistência de diversos setores às ações afirmativas e a necessidade de reformas no ambiente escolar. Colocando uma lupa sobre as vivências, somando ao diferentes movimentos de mudança na educação, dividem os questionamentos com o público e como resultado os impactos dessas experiências são dissecados.

O Teatro Santos Augusta traz de volta a comédia Meu Remédio, estrelada por Mouhamed Harfouch, com direção de João Fonseca. Em curtíssima temporada, o espetáculo explora, de forma leve e bem humorada, questões sobre origens, ancestralidade, identidade e o poder transformador da aceitação pessoal. Depois de uma temporada de sucesso no Rio de Janeiro, Meu Remédio estreia em São Paulo, trazendo uma narrativa profundamente pessoal e emotiva, em que Harfouch mergulha na sua história de vida, em um processo criativo íntimo que levou o artista a revisitar sua trajetória, seu nome e sua herança cultural. Assim, o ator, também responsável pelo texto e pela produção, transforma um projeto essencialmente pessoal em uma expressão artística para o grande público, com quem compartilha seus questionamentos e provocações.

Sucesso de público e crítica, o musical Ney Matogrosso – Homem com H, produção da Paris Cultural, retorna a São Paulo para mais uma temporada. O espetáculo tem texto de Emílio Boechat e Marilia Toledo, vencedores do Prêmio Bibi Ferreira por este trabalho. Marilia também divide a direção da peça com Fernanda Chamma, enquanto a direção musical é assinada por Daniel Rocha. No palco, o camaleônico Ney Matogrosso — grande homenageado do musical — é interpretado por Renan Mattos (que venceu os prêmios Bibi Ferreira e DID 2022, além de ter sido indicado ao APCA) – que é acompanhado por mais 16 atores e banda ao vivo composta por 6 músicos.

O que leva um homem pacífico, que sente repulsa por qualquer tipo de violência, que aprendeu a viver evitando conflitos – para não ser alvo da agressividade de outras pessoas – o que leva esse homem a cometer um ato extremamente violento? É a partir dessa pergunta que nasce a escrita de O Motociclista no Globo da Morte. O texto apresenta a história de Antonio, um matemático, um homem racional e sensato que, numa tarde de um dia qualquer, se vê̂ envolvido numa espiral de violência quando almoçava em um bar. É a partir deste fato, que muda a sua vida para sempre, e enquanto conta ao público com riqueza de detalhes o que aconteceu, que Eduardo vai tecendo considerações sobre as diversas formas de violência que resultam da vida em sociedade. E se é possível, aos seres humanos como indivíduos, combater essa violência ou se é inevitável render-se a ela.

Em uma arena que ora é rodeio, ora é o centro de um sítio, personagens se enfrentam à mesa de jantar ou diante de um touro bravio, tentando decifrar um país que “rumina” e “agoniza” em busca do próprio destino. Não se sabe se o que se vê é o retrato de um Brasil cruel e conservador ou uma antiga fábula infantil que ajudou a moldar o imaginário nacional.