A mostra é uma homenagem à rica tradição do samba paulistano. A partir do olhar sensível do fotógrafo Wagner Celestino, a exposição retrata figuras lendárias do samba, como Seu Nenê da Vila Matilde, Xangô da Vila Maria e Carlão do Peruche. Instalado sob a marquise do museu, na área externa, o acervo apresentará as fotografias acompanhadas de biografias dos homenageados.

Novo centro cultural na cidade, a Casa Bradesco inaugura com uma mostra do artista britânico Anish Kapoor. A exposição apresenta 18 esculturas de diferentes momentos da carreira do artista e uma nova obra, criada especialmente para a exposição, com o título de “Blinded by Eyes, Butchered by Birth”. A instalação é um inflável de grandes proporções que tensiona o edifício por todos os seus cantos. Concebidaespecialmente para a mostra no Brasil, a obra evoca uma relação com a inflamação concentrada em um gigantesco órgão, que pulsa e domina o espaço. A condição que carregaé a fragilidade essencial da existência: o que mantém a obra viva é uma pulsação constante, ela é viva e dominante.

Exposição individual da artista Geórgia Kyriakakis. Com texto crítico de Paula Borghi, a mostra traz obras que suscitam reflexões sobre a cultura, a história e a herança social do processo colonizador na América Latina.Inspirada pela canção "Sangue Latino", composta em 1973 por Paulinho Mendonça e João Ricardo, e eternizada pela banda Secos e Molhados, a artista propõe uma visão ampliada da América Latina, que ultrapassa conceitos geográficos e contrapõe a influência cultural norte-americana.Composta por esculturas, desenhos, instalações e ações colaborativas, a exposição ocupa todo o espaço da galeria. No piso térreo estão duas séries de desenhos inspirados na história da cidade de Chuquicamata, no Chile, abandonada devido à poluição do ar e à contaminação causada pela exploração de cobre na região. Na parede principal, a artista apresenta VEIAS ABERTAS, uma extensa faixa de tecidos vermelhos de diferentes formatos e texturas, cobrindo toda a metade inferior da parede. São quase 20 metros de tecidos sobrepostos, dispostos de modo a representar a divisão geográfica entre norte e sul. Esses tecidos trazem recortes de trechos da música Sangue Latino: “minha vida, meus mortos, meus caminhos tortos, meu sangue latino, minha’alma cativa”. Ainda no térreo, outra frase da mesma canção inspira a criação das três esculturas chamadas LANÇA AO ESPAÇO, compostas por 15 lanças de madeira torneada, pontiagudas e encaixadas umas nas outras. No andar superior, estão expostas ações colaborativas propostas por Kyriakakis em parceria com as artistas Carla Chaim, Aline Langendonck, Isis Gasparini e Vânia Medeiros, desenvolvidas para envolver a participação da equipe da galeria. Exceto Vânia Medeiros, todas as demais artistas, e também a curadora Paula Borghi, foram alunas de Kyriakakis no curso de Artes Visuais da Faap. O projeto surgiu do desejo da artista de unir sua atuação como artista e professora em uma mesma iniciativa.

Primeira exposição do artista da Baixada Fluminense O Bastardo. A partir de um processo de apropriação de símbolos e ícones presentes em obras canônicas da história da arte ocidental, O Bastardo propõe a criação de um mundo utópico onde as figuras dessas obras habitam uma realidade paralela, marcada pela presença e protagonismo da figura preta. O artista descreve esse processo como um “atropelamento” dos clássicos, uma sobreposição que expõe a existência desse universo alternativo. A individual conta com texto curatorial da historiadora Lília Schwarcz.

Após iniciar a turnê Super em janeiro de 2024, o cantor Jão volta a São Paulo para apresentar o seu show que atravessa diferentes momentos da sua carreira e que traz uma estrutura e cenário do nível de turnês internacionais. Dividida em atos, a SUPERTURNÊ atravessa todas as fases da carreira de Jão. O setlist é formado por faixas de seus quatro álbuns lançados – Lobos, Anti-Herói, Pirata e Super -, contemplando os quatro elementos que compõem o universo: Terra, Ar, Água e Fogo.

Com idealização de Vanessa da Mata, direção de Jorge Farjalla e texto de Jorge Farjalla e André Magalhães, o musical “Clara Nunes - A Tal Guerreira” volta em cartaz para mais uma temporada a partir do dia 10 de janeiro, no Teatro Renault. Esta é a primeira peça brasileira - e que não é uma produção original da Broadway - a se apresentar nesse espaço considerado pioneiro para o teatro musical nacional.A peça é uma viagem onírica pela trajetória da intérprete que escreveu seu nome na história da música popular brasileira através do samba e de sua busca na religiosidade de um povo ecumênico, miscigenado e plural, universalidade das raças dentro de um corpo-partitura, que cultua os santos, reza um canto e canta um ponto.O palco de um teatro, sua morada, é o ponto de partida na sagração de sua história. Guiada pela amiga e diretora Bibi Ferreira e por seus Orixás, Clara ainda está arraigada no plano físico e precisa entender a transição entre dois mundos, vida após a vida, mistura instigante e curiosa, amálgama de um pensamento terreno.

O show “Miudinho” propõe um momento aconchegante e lúdico, com uma sonoridade característica do Triii, com vozes, guitarra, violão e bateria. Além das músicas mais cantadas pelas crianças e toda a família, como “A E I O U”, “Viro Vira Virou”, “O Tomate e o Caqui”, “Pão Pão Pão”, o repertório também apresenta canções mais recentes, como “Vai Começar”, “Xote da Dona Ema”, “Corujinha”, “Purê”, entre outras.Formado por Marina Pittier, Fê Stok e Ed Encarnação, o Grupo Triii surgiu com o encontro de três pessoas que têm três coisas em comum: a amizade, a identificação musical e a admiração e respeito pelas crianças. A proposta do Triii é criar um contato direto com crianças e adultos através da música e da brincadeira, de forma sensível, divertida e criativa.

Lil Darkie, nome artístico de Joshua Jagan Hamilton, é um artista experimental de trap metal de Long Beach, Califórnia. Ele é o fundador dos grupos Gunk Rock e Spider Gang. Seus gêneros musicais se diferenciam a cada lançamento, de uma forma bastante consistente, variando desde o Country até o R&B.

O artista mineiro, natural de Poços de Caldas, Teodoro Dias, ganha sua primeira exposição individual. Com curadoria de Taisa Palhares, a mostra apresenta um conjunto de 41 obras, entre pinturas, desenhos e esculturas, que revela a essência da poética visual do artista: uma forma compositiva sintética, com a combinação de faixas verticais que só diferem na largura e na cor e que lembram o caráter repetitivo e anônimo do mundo industrial. A arte de Teodoro Dias lida com formas simples que poderiam se resumir a duas linhas paralelas. A sua preocupação central reside na criação de objetos que não se mostram ostensivamente como arte. Elas estão na origem de suas gravuras, desenhos, pinturas e objetos tridimensionais. O desafio do artista, conscientemente, está na capacidade de, a partir de elementos tão simples, proporcionar ao público experiências que revelem as possibilidades infinitas contidas em gestos corriqueiros e anônimos: traçar uma linha ao lado da outra.

Primeira individual do artista Thiago Barbalho na cidade de São Paulo. Tendo o desenho como principal eixo de sua poética, Barbalho iniciou sua trajetória profissional como escritor e, segundo o artista,”o desenho veio do processo de insatisfação com a escrita, do esgarçamento dessa relação.” Gradualmente Barbalho percebeu que, por meio de grafismos e signos, muitas vezes realizados acidentalmente, era possível elaborar sobre a imensa maioria de imagens e estímulos visuais com os quais nos deparamos cotidianamente. Para ele, os estímulos visuais que nos rodeiam, das mais diversas naturezas, de símbolos religiosos a anúncios publicitários, provocam fascínio e encantamento em quem os observa, como se estes “nos enfeitiçassem”.Assim, em seus trabalhos, uma profusão de elementos orgânicos, religiosos e ancestrais de colorido intenso estão diluídos em meio à grande quantidade de detalhes presentes nas composições, onde, por vezes, figura e fundo se confundem. Outro dado importante é a gestualidade e as diferentes maneiras com que o artista manipula o lápis de cor, o pastel, as canetas e marcadores, bem como a tinta acrílica e óleo.A mostra reúne diferentes formatos de trabalhos, desde obras de grandes dimensões até desenhos feitos em pequenos cadernos.

Com curadoria de Luis Pérez-Oramas, a mostra coletiva reúne 37 trabalhos do final do século XX, realizados por 18 artistas : Amelia Toledo, Angelo Venosa, Antonio Dias, Carlito Carvalhosa, Carlos Zílio, Cristina Canale, Daniel Senise, Fabio Miguez, José Claudio, Karin Lambrecht, Leda Catunda, Leonilson, Marcos Chaves, Mira Schendel, Paulo Bruscky, Sérgio Sister, Tomie Ohtake e Vik Muniz. Embora esse período na arte brasileira tenha sido marcado por um ressurgimento da pintura, em especial por meio da chamada Geração 80, a mostra apresenta trabalhos em diferentes linguagens, como aquarelas, desenhos, esculturas e bordados. Um elemento que chama a atenção em alguns trabalhos é, por exemplo, a influência do Neo Expressionismo alemão, visível nas pinturas de Fábio Miguez e Carlito Carvalhosa, durante o período em que ambos trabalhavam juntos no Ateliê Casa 7. O colorido escuro e a presença de elementos de aspecto cartunesco eram característicos de nomes que lhes serviam de referência, como Markus Lupertz, Philip Guston e Jean Michel Basquiat. Referências a natureza também podem ser observadas em alguns trabalhos da mostra, como o de Antonio Dias, datado do início dos anos 1990, no qual emprega materiais como grafite, cobre e malaquita, de forma a investigar circuitos energéticos, e no de Angelo Venosa, de 1994, onde realiza experimentos plásticos com dentes de boi e chumbo. No campo das abstrações, os principais pontos da mostra são as experimentações formais e cromáticas realizadas por Tomie Ohtake e Amelia Toledo.

Bahia afrofuturista: Bauer Sá e Gilberto Filho marca a estreia dos artistas baianos em São Paulo em uma exposição que conta com dois núcleos expositivos distintos: no primeiro, um conjunto de 30 fotografias de Bauer Sá, produzidas entre os anos 1990 e 2000, que exploram a ancestralidade afro-brasileira por meio de temáticas raciais e divindades africanas; no segundo, a primeira exposição individual de Gilberto Filho, apresentando esculturas em madeira que datam desde 1992 até o presente e retratam cidades utópicas e modernas nascidas da imaginação do artista.A mostra, que conta com curadoria de Tomás Toledo e Alana Silveira, esteve em cartaz na Galatea Salvador, no período de julho a setembro de 2024. O texto crítico é assinado pelo artista e curador Ayrson Heráclito, reconhecido por seu trabalho que aborda a cultura afro-brasileira e suas conexões históricas, e pelo escritor e historiador Beto Heráclito. Eles destacam que os trabalhos de Bauer e Gilberto, de naturezas distintas, dão a ver diferentes facetas do conceito de afrofuturismo.

A exposição apresenta um conjunto de 44 obras do artista Francisco Galeno, que ao longo de sua carreira explora múltiplas técnicas, como a pintura e escultura em madeira, além da ressignificação de objetos do cotidiano. Com texto crítico do pesquisador e curador Leno Veras, a primeira mostra apresenta trabalhos de Francisco Galeno (Parnaíba, PI, 1957). Produzindo há mais de quatro décadas, o artista construiu o seu vocabulário visual a partir do cruzamento entre as vivências da sua infância no Delta do Parnaíba, no Piauí, e o imaginário modernista de Brasília, para onde a sua família se mudou quando ele tinha 8 anos. Em 1969, instalaram-se em Brazlândia, cidade nos arredores da capital federal, lugar em que Galeno se iniciou enquanto artista e mantém ateliê até hoje. Atualmente, ele vive e trabalha entre Brazlândia e Parnaíba, onde também possui ateliê.As obras de Galeno conjugam tanto o interesse geométrico que aprendeu em Brasília, com as linhas da arquitetura e as obras de mestres como Alfredo Volpi, Athos Bulcão e Rubem Valentim; quanto um caráter lírico e lúdico ao trazer símbolos da sua infância, dos brinquedos e dos objetos que o cercavam, como as bolas de gude e de futebol, os carretéis da sua mãe rendeira e os anzóis e a madeira do seu pai pescador e marceneiro.

Exposição inédita do artista e cineasta César Oiticica Filho. Sobrinho de Hélio Oiticica e carinhosamente chamado de Cesinha, sua pesquisa transita entre a pintura e a fotografia, explorando os multimeios que conectam as artes plásticas e o cinema. Com texto crítico de Paula Borghi, a exposição apresenta uma seleção de seis obras inéditas em grande formato, com destaque para “Intervenção Quântica”, uma instalação com telas posicionadas na fachada da galeria, convidando o visitante a adentrar a mostra e explorar a cor, a luz e as energias quânticas, ao mesmo tempo em que surpreende as pessoas que passam pela rua, por meio do diálogo que a obra exerce com a cidade.No campo das artes visuais, César Oiticica Filho também trabalha com instalações e vídeos que lidam com a sobreposição de camadas de significados, recorrendo muitas vezes a arquivos pessoais, familiares e históricos para criar obras que são ao mesmo tempo íntimas e coletivas. Ele utiliza uma abordagem híbrida, combinando mídias analógicas e digitais, o que possibilita um olhar inovador sobre o tempo, a memória e o legado artístico.

O Liceu de Artes e Ofícios de São Paulo, uma das instituições mais importantes na formação técnico-profissional do Brasil, celebra 150 anos com a exposição que revela um olhar detalhado sobre a contribuição do Liceu na construção do patrimônio arquitetônico e artístico da capital paulista, pelas fotografias de Leonardo Finotti e Nelson Kon.A exposição, com curadoria de Gustavo Curcio e Fernanda Carvalho, apresenta a grandiosidade e as minúcias de edifícios icônicos de São Paulo, erguidos graças ao trabalho da instituição ao longo de 15 décadas de existência. Monumentos como a Pinacoteca do Estado, o Theatro Municipal e a Catedral da Sé estão entre os destaques, oferecendo ao público uma visão inédita de espaços que muitas vezes passam despercebidos pelo observador.

A exposição inédita “Ancestral: Afro-Américas - Estados Unidos e Brasil” aborda as relações entre os dois países sob a ótica da diáspora africana e como ela está presente nas artes visuais. Sediada no Museu de Arte Brasileira da FAAP, a mostra gratuita reúne 132 obras de grandes artistas de ambos os países. Organizada em tres eixos três eixos – corpo, sonho e espaço – "Ancestral" promove um encontro que valoriza o conceito de identidade afro-americana no Brasil e nos EUA e da arte decolonial. A exposição não apenas homenageia os artistas que desafiaram as brutalidades e o apagamento do colonialismo, mas também busca fomentar um diálogo aberto sobre o impacto e a relevância das raízes africanas ancestrais na sua formação e em seus contextos sociais. A exposição recebe trabalhos inéditos das artistas Gê Viana, Simone Leigh e Gabriella Marinho, assim como trabalhos importantes de nomes fundamentais da arte brasileira e estadounidense, como Abdias do Nascimento, Rubem Valentim, Faith RIngold e Betye Saar.

O Museu de Arte Moderna realiza a 38a edição do tradicional Panorama da Arte Brasileira, dedicado a apresentar a pluralidade da arte contemporânea no país. Em razão de reformas na marquise do Parque do Ibirapuera, a exposição ocorre desta vez na sede do MAC-USP, localizado em frente ao parque. Com curadoria de Germano Dushá e Thiago de Paula Souza, e curadoria-adjunta de Ariana Nuala, esta edição apresentará obras de 34 artistas, de 16 estados brasileiros. O título da exposição parte de uma expressão coloquial que pode assumir múltiplos significados a depender do contexto, mas que invariavelmente funciona como índice de elevada intensidade. Em texto de apresentação sobre o projeto, a curadoria conta que “a mostra orienta-se pelo interesse por formulações ligadas à experimentação, ao risco intenso, às situações radicais, às condições extremas marcadas pelo calor — metafísico, metafórico e climático —, e aos estados — da alma e da matéria — que nos põem diante da transmutação como destino inevitável e imediato”.

Exposição inédita e autoral que celebra a carreira de um dos cineastas contemporâneos independentes mais instigantes, traçando um panorama da obra audiovisual de Bruce e culminando em uma instalação baseada em seu último longa-metragem, “The Visitor”. A exposição conta com pôsteres, cenas de bastidores, press kits oficiais, trailers, testes de elenco, stills de filmes, entre outros itens.

O Memorial da América Latina tem o prazer de anunciar a inauguração da exposição “ASSENTAMENTO”, uma proposta do artista-autor Pedro Martins.A mostra se insere em um contexto de reflexão crítica sobre o apagamento das memórias negras nos espaços urbanos, abordando as políticas de memoricídio que visam silenciar a história cultural e patrimonial das populações negras.Com uma seleção de 60 trabalhos, a exposição analisa a dinâmica das memórias urbanas e suas interações com os processos coloniais no Brasil, focando em bairros memoráveis da capital paulista, como Liberdade, Paissandu, República, entre outros.

A exposição homenageia um dos cineastas mais célebres do século 20, diretor de clássicos como Crepúsculo dos deuses e Quanto mais quente melhor. Com recriações de cenários e um panorama de seus trabalhos mais influentes, a exposição convida os visitantes a mergulhar na piscina de Norma Desmond, dançar com Marilyn Monroe, tramar golpes de indenização no cinema noir, desvendar casos de tribunal concebidos por Agatha Christie, escapar do inferno número 17 e se render aos encantos de Sabrina.

Após fazer sucesso nas redes sociais falando sobre moda, comportamento e estilo, Thai de Melo fez sua estreia nos palcos com o espetáculo Como é que eu vim parar aqui?. Com direção de Bruno Guida e produção de Dani Angelotti, a montagem retorna aos palcos do Teatro Unimed trazendo as experiências e reflexões da comunicadora de forma cômica e questionadora. Com uma abordagem de autoficção, que busca conduzir o público por uma jornada profunda pela mente da protagonista, no palco são explorados os momentos em que ela se depara com situações inesperadas, questionando-se sobre as escolhas que a levaram até ali.

Inspirada no livro O Colar de Pérolas, publicado em 1846 pelos escritores britânicos Thomas Peckett Prest e James Malcom Rymer, Sweeney Todd – o Cruel Barbeiro da Rua Fleet é uma fábula vitoriana macabra adaptada com maestria por Stephen Sondheim. O espetáculo, que teve temporada esgotada em São Paulo e passou por Curitiba em curtíssima temporada, retoma sessões na capital paulista, agora no palco principal do Teatro Santander. O musical conta a história de Benjamin Barker, barbeiro que se viu obrigado a ir embora de Londres por conta de uma briga com o cruel Juiz Turpin (Rodrigo Mercadante). Após 15 anos afastado da cidade, ele retorna sob o pseudônimo Sweeney Todd (Saulo Vasconcelos) e sedento por vingança. Ao chegar ao lugar onde funcionava sua antiga barbearia, na Rua Fleet, Todd se depara com uma arruinada loja de tortas administrada pela Dona Lovett (Andrezza Massei). A partir daí, Todd e Lovett unem forças para que ele se vingue de Turpin, e ela faça sua loja crescer com tortas recheadas de ingredientes muito suspeitos.As apresentações contam com orquestra ao vivo, composta por 9 músicos e elenco de 18 atores.

A exposição "Extasia", de Flávia Junqueira, proporciona aos visitantes uma experiência mágica e nostálgica a partir da proposta instalativa, em que a artista constrói um espaço teatral e onírico com esculturas, vídeo e fotografias que exploram o universo da fantasia e dos afetos lúdicos da infância, convidando o espectador a sonhar novos mundos.O ambiente onírico da exposição-instalação é composto por elementos do meio infantil como balões coloridos e cavalinhos de carrossel, contrapostas à experiência de estranhamento criada pelos cavalinhos girando de ponta cabeça. Sensações ambíguas como medo e desejo compõe a teatralidade da proposta, um limiar entre fantasia e realidade.

Nascida na Polônia em 1922, em uma família judaica, Stefania emigrou para o Brasil em 1950. Em São Paulo, em 1970, consolidou-se inicialmente como fotógrafa e, a partir dos anos 1980, como crítica e curadora. Em suas imagens, captou especialmente cenas cotidianas, pessoas comuns e momentos de encontro e irreverência, em perspectivas que propõem sutis deslocamentos na forma de olhar para as metrópoles e seus habitantes. Foi a primeira pessoa a assinar como crítica de fotografia na imprensa brasileira, escrevendo por mais de uma década no jornal O Estado de S. Paulo e na revista Iris Foto. Em suas colunas, analisou boa parte da produção fotográfica brasileira e internacional apresentada em São Paulo nos anos 1980. A exposição foca especialmente na produção fotográfica da artista, menos conhecida do que sua atuação crítica. São exibidas cerca de 160 fotografias, grande parte em preto e branco, tiradas sobretudo na década de 1970, ampliadas digitalmente a partir dos negativos. As imagens, muitas delas inéditas, abrangem duas grandes temáticas presentes na obra de Stefania: as cidades, vistas a partir de uma perspectiva crítica à modernidade, e as pessoas que as habitam – crianças, idosos, trabalhadores. A seleção traz ainda dois núcleos com vídeos e documentos que mostram seu trabalho enquanto crítica, curadora e articuladora do campo fotográfico. A seleção tem curadoria de Ileana Pradilla Ceron e Miguel Del Castillo, com assistência de Pamela de Oliveira. No dia da abertura (27/8), às 19h, os curadores participam de uma conversa sobre a mostra com a jornalista Cremilda Medina e as fotógrafas Maureen Bisilliat e Nair Benedicto.

A dupla Twenty One Pilots apresenta no Brasil a turnê de seu novo álbum de estúdio: Clancy. No trabalho, o grupo inicia uma nova era da sua trajetória no cenário da música alternativa. Com mais de 33 bilhões de streams em todo o mundo e mais de 3 milhões de ingressos vendidos em turnês mundiais, a dupla de Columbus, Ohio, nos Estados Unidos, composta por Tyler Joseph e Josh Dun, se estabeleceu como uma das bandas de maior sucesso do século 21 e redefiniu o som de uma geração.

A exposição apresenta ao público uma compreensão geral sobre o vínculo entre a mudança global do clima e a mobilidade humana, evidenciando as diferentes maneiras pelas quais a ciência, os agentes sociais (associações, ONGs e OIs) e as artes lidam com fenômenos tão complexos.

A galeria apresenta a sua última exposição de 2024,  uma mostra coletiva que reúne 62 obras de 23 artistas, com curadoria de Lorenzo Mammì. Entre pinturas, desenhos e esculturas, Metamorfoses e Distâncias evidencia a relevância da Estação no mercado de arte, por majoritariamente partir do acervo da própria galeria, reunindo obras dos seguintes artistas: G.T.O.; Alcides Pereira dos Santos; Chico da Silva; Félix Farfan; Francisco Graciano; Manuel Graciano; Véio; José Bezerra; Agnaldo Manoel dos Santos; Aurelino dos Santos; Artur Pereira; Conceição dos Bugres; Nino; Júlio Martins da Silva; Izabel Mendes da Cunha; Neves Torres; Jandyra Waters; Cardosinho; Salmi López Balbuena. Dos 23 artistas que compõem o conjunto de obras selecionadas pelo curador, apenas quatro não são representados pela Galeria Estação: Tunga, Jaider Esbell, Elisa Bracher e Nuno Ramos.

Cinquenta artistas visuais de diversos países da América Latina interpretam a trajetória da Fundação

Primeira mostra individual no Brasil do espanhol Antonio Ballester Moreno, intitulada Água (verde). É a segunda apresentação de suas obras no país desde sua participação como artista e membro da equipe de curadoria na 33ª Bienal de São Paulo: Afinidades Afetivas (2018). O texto crítico da exposição é assinado pela curadora e crítica de arte Taisa Palhares. A mostra é composta por um conjunto inédito de telas em grandes dimensões, que funcionam como um cenário no qual Ballester cria um ambiente por meio da relação entre cada uma das pinturas e suas respectivas combinações de formas e cores.

Histórias de vida contadas no formato de literatura de cordel são os destaques da mostra temporária Vidas em Cordel. A iniciativa mostra narrativas individuais de pessoas comuns e personalidades como obras literárias, ao mesmo tempo épicas e cotidianas. A exposição é uma parceria do Museu da Língua Portuguesa com o Museu da Pessoa. A curadoria é do poeta e cordelista Jonas Samaúma, do cordelista e pesquisador do folclore brasileiro Marco Haurélio, e da xilogravadora Lucélia Borges. O projeto ainda conta com uma cabine interativa, onde os visitantes podem gravar depoimentos. Além disso, uma versão virtual do projeto permite que os visitantes tenham acesso a conteúdo exclusivo. Dentre as 21 histórias de vida cordelizadas exibidas, três são expostas ao público de forma inédita. São narrativas inspiradas nos depoimentos de personalidades ímpares, que desenvolveram trabalhos de grande impacto na região da Luz, no centro histórico da capital paulista, onde o Museu da Língua Portuguesa está localizado. A exposição chega a São Paulo depois de passar por Pernambuco (Santa Cruz), Bahia (Salvador, São José do Paiaiá, Mucugê e Feira de Santana) e Minas Gerais (Paracatu). Entre as histórias cordelizadas inéditas, há, por exemplo, a de Cleone Santos, uma mineira de Juiz de Fora que trabalhou como prostituta no Parque Jardim da Luz, em São Paulo, por 18 anos. Ela criou o Coletivo Mulheres da Luz, que oferece apoio e dá visibilidade às mulheres em situação de prostituição. Há ainda histórias cordelizadas de nomes conhecidos, como o líder indígena e imortal da Academia Brasileira de Letras, Ailton Krenak, e o jornalista Gilberto Dimenstein.

Fernanda Valadares (1971, São Paulo, SP) inaugura a individual "La inmensidad del lugar y la intimidad del espacio (y viceversa)…", com texto crítico de Alexia Tala, na Aura. A mostra, que reúne um conjunto composto pelas séries mais recentes da artista, explora as tensões entre os conceitos de espaço e lugar através de arquiteturas vazias e volumes naturais.Marcada pela destreza no reordenamento da lógica entre imensidão e intimidade, a prática de Fernanda desenvolve algo de uma transformação do vazio em território poético. Ao ensaiar a impregnação de experiências subjetivas sobre paisagens naturais ou espaços arquitetônicos, o conjunto se desdobra em torno de metáforas da condição humana que se alastram por uma espécie de reverberação da quietude.Por meio das sobreposições das camadas da encáustica, a artista sugere um deslocamento atmosférico; espaços que outrora eram parte do sistema carcerário podem se transformar em lugares por meio de mudanças de contexto e função. O que era historicamente denso e pesado, como penitenciárias ou ilhas prisionais, parece se fazer suspenso do mundo, o que garante ao trabalho um caráter paralelamente etéreo e terreno, intangível e mundano, limitante e libertador.

A mostra coletiva apresenta os trabalhos de artistas de diferentes gerações e regiões do Brasil e se debruça sobre o sentido de vestígio que os aproxima."[...] O vestígio não diz respeito a substituição, como um negativo e seu positivo, como uma escultura e sua moldagem; o vestígio é, antes, um carimbo que deixa sua presença como marca na espessura do tempo, sujeito, portanto, ao desgaste, ao desbotamento, à erosão." escreve Renato Menezes, curador da Pinacoteca de São Paulo, que assina o ensaio crítico da exposição.Os procedimentos de acúmulo, recorte, registro ou modelagem, colocam em comparação desde "De Aflicti" (1979), vídeo de Letícia Parente, pioneira na videoarte brasileira, em que imagens fixas de gestos de mãos e pés entrelaçados, contraídos e contorcidos se sucedem noritmo de abrir e fechar o obturador da câmera, até "Sem título"" (2024), de Gabriela Mureb, em que a artista aglomera escapamentos de automóveis descartados em ferros-velho. Além de Parente e Mureb, a coletiva apresenta obras de Aislan Pankararu, Ana Clara Tito, Anna Paes, Arorá, Antônio Poteiro, Cipriano, C.L. Salvaro, Érica Storer, iah'ra, Jacque Faus, Jonas Arrabal, Pedro França e Valentina Tong.

A retrospectiva explora a presença dos signos gráficos, da letra e da palavra linguagem na produção artística de Mira Schendel (1919–1988). Reunindo mais de 250 obras, entre pinturas, monotipias, desenhos, cadernos, objetos gráficos e uma instalação, a mostra é dividida em sete núcleos, convidando o público a imergir na presença da palavra na produção artística de Mira e suas interligações. Reconhecida como uma das artistas mais significativas da arte brasileira do século XX, Mira Schendel nasceu em Zurique, na Suíça, com ascendência judaica, tcheca, alemã e italiana.Devido à perseguição antissemita, fugiu para o Brasil em 1949, onde viveu e produziu grande parte de sua obra, dialogando com a Poesia Concreta, o Neoconcretismo e as experimentações artísticas das décadas de 1960 e 1970.

Com direção de Ilana Kaplan, o espetáculo estrelado por Aquela Dupla, Livia La Gatto e Renata Maciel traz paródias inéditas e cenas cômicas que abordam temas do cotidiano com leveza e humorConhecidas por suas paródias que conquistaram o público nas redes sociais, Livia e Renata prometem uma experiência única, misturando humor e música ao reinterpretar clássicos da MPB e sucessos internacionais.

O artista Lucas Simões apresenta, na Biblioteca Mário de Andrade, a exposição You text nothing like you look, onde explora circuitos e impulsos espelhados entre a escultura e a literatura, como numa urgência de materialização formal de um rompante poético. O processo criativo que Simões desenvolveu para esta série, iniciada em 2018, parte de excertos literários que inspiram suas obras escultóricas. Cada peça concluída recebe, então, um segundo título, criando um diálogo cíclico entre texto e objeto.A exposição soma-se às celebrações do centenário do surrealismo pela Biblioteca Mário de Andrade. O jogo linguístico entre escultura e poesia travado por Simões se aproxima do cadavre exquis, jogo de escrita coletiva inventado no ápice do surrealismo francês em 1925. Jogado coletivamente, seu mecanismo fundamental parte de uma escrita automática, acidental, que abandona o controle racional, na tentativa de revelar uma compreensão ampliada da condição subjetiva de cada participante.

A exposição busca levar o público em uma jornada para uma São Paulo mil anos no futuro. A mostra apresenta uma cidade futurística, moldada pelas decisões que tomamos hoje para descobrir como será habitar um espaço urbano equilibrado com o planeta.

O Instituto Tomie Ohtake apresenta a primeira retrospectiva de fôlego sobre a produçãoartística de Carlito Carvalhosa (1961–2021). Com cerca de 150 obras que datam de 1984 a 2021, a mostra perpassa quase quarenta anos de carreira, reunindo muitos exemplos da constante experimentação do artista com diferentes materialidades, navegando entre oslimites da pintura, escultura e instalação.Com curadoria conjunta de Ana Roman, Lúcia Stumpf, Luis Pérez-Oramas e Paulo Miyada, a exposição é dividida em sete núcleos, ocupando três salas do Instituto. Sem seguir umaordem cronológica, a mostra é permeada por rebatimentos entre permanências e tensões.

A peça começa com uma atriz, Vera, entrando no estúdio para fazer teste para o papel de Dercy Gonçalves em um filme. Conforme vai dando suas falas, ela se revolta contra o roteiro, cheio de estereótipos. Sua mãe era grande fã de Dercy e por isso Vera cresceu conhecendo e sendo influenciada pelo exemplo dessa artista icônica. Ela então, transformando-se em Dercy, começa a mostrar quem realmente foi essa mulher à frente de seu tempo.O premiado monólogo “Nasci pra ser Dercy”, estrelado por Grace Gianoukas e escrito e dirigido por Kiko Rieser, presta uma homenagem a Dercy Gonçalves, uma das maiores atrizes do século XX.Grace Gianoukas foi vencedora dos prêmios SHELL e APCA de melhor atriz (2024), I LOVE PRIO DE HUMOR, melhor performance, e Kiko Rieser vencedor do Prêmio Bibi Ferreira 2023 na categoria Melhor Dramaturgia Original, por “Nasci pra ser Dercy”. O espetáculo ainda foi indicado ao Prêmio CENIM de melhor monólogo, e prêmio Miguel Arcanjo, melhor direção, peça e atriz.

A Pinacoteca exibe o filme Irawo Bori: oferenda para a cabeça cósmica, concebido a partir da apresentação da performance ritualística Bori no Octógono da Pina Luz — em ocasião da primeira mostra individual do artista: “Ayrson Heráclito: Yorùbaiano”O filme é dirigido por Ayrson Heráclito em parceria com o cineasta Lula Buarque de Hollanda.

A Pinacoteca apresenta uma exposição de arte têxtil desenvolvida em colaboração com a Maison Gacha, sediada em Paris, França, e com a Fondation Jean-Félicien Gacha, sediada em Bangoulap, Cameroun. Dividida em sete núcleos, a mostra apresenta 129 peças têxteis que buscam estimular novas percepções sobre a África no público brasileiro, a partir de um olhar múltiplo e diverso para um continente povoado de saberes, tradições e contribuições artísticas.Com curadoria de Renato Menezes e do curador convidado Danilo Lovisi, a exposição nasce a partir de uma pesquisa sobre tecnologias têxteis ancestrais e transmissão de saberes tradicionais de África. Os curadores visitaram diferentes regiões do Cameroun, para dialogar com lideranças e autoridades locais, instituições e artesãos, processo que foi fundamental para o desenvolvimento da mostra. Os objetos apresentados, em sua maioria provenientes do acervo da instituição franco- camaronesa, são produzidos com materiais diversos e funções múltiplas, e nos permitem conhecer ritos e cosmogonias de diversos povos da África. Entre eles, máscaras, túnicas, adornos, tecidos bordados eMáscara-elefante. Oeste do Cameroun, povo Bamiléké. Acervo Maison Gacha e Fondation Jean-Félicien Gacha Tecidos ndop. Oeste do Cameroun, povo Bamiléké. Acervo Maison Gacha e Fondation Jean-Félicien Gachatingidos, além de estatuetas, ajudam a contar uma história que percorre o caminho entre a cabeça e a terra, isto é, entre as inteligências e liberdades criativas individuais, exercidas por cada artesão, e a terra, lugar associado à manutenção das tradições e dos elos com as identidades coletivas.

A Pina Contemporânea apresenta um projeto experimental desenvolvido em colaboração com a Serpentine Galleries, de Londres, na Galeria Praça do edifício Pina Contemporânea. Concebido a partir de uma perspectiva decolonial, de teorias queer e de estratégias descentralizadas em tecnologia, Gabriel Massan constrói Terceiro Mundo, um jogo de videogame ambientado em um universo fantástico, que a partir de um storytelling colaborativo desafia o conceito colonial de “exploração” e convoca o público a repensar suas ações no mundo. Gabriel Massan (1996) é um artista nascido no Rio de Janeiro que combina a contação de histórias com a criação de esculturas e ecossistemas, pensando o ambiente digital como linguagem artística. Terceiro Mundo – termo que se refere a classificação imposta às nações emergentes – é um jogo dividido em dois grandes níveis, com diferentes ambientações. Cada nível foi criado em colaboração com artistas e pensadores, que contribuíram na construção de diálogos, textos e narrativas, emprestando inclusive suas vozes aos personagens. Participaram LYZZA, Castiel Vitorino Brasileiro, Novíssimo Edgar e Ventura Profana, estando os três últimos incluídos na programação cultural que acontece no museu neste semestre.

A 10ª edição do CarnaUOL será repleta de novidades para o público. Marcado para o dia 8 de fevereiro, no Allianz Parque, em São Paulo, o evento, que é conhecido por iniciar a maratona de Carnaval na cidade de São Paulo, será feito em parceria com a 30e. O festival contará – pela primeira vez – com artistas internacionais no seu lineup, sendo eles: Christina Aguilera, Sean Paul e Steve Aoki. Também vão marcar presença na programação importantes nomes nacionais, como Belo, Ana Castela, Tony Salles, Matuê, DJ KVSH, DJ Sofia e Deekapz.

Desde que se tornou a primeira banda de jazz a ganhar o prêmio Mercury (concedido ao melhor disco do Reino Unido e Irlanda) por seu álbum de 2022, Where I’m Meant to Be, o quinteto londrino Ezra Collective consolidou seu lugar como um dos grupos de improvisação mais importantes da Grã Bretanha. Pela primeira vez, o coletivo se apresenta no Brasil. O Ezra Collective é mais do que apenas uma banda de jazz. Formado por Femi Koleoso (bateria), TJ Koleoso (baixo), Joe Armon-Jones (teclados), Dylan Jones (trompete) e James Mollison (saxofone), o grupo tem expandido os limites do gênero desde sua formação em 2012. A mistura única com outros estilos, como afrobeat, hip-hop e reggae, chamou a atenção da cena musical do Reino Unido e agora está se espalhando por todo o mundo, transmutando as percepções do público sobre a música.

A exposição é a primeira retrospectiva da obra instalativa do artista e conta com curadoria de Luís Pérez-Oramas e Daniel Rangel, além de curadoria adjunta de Lúcia Stumpf. Em sua concepção, a mostra reafirma o protagonismo de Carvalhosa na cena artística contemporânea brasileira das últimas décadas e oferece ao público um panorama abrangente de seu percurso criativo. Uma oportunidade única de revisitar momentos fundamentais da trajetória do homenageado, falecido prematuramente em 2021, aos 59 anos.Esta exposição única permite ao público vivenciar simultaneamente algumas das mais icônicas criações de Carvalhosa, como Faço Tudo Para Não Fazer Nada, Já Estava Assim Quando Cheguei, Linha de Sombra, Imaterialidade e Sala de Espera. Cada uma dessas obras, com suas dimensões monumentais e ousadas experimentações formais, parece reconfigurar o ambiente ao seu redor, ora tensionando, ora promovendo uma espécie de apagamento da arquitetura circundante. O resultado é uma experiência sensorial em que a arte e o mundo se entrelaçam em um constante jogo de aproximação e distanciamento.

A exposição apresenta um ambiente onde minérios, rochas e cristais convivem em um andar, oferecendo a sensação de estar no ponto de origem da Terra, explorando o conceito de descoberta.

Em fevereiro, a estrela pop Shakira volta à América Latina para a sua turnê Las Mujeres Ya No Lloran. A tour mundial é uma homenagem à música popular de Shakira, com um olhar para o futuro. Inspirada no seu álbum “Las Mujeres Ya No Lloran”, esta turnê promove uma mensagem de empoderamento e força, que Shakira busca transmitir a várias gerações de fãs — aqueles que nunca a viram ao vivo e aqueles que estão esperando por seu retorno há muitos anos. Com uma nova produção pensada com a mais alta tecnologia, seus maiores sucessos, músicas inéditas e diversas surpresas, a turnê almeja ser uma experiência tanto visual quanto musical.

O legado do Morphine continua vivo com a banda Vapors of Morphine, liderada pelo fundador Dana Colley, que volta ao Brasil em fevereiro de 2025 para um show em São Paulo no Cine Joia. O evento contará com a banda nacional Wry como abertura e será promovido pela Maraty, que também traz o Sleaford Mods para São Paulo em novembro deste ano. Após a morte de Mark Sandman, os remanescentes Jerome Deupree e Dana Colley, junto com Jeremy Lyons, reinterpretam as músicas da banda original, mantendo o espírito inovador do Morphine.

O cantor Sting, ex-vocalista do The Police e vencedor de 17 Grammys, desembarca no Brasil para três apresentações da turnê mundial “STING 3.0”, lançada na Europa e que recentemente chegou à América do Norte. Em São Paulo, o show acontece na plateia externa do Auditório Ibirapuera.

Dan Lie ocupa o Octógono da Pinacoteca Luz com uma “instalações-entidades, desenvolvida em diálogo com a escala monumental do espaço central do museu. O trabalho utiliza materiais orgânicos, em exercício de alteridade com espécies visíveis e não visíveis – como matéria em decomposição, plantas, bactérias, fungos e organismos.“Deixar ir” é uma experiência sensorial que incentiva o retorno das pessoas, quando possível, tendo em vista que a cada visita os cheiros e materiais se transformam, e é possível observar ciclos de vida e morte.A instalação é caracterizada por um trabalho que acontece processualmente: enquanto a flora e fungos brotarão e se desenvolverão, outros elementos morrerão e entrarão em decomposição, convidando o público ao exercício de convívio com esses seres e seus ciclos.

A exposição reinaugura a galeria do Centro Cultural Fiesp, após uma reforma de 18 meses. A mostra, que ocupa um espaço de 850 m2, apresenta a diversificada coleção de artes africana e afro-brasileira do Museu de Arqueologia e Etnologia da Universidade de São Paulo (MAE/USP).O acervo começou a ser formado no final da década de 1960 (época em que os movimentos de independência das ex-colônias em África se consolidavam), por meio de doações ou compras encomendadas pela universidade. Marianno Carneiro da Cunha (1926-1980), então professor do MAE/USP, foi um dos principais nomes à frente do projeto institucional e científico da construção da coleção.Arqueólogo especialista em Médio Oriente, ele lecionou entre 1974 e 1976 em Ifé, na Nigéria, lugar sagrado para os iorubá, ficando incumbido de adquirir peças para o MAE. Com olhar antropológico e educativo, Marianno se preocupou em também trazer para o Brasil moldes, mostrando interesse não apenas pelo objeto artístico, mas também pela técnica de diferentes culturas da África central e ocidental.O trio de curadores da mostra, Carla Gibertoni Carneiro, Renato Araújo da Silva e Rosa C. R. Vieira, apontam que essas duas regiões africanas estão conectadas ao Brasil por séculos de circuitos transatlânticos. Eles trouxeram até nosso litoral inúmeros navios de violência, mas também trouxeram outros navios, que nos permitem mergulhar por histórias alternativas e criar novos significados para as centenas de objetos selecionados para a exposição.

Em razão da celebração de 100 anos do manifesto surrealista, a galeria apresenta uma mostra com 80 obras do artista Walter Lewy, com curadoria de Jacob Klintowitz. A expressão ‘surrealismo’ foi criada por Guillaume Apollinaire em 1917, mas o manifesto Surrealista foi lançado oficialmente em Paris em 1924 por André Breton, Yvan Goll, Marcel Alland e Guillaume Apollinaire, e teve Walter Lewy (1905 - 1995) como um de seus grandes representantes no Brasil com seus primeiros esboços surrealistas ainda durante o modernismo, por volta de 1930. Fugido da situação opressora que já desenhava o que seria a Segunda Guerra Mundial, o alemão nascido em Bad Oldesloe, Walter Lewy, chega ao Brasil em 1938 e já encontra terreno fértil acerca do estilo que já influenciava por aqui as obras de Tarsila do Amaral (1886 –1973), Cícero Dias (1907 – 2003) e Ismael Nery (1900 - 1934).

Mostra coletiva que reúne o trabalho de mais de 70 artistas, os quais compõem uma poética do tecer inventiva, questionadora e bela. Com curadoria de Carol Barreto e Hanayrá Negreiros, a exposição propõe questionamentos a partir da moda que existe muito além das vitrines e passarelas. Ancestralidades, contemporaneidades, tecnologias e fazeres contínuos são apresentados como um convite, também, para que se entenda o ateliê não apenas como um lugar de criação, mas como parte da própria criação.

Primeira exposição retrospectiva póstuma do artista Nelson Leirner (1932 - 2020). Com curadoria de Agnaldo Farias, a mostra Nelson Leirner - Parque de Diversões reúne 74 obras - algumas delas, realizadas em seus últimos anos de vida -, incluindo esculturas, pinturas, colagens, fotografias e objetos, oferecendo um panorama abrangente da produção multifacetada do artista ao longo de sua carreira.Nelson Leirner foi um artista provocador, cuja obra buscava desafiar convenções e questionar o sistema da arte e da cultura de massa. Transitando por diversos suportes e linguagens, Leirner trouxe uma abordagem irônica e reflexiva à arte, mesclando elementos do popular e do erudito, e abordando questões políticas e sociais com um senso crítico. Sua obra explora temas como a banalização do consumo, a iconografia religiosa, e a própria sacralização do objeto artístico.Leirner ganhou destaque a partir da década de 1960, sendo uma das figuras centrais no movimento de arte conceitual no Brasil. Sua obra, marcada pela crítica institucional e pela exploração das fronteiras entre arte e vida, permanece relevante e atual, destacando-se pela capacidade de dialogar com diferentes contextos e gerações.

Na instalação, o artista argentino utiliza cerca de 10 kg de barro, proveniente do Rio Paraná, e desenhos e peças de seda branca para criar um mural que retrata, desde o cotidiano até questões sociais como o narcotráfico, de Rosário, sua cidade natal. "A parede funcionará como uma espécie de rio que abriga diferentes histórias", explica Brandazza.

Na instalação Ninho duro, realizada especialmente para o Gabinete da Casa de Cultura do Parque, o artista Rodrigo Sassi apresenta uma estrutura tridimensional que desafia o espaço arquitetônico e agrega uma nova camada de percepção ao explorar o contraste entre peso e leveza e sua edificação.As janelas, tradicionalmente passagens para o exterior ou meramente fontes de luz, tornam-se portais para a interioridade, invertendo a função tradicional de conduzir o olhar para fora. Ninho duro convida o espectador a imergir nesse espaço e a ser habitado por ele, revelando uma "arquitetura do sensível".Inspirada no modernismo brasileiro, a obra de Rodrigo Sassi explora a racionalidade e as formas geométricas, mas vai além ao investigar novas possibilidades de ornamento. Com uma estética que dialoga com a arquitetura e a construção civil, Sassi ressignifica fragmentos e ruínas urbanas, utilizando materiais como concreto, madeira e ferro. Seus trabalhos tridimensionais capturam o caos e a constante transformação das metrópoles.

A exposição coletiva Ainda viva, que ocupa a Galeria do Parque, propõe uma releitura da natureza-morta, gênero histórico da arte que remonta a Grécia Antiga e ao conceito de "vanitas". A expressão, que tem origem bíblica e significa "vaidade de vaidades", é atribuída a imagens que criticam a frivolidade humana, utilizando símbolos que representam a fragilidade da vida e que nos lembram que os bens materiais são insignificantes diante da morte. A mostra gira em torno do uso de frutas in natura na arte contemporânea, "pensando a fruta como símbolo fundamental da natureza humana, permeando diversos aspectos: alimentação, erotismo, vida-morte, entre outros", contam as curadoras Bruna Costa e Paula Borghi.

A exposição apresenta uma seleção com aproximadamente 300 fotografias de Claudia Andujar, Lux Vidal e Maureen Bisilliat, com curadoria das antropólogas Sylvia Caiuby Novaes e Fabiana Bruno. As fotógrafas são mulheres cujas trajetórias foram marcardas pela vivência da Segunda Guerra Mundial, por terem morado em muitos países e dominarem várias línguas. No Brasil se cruzam em trajetórias similares, buscando e revelando o Brasil pouco conhecido até pelos brasileiros.A exposição traz as características peculiares das artista. As fotos de Claudia Andujar trazem afeto, espontaneidade, mas também guardam algo da ordem do não-dito, próprio da intimidade partilhada com os Yanomami. Os trabalhos de Lux Vidal, por sua vez, trazem um modo de olhar que se aproxima, acompanha e descreve as pessoas ao longo do tempo, em atividades cotidianas, rituais, mudanças nas pinturas corporais, uso e confecção de adornos. E os retratos de Maureen Bisilliat surgem de uma dramaticidade do personagem graças ao fundo negro e neutro utilizado pela fotógrafa

A mostra apresenta uma seleção de mais de 160 itens que ajudam a contar a vida e a obra do modernista Oswald de Andrade, um dos principais articuladores da Semana de Arte Moderna de 1922. Recortes de jornais, primeiras edições de seus livros, manuscritos e datiloscritos originais de livros, peças, poemas e artigos, fotos de família e pessoais, vídeos com depoimentos de estudiosos de seu trabalho, filhos e biógrafos compõem o acervo em exibição. Oswald de Andrade deixou vasto legado construído em trajetória que passa pela poesia, romance, dramaturgia, jornalismo, filosofia e militância. A sua obra marcou a literatura, a música, o teatro e as artes visuais no Brasil. A sua herança cultural e política pode ser conhecida por completo na exposição, que também marca os 70 anos de sua morte.

O papel cada vez mais essencial das relações humanas, sobretudo no mundo pós-pandemia, reflete-se em Brilho Eterno, montagem que traz ao palco nos papéis principais os atores Reynaldo Gianecchini e Tainá Müller, com idealização, direção e encenação de Jorge Farjalla.Livremente inspirado no longa “Brilho Eterno de uma Mente sem Lembranças” - roteiro de Charlie Kaufman premiado com o Oscar, dirigido por Michel Gondry e estrelado por Jim Carrey (Joel) e Kate Winslet (Clementine), Brilho Eterno, que traz no elenco ainda Wilson de Santos, Renata Brás, Fábio Ventura e Tom Karabachian, questiona, de maneira lúdica e por muitas vezes cômica, o quanto as pessoas se mostram dispostas a viver situações de sofrimento por amor durante a vida.A encenação consolida o encontro artístico entre Farjalla e Gianecchini, que também co-produz a montagem, ao lado de Marco Griesi (Palco 7 Produções) e Daniella Griesi (Solo Entretenimento) como produtores associados.

Ao promover a exposição “Onde há fumaça: arte e emergência climática”, o Museu do Ipiranga questiona a ideia de progresso ainda predominante, que gera a situação atual deemergência climática. A curadoria do Micrópolis, grupo formado pelos arquitetos e pesquisadores Felipe Carnevalli, Marcela Rosenburg e Vítor Lagoeiro, coloca o acervo histórico ao lado de obrascontemporâneas para dar visibilidade ao processo de degradação ambiental e social ao longo do desenvolvimento urbano do Brasil.É a primeira vez desde a reabertura que uma mostra no Museu do Ipiranga tem uma curadoria inteiramente externa. Esse é mais um passo da instituição para acolher a participação da sociedade e contar narrativas de grupos não-hegemônicos. Pinturas e fotografias de mestres, como Benedito Calixto e Henrique Manzo, dialogam com trabalhos dos artistas Alice Lara, André Vargas, Bruno Novelli, davi de jesus do nascimento, Anderson Kary Bayá, Jaime Lauriano, Luana Vitra, Mabe Bethônico, Roberta Carvalho, (Se)cura humana, Uýra Sodoma e Xadalu Tupã Jekupé. A justaposição permite analisar como a colonização do território e a construção da nação estão pautadas na ideia de civilização versus barbárie, da cultura possível versus natureza impossível.

A exposição Paisagens Temporais: Perspectivas em Evolução estabelece um diálogo entre gerações de artistas, cujo trabalho representa a transformação constante da natureza e as incertezas que definem nosso ambiente ecológico atual. Por meio das instalações de Marlene Almeida e uma seleção de obras do acervo da coleção Almeida & Dale, incluindo Tomie Ohtake, Farnese de Andrade, Eleonore Koch, Djanira, Ione Saldanha, Leonilson, Joseca Yanomami e Vivian Caccuri, revela-se uma continuidade delicada, mas significativa, entre diferentes territórios, tempos e práticas artísticas. O tecido visual não só documenta as mutações ambientais, como também, por intermédio das propostas artísticas, nos convida a repensar as ecologias que surgem como resposta à crise global, tanto em suas dimensões materiais quanto simbólicas.

A mostra exibe obras da artista sul-coreana Jung Eun Hye. A exposição conta com 70 obras, incluindo caricaturas de animais e pessoas.Ao explorar o “visível e além do visível”, Jung Eun Hye interpreta relacionamentos por meio de uma energia que emana de seu interior, criando o que ela chama de “linhas relacionais”. Seu trabalho reflete um amor profundo pelas linhas, objetos únicos e abstratos, afastando-se da arte tradicional e assumindo uma abordagem única com caricaturas sinceras e criativas.“Eun Hye” significa “Graça” em português e inspirou o nome da exposição, que faz referência à presença da artista Jung Eun Hye e suas obras no mundo inteiro.Nascida em 1990, Jung Eun Hye tem Síndrome de Down e é uma caricaturista sul-coreana. A artista é conhecida por seu papel como Lee Young-hui no K-drama “Amor e Outros Dramas” da Netflix. Desde o verão de 2016, Jung cria caricaturas no Munhori River Market em Gyeonggi-do, na Coreia do Sul. Entre 2019 e 2020, ela foi artista residente na Fundação de Artes e Cultura de Seul, onde começou a se dedicar seriamente à pintura.

O que é o corpo em relação ao objeto? Qual sua reação ao estar em um território fora dos padrões estabelecidos? Ao interagir com uma matéria diferente e considerada incomum, de que forma o corpo redefine os espaços de ação com determinado objeto? É a partir destes questionamentos que nasce a primeira individual de Nazareth Pacheco na Galeria Lume: "Então, faça!". Nazareth Pacheco transforma sua obra em um registro de sua vivência e convida o visitante a questionar o sentido das formas denominadas como “padrões”, destinadas a usosparametrizados que visam o “ser humano comum”. Comum, segundo quem? Mudando peso e material de objetos cotidianos, a artista provoca uma abrupta reconfiguração na habitual manipulação dos mesmos e, assim, transforma sua relação para com o corpo que os observa. "Então, faça!", instrução que dá nome à exposição, relembra um dos contatos de Pacheco com a artista Louise Bourgeois, referência fundamental em sua produção, especialmente narelação com os materiais, nos métodos de criação e na forma de abordar temas autobiográficos por meio da linguagem visual.

A partir das vivências na Residência Artística Setor Público, que prevê a imersão de artistas visuais em órgãos públicos no Rio de Janeiro, Anna Costa e Silva apresenta a mostra"Ventário", a ser inaugurada dia 07 de novembro, na Galeria Lume. Com curadoria de Ana Carolina Ralston, a exposição ocupa a sala expositiva II com um filme e instalação no qualAnna convida servidores públicos a criar personagens fantásticos e figurinos que materializassem seus desejos, angústias e sensações.O projeto se iniciou com um exercício de escuta, em que a artista se encontrava com os participantes para ouvir suas histórias, pensamentos, dores e alegrias e, então, juntosdesenvolviam cores, texturas, imagens e palavras inventadas para cada sentimento dosfuncionários do órgão governamental carioca, surgindo daí o título da mostra: Ventário: um neologismo, algo da ordem das coisas que ventam.Num jogo de autoficção, a artista convida o stylist José Camarano para produzir os figurinos destes recém-criados personagens, trazendo para as imagens descritas formas, cortes, pesos e movimentos. Após a concretização das ideias, os participantes puderam vestir as peles que haviam criado e habitar o espaço burocrático e monótono do escritório damaneira que achavam melhor, desenvolvendo uma série de gestos que brincavam com as coreografias do dia a dia de trabalho, introduzindo elementos curiosos e extra-cotidianos,que levam o filme para uma atmosfera surrealista.

Formado por Dexter Holland (voz e guitarra), Noodles (guitarra), Todd Morse (baixo), Brandon Pertzborn (bateria) e Jonah Nimoy (percussão), a banda americana, um dos principais nomes do rock dos anos 90, lança um novo disco, intitulado SUPERCHARGED, que será comemorado em uma turnê da banda acompanhada de outros nomes do punk rock, transformando o show em um verdadeiro festival. Além da Offspring, o show contará com as bandas Sublime, Rise Against, The Damned, Amyl e the Sniffers e The Warning.

A DAN Galeria abre a exposição “Pã sem Flauta”, com 26 obras inéditas da produção mais recente do artista Antonio Hélio Cabral, que dá continuidade ao seu trabalho ininterrupto com a pintura, iniciado na década de 1970. A mostra marca a nova parceria com a galeria, que passa a representar o artista. Criadas, em sua maioria entre 2022 e 2024, as obras selecionadas abrem um leque de possibilidades em diferentes direções, sem abandonar a ironia, recurso já conhecido no trabalho do artista, seja nos títulos ou nos grafismos e desenhos

O MuBE - Museu Brasileiro da Escultura e Ecologia inaugura no dia 26 de outubro a exposição “Mupotyra: arqueologia amazônica”, com curadoria de Naine Terena, Carla Gibertoni, Eduardo Neves, Ricardo Cardim e Guilherme Wisnik, e parceria com o MAE USP.Partindo de estudos que indicam que a ação de povos indígenas ancestrais teria sido determinante para a formação da Floresta Amazônica, a mostra reúne arqueologia, arte e meio ambiente para discutir a ocupação da região e os impactos da exploração excessiva dos recursos naturais em prol do desenvolvimento. Mupotyra significa florescer em Nheengatu, língua geral amazônica. Ao revisitar o passado, a exibição propõe um chamado de consciência para imaginarmos novos futuros, de forma sustentável.

A exposição reúne cerca de 500 itens, incluindo fotografias, filmes, documentos e equipamentos, e reflete a trajetória inclusiva e colaborativa do artista, no ano de seu centenário de nascimento. Dividida em eixos, a exposição explora as facetas de sua atuação como fotógrafo e cineasta, destacando as séries documentais Brasil verdade e A condição brasileira, além de filmes como Todomundo e Subterrâneos do futebol, que revelam sua visão acolhedora e curiosa sobre o país que adotou como lar. A mostra busca recriar o espírito coletivo e generoso de Farkas, presente tanto na sua produção artística quanto em seu papel como incentivador cultural e empresário, com a criação da Galeria Fotoptica.

‘Vazio’ lida com um processo autobiográfico de Tatiana Guimarães em relação a sensação da ausência do amor materno por toda sua vida, que lhe acarretou uma série de questões de saúde mental e psicossocial.A proponente Tatiana Guimarães é graduada em cinema pela Universidade Anhembi Morumbi e mestra em política pública e diversidade cultural pela ECA/USP. Trabalhou com reconhecidas(os-es) artistas da dança de SP, como Sandro Borelli, Miriam Druwe e João Andreazzi e com diretoras(as-es) de teatro e cinema, como João Miguel, Guilherme Leme e Cristiane Paoli Quito.

Em 2025, o grupo inglês Simply Red, formado em 1985 completa 40 anos de uma trajetória que é uma das mais bem-sucedidas da história da música mundial. O grupo foi formado em 1985, no Reino Unido, pelo vocalista Mick Hucknallse. Logo no início, chamou atenção do público. O single “Money’s Too Tight to Mention”, parte do álbum de estreia Picture Book, virou um hit instantâneo e conquistou uma indicação na respeitada premiação Brit Award. Na sequência Stars, de 1991, foi o álbum mais vendido por dois anos consecutivos na Grã-Bretanha e na Europa. Em seus 40 anos de estrada, o Simply Red lançou 13 álbuns, todos eles sempre incluídos entre os melhores do Reino Unido. Inclusive, o último lançamento, Time, de 2023.A última vez que o Simply Red esteve no Brasil foi em 2012.

No centenário de nascimento de Paulo Vanzolini (1924 – 2013), compositor brasileiro responsável por clássicos como "Ronda" e "Volta Por Cima", o Sesc São Paulo apresenta uma imersão na vida do artista, revelando não apenas sua faceta musical, mas também a trajetória do zoólogo de renome internacional. Idealizada pelos filhos do cientista, o diretor de arte e cineasta Toni Vanzolini e a psicóloga Maria Eugênia Vanzolini, a mostra conta com curadoria de Daniela Thomas, cenógrafa, cineasta e diretora teatral.Sem perder de vista o lado boêmio e artístico do homenageado, a exposição revisita as expedições científicas e as contribuições para a ciência empreendidas como herpetólogo, especializado no estudo de répteis e anfíbios. O Sesc Ipiranga como espaço para a exposição possui um simbolismo especial: a proximidade com o Museu de Zoologia da Universidade de São Paulo (MZUSP), onde Paulo Vanzolini trabalhou por cinco décadas – três destas, como diretor.Em parceria com o Museu de Zoologia da USP, a exposição exibe ao público 51 exemplares conservados de espécies animais identificadas e catalogadas por Vanzolini. Esses espécimes, emprestados pelo Museu ao Sesc, estão em destaque em uma sala que recria um laboratório de zoologia.Cinco salas temáticas revelam a trajetória multifacetada de Vanzolini, abrangendo mais de meio século de pesquisa. A exposição destaca suas célebres expedições amazônicas e as conexões entre arte e ciência que ele promoveu. Documentos, fotografias e vídeos oferecem um vislumbre dos bastidores das descobertas marcantes do , apelido carinhosamente atribuído por Antonio Cândido, sociólogo e crítico literário, no encarte do disco Acerto de Contas de Paulo Vanzolini (2002)

A história de Rita é contada com base no livro da cantora, lançado em 2016 e um dos maiores sucessos editoriais do Brasil. O livro narra os altos e baixos da carreira de Rita com uma honestidade escancarada, a ponto de ter sido apontado como “ensinamento à classe artística” pelo jornal O Estado de São Paulo. A ideia do novo musical surgiu quando Mel gravou a versão em audiolivro, como Rita, em 2022.

Mon Laferte, renomada cantora e compositora chilena, anunciou sua aguardada vinda ao Brasil, se apresentando pela primeira vez em palcos do país. Conhecida por seu estilo único que mistura pop, rock e música tradicional latina, Laferte conquistou o coração do público com hits como “Amárrame”, “Tu falta de querer”, entre outros. Cultivando influências musicais desde a adolescência em sua cidade natal, Viña del Mar, ao que aprendeu no México, seu segundo lar desde 2007, Mon coleciona oito álbuns até o momento: Desechable (2011), Tornasol (2013), Mon Laferte Vol. 1 (2015), La Trenza (2017), Norma (2018), Sola Con Mis Monstruos (2020), Seis (2021), 1940 Carmen (2021) e Autopoiética (2023). Mon Laferte já foi quatro vezes indicada ao Grammy Latino e duas ao Grammy. Tamanho sucesso foi reconhecido em um documentário dedicado à ela na Netflix : “Mon Laferte, te amo”, que teve sua estreia em agosto de 2024.

Mudhoney, um dos maiores nomes da cena grunge dos anos 90 que revelou bandas como Nirvana, Soundgarden, Pearl Jam e Alice in Chains, retorna ao Brasil em março de 2025 para uma turnê que passará por São Paulo. O som do grupo mescla punk e rock de garagem em shows intensos e empolgantes.

C. L. Salvaro apresenta Lapso, uma exposição que explora a interação sensível com o espaço e seus estímulos externos. Suas obras, que incorporam o vocabulário da ruína urbana, são um convite a refletir sobre a impermanência, instabilidade e resíduo na vida contemporânea.

Eu não faço desenhos, pinturas, textos e esculturas usando a linguagem dos quadrinhos. Eu faço histórias em quadrinhos usando a linguagem e os meios da escultura, da pintura, do desenho e do cinema. Posso fazer quadrinhos usando tinta a óleo sobre tela, modelando argila e porcelana fria, realizando ações em espaços públicos, escrevendo ensaios e romances, desenhando sobre a parede.

A exposição imersiva, que acontece na OCA do Ibirapuera, explora os bastidores e celebra momentos icônicos, personagens, cenários e criaturas vistos nos filmes de Harry Potter e de Animais Fantásticos.  O evento já passou por várias cidades do mundo e agora desembarca em São Paulo, com ambientes que usam o design e a tecnologia para que o público se sinta dentro do universo da saga. Entre alguns destaques da exposição estão as salas de aula de Hogwarts, na qual os visitantes poderão interagir com tarefas e jogos; uma recriação da Cabana de Hagrid e um espaço em que os visitantes poderão conhecer as casas de Hogwarts e tirar fotos com o Chapéu Seletor.

“Domingo no parque", individual de Renata Lucas, reúne obras realizadas nos últimos 15 anos.A radicalidade do trabalho de Lucas se evidencia no confronto não apenas com a escala das três salas expositivas do museu, mas também na fachada e na praça em frente ao prédio da Pina Estação, localizada no Largo General Osório.O repertório da artista se concentra especialmente em intervenções temporárias em ambientes já existentes, rompendo os limites delineados dos espaços arquitetônicos e urbanos, e levantando questões sobre a forma como nosso dia-a-dia e comportamento social são determinados pelos espaços que nos rodeiam.

O coletivo Serigrafistas Queer surgiu durante uma oficina de serigrafia que tinha o objetivo de ensinar ativistas a estampar camisetas para a manifestação do Orgulho LGBTQIA+, em Buenos Aires. Composto por artistas, ativistas e participantes espontâneos, o coletivo combina técnicas de artes gráficas com slogans e frases de protesto que são impressos em faixas, camisetas e peças de tecido. A partir de encontros periódicos, os Serigrafistas Queer promovem discussões sobre o potencial das palavras de ordem provenientes de práticas e discursos dissidentes, estratégias para ampliar a disseminação das inúmeras possibilidades de manifestação dos desejos, além da produção de dispositivos móveis que facilitam as impressões serigráficas e com estêncil.

A banda de rock americana Incubus se apresenta em São Paulo, com um show onde irá executar na íntegra o clássico álbum “Morning View”, além dos principais hits de mais de três décadas de carreira. Em maio de 2024, o grupo lançou um projeto de regravação do álbum, com o nome de “Morning View XXIII”, comemorando os 20 anos de lançamento do trabalho.

Da religião à física, passando pela filosofia e pela literatura, são inúmeras as tentativas de definir o conceito de tempo. Quando Gilberto Gil compôs "Tempo Rei", em 1984, ele propunha uma resposta à canção "Oração ao Tempo", de Caetano Veloso. Enquanto a música do seu conterrâneo (e contemporâneo) surge com uma ideia de que o tempo e aquele que o inventou desaparecerão, a letra de Gil traz um vago desejo de permanência e transformação. Não à toa, Gilberto Gil escolheu TEMPO REI para dar nome à sua última turnê. Com direção artística de Rafael Dragaud, direção de musical de Bem Gil e José Gil e acompanhado por uma mega banda composta por Bem Gil (guitarra), José Gil (bateria), João Gil (baixo), Nara Gil (voz), Flor Gil (voz), Mariá Pinkusfeld (voz), Diogo Gomes (sopro), Thiago Oliveira (sopro), Marlon Sete (sopro), Danilo Andrade (teclado), Leonardo Reis (percussão), Gustavo Di Dalva (percussão), Mestrinho (sanfona) e ainda um quarteto de cordas, Gilberto Gil fará uma apresentação que celebrará de forma imersiva e sensorial a entidade mais intrigante da experiência humana: o TEMPO. Lembrando que, para Gil, o tempo é simplesmente o AGORA.

Realizada pela primeira vez no Brasil, a exposição “A vida que se revela” ocupa o segundo andar da Japan House São Paulo. Em colaboração com o “KYOTOGRAPHIE International Photography Festival” - reconhecido como um dos mais importantes eventos do gênero desde sua criação em Quioto em 2013 – a mostra exibe quatro séries de fotografias produzidas por Rinko Kawauchi (1972) e Tokuko Ushioda (1940), que retratam momentos familiares e a intimidade de seus lares no Japão. As séries, que capturam momentos com a família ou cenas cotidianas do lar, são baseadas em um diálogo entre essas duas importantes fotógrafas japonesas, Rinko Kawauchi e Tokuko Ushioda, que receberam grande reconhecimento no ‘KYOTOGRAPHIE International Photography Festival 2024’.

Com cerca de 200 obras de acervos públicos e privados do Brasil e do exterior, a mostra será organizada em diversos núcleos. A noção plural de histórias, em português, é particularmente relevante (em oposição à noção de History em inglês, por exemplo), pois pode abranger ficção e não ficção, relatos pessoais ou políticos, narrativas privadas ou públicas, possuindo um caráter aberto, especulativo, diverso e polifônico.

Com curadoria de Eder Chiodetto, a mostra de Giselle Beiguelman traz cerca de 30 trabalhos inéditos da artista, que utilizou inteligência artificial (IA) para desenvolvê-los. “Nos últimos três anos, tenho trabalhado extensivamente com IA em meus projetos artísticos. E tem sido uma tremenda experiência de aprendizado. No momento, me dedico à exploração de modelos de IA que utilizam linguagem natural para gerar imagens a partir de textos e transformar imagens em um dinâmico processo de tradução quase intersemiótica. As obras visuais apresentadas nesta mostra foram criadas com esse tipo de tecnologia”, explica Beiguelman.Em “Venenosas, Nocivas e Suspeitas”, a artista relaciona plantas que foram proibidas ou demonizadas pelo colonialismo – por razões que vão do seu uso em práticas rituais a poderes afrodisíacos ou alucinógenos – a mulheres que foram apagadas da história da arte e da ciência.Pau-brasil, cannabis e cogumelos são outras algumas das plantas que surgem em vídeos criados por Beiguelman, que abasteceu a IA com referências da arte e estética de diversas botanistas que, no seu tempo, não tiveram o reconhecimento de seu trabalho, como Sarah Anne Drake (1803-1857), responsável pelas ilustrações do livro “Orchidaceae Of Mexico And Guatemala" (1837-1843), de James Batemane.A artista também homenageia naturalistas do século XVII ao XIX, que, apesar de terem feito importantes contribuições à ciência e às artes, nunca receberam os devidos créditos

“Era uma vez: visões do céu e da terra” é uma exposição coletiva que se organiza como uma viagem no tempo e no espaço para refletir sobre o fim do mundo e a imaginação de outros mundos. A mostra que acontece na Grande Galeria do edifício Pina Contemporânea articula perspectivas de 33 artistas de variadas gerações e origens no Brasil e no mundo, cujas produções permitem vislumbrar o confronto entre diferentes lógicas de habitar o planeta e, sobretudo, inventá-lo; uma viagem no tempo e no espaço para refletir sobre o fim do mundo e imaginar novos inícios.A exposição investiga o pensamento cosmológico das pessoas artistas, desde o período de 1969 – ano que marca os eventos históricos da chegada do homem à Lua e da divulgação do primeiro relatório da ONU sobre “Problemas do meio ambiente urbano” – até os dias de hoje, em que a relação predatória da humanidade com o planeta colocou as questões ambientais como tema central no debate ao redor do globo.

A curadoria propõe um recorte de obras, realizadas entre as décadas de 1960 e 1970, no Brasil, por artistas representativos da nova figuração, do teor político e da explosão colorida do pop, como Wesley Duke Lee, Claudio Tozzi, Antonio Dias, Cildo Meireles, Nelson Leirner, Raymundo Colares, Rubens Gerchman, Carlos Zilio, entre outros.

A exposição parte da curiosa coleção máscaras mortuárias — moldadas sobre o rosto de pintores como Almeida Júnior e Pedro Alexandrino — para investigar os modos como artistas lidam com o tempo e sua experiência. Reunindo cerca de 40 esculturas, que vão do século XII aos dias de hoje, a mostra é uma oportunidade para refletir sobre a linguagem, ver e rever obras fundamentais do acervo da Pinacoteca.

Maior exposição realizada pelo Museu Judaico de São Paulo desde sua inauguração em 2021, Judeus na Amazônia abre suas portas ao público no dia 2 de novembro. Reunindo mais de 220 itens entre obras de arte, vídeos, documentos históricos e fotográficos, a mostra propõe dar conta de um capítulo pouco conhecido da história brasileira: a imigração judaico-marroquina para a Amazônia, que aconteceu entre 1810 e 1930, trazendo centenas de famílias que viviam em cidades como Tânger, Tetuan, Fez e Marrakesh. Na região se estabeleceram como regatões, os mascates dos rios, e atuavam no período do auge da economia da borracha levando e trazendo mercadoria das cidades para os seringais. Com curadoria conjunta de Aldrin Moura de Figueiredo, Ilana Feldman, Mariana Lorenzi e Renato Athias, a panorâmica é fruto de uma pesquisa de dois anos realizada pelo Museu e ocupa três andares de sua sede. Com obras de artistas como Claudia Andujar, Donna Benchimol, Thomaz Farkas, Arieh Wagner, Sergio Zalis, Abrão Bemerguy e Mady Benzecry – além de três obras comissionadas –, o projeto propõe um olhar ampliado sobre como a cultura judaica se ambientou em diferentes localidades amazônicas, influenciando e sendo influenciada, sem perder suas raízes.

Escrita por Edward Albee (1928-2016) no início da década de 90, ‘Três Mulheres Altas’ logo se tornou um clássico da dramaturgia contemporânea. Perversamente engraçada – como é a marca do autor –, a peça recebeu o Prêmio Pulitzer e ganhou bem-sucedidas montagens pelo mundo, ao trazer o embate de três mulheres em diferentes fases da vida: juventude, maturidade e velhice.Dirigida por Fernando Philbert, a nova versão da peça traz no elenco Suely Franco, Deborah Evelyn e Nathalia Dill, tem tradução de Gustavo Pinheiro e produção da WB Produções, de Bruna Dornellas e Wesley Telles.Em cena, as atrizes interpretam três mulheres batizadas pelo autor apenas pelas letras A, B e C. A mais velha (Suely Franco), que já passou dos 90, está doente e embaralha memórias e acontecimentos, enquanto repassa a sua vida para a personagem B (Deborah Evelyn), apresentada como uma espécie de cuidadora ou dama de companhia. A mais jovem, C (Nathalia Dill), é uma advogada responsável por administrar os bens e recursos da idosa, que não consegue mais lidar com as questões financeiras e burocráticas.Entre os muitos embates travados pelas três, a grande protagonista do espetáculo é a passagem do tempo e também a forma com que lidamos com o envelhecimento. ‘O texto do Albee nos faz refletir sobre ‘qual é a melhor fase da vida?’, além de questões sobre o olhar da juventude para a velhice, sobre a pessoa de 50 anos que também já acha que sabe tudo e, fundamentalmente, sobre o que nós fazemos com o tempo que nos resta. Apesar dos temas profundos, a peça é uma comédia em que rimos de nós mesmos’, analisa o diretor Fernando Philbert.

Um clássico da comédia dos anos 90, o filme “Uma Babá Quase Perfeita” conquistou gerações de fãs e transformou-se, em 2021, em um musical da Broadway, reafirmando a atemporalidade da obra e o Brasil ganha uma versão do musical, estrelada por Eduardo Sterblitch e dirigida por Tadeu Aguiar. A história de “Uma Babá Quase Perfeita” gira em torno de Daniel Hillard (Eduardo Sterblitch), um ator desempregado que fará qualquer coisa por seus filhos. Após um divórcio conturbado, Daniel encontra uma solução para não ficar longe dos seus filhos, disfarçando-se de Euphegenia Doubtfire, uma senhora idosa perfeita para ser babá das crianças. Enquanto cuida das crianças, ele aprende importantes lições sobre paternidade e responsabilidade.Em seu segundo musical, Eduardo Sterblitch dará vida à famosa Babá. O artista multifacetado estará ao lado de Thais Piza, responsável por dar vida à ex-esposa Miranda, Lara Suleiman no papel da filha mais velha Lydia Hillard, Bernardo Destri como Christopher e Bibi Valverde como a pequena Natalie. O elenco conta ainda com outros 20 talentos dos palcos e poderá sofrer eventuais alterações sem prévio aviso. Vitor Martinez assina a maquiagem de efeito e a perucaria fica por conta de Feliciano San Román. O musical conta com música e letras de Karey e Wayne Kirkpatrick, e texto de Karey Kirkpatrick e John O'Farrell.

O festival realiza sua terceira edição, com nomes importantes do cenário brasileiro e internacional. Durante quatro dias, o Parque do Ibirapuera recebe shows de Jazz, indie pop e rock, música brasileira e música eletrônica, com uma programação distribuída em diversos espaços do parque. Entre os nomes confirmados no C6 Fest estão: A.G. Cook, Gossip, Amaro Freitas Septeto, AIR, Maria Esmeralda e Nile Rodgers & Chic.

A exposição Eu mesmo, Carnaval, que ficará aberta até 31 de maio de 2025, nos convida a conhecer a profunda relação de Mário de Andrade com o carnaval paulistano, principalmente na região da Barra Funda e em outros lugares do país. O título escolhido reproduz um verso do poema “Carnaval carioca”, escrito por Mário de Andrade em 1923, inspirado na experiência do autor no festejo carioca neste mesmo ano.A exposição, com curadoria de Arthur Major, pesquisador da Casa Mário de Andrade, e Fábio Parra, do departamento de comunicação e cultural do G.R.C.E.S. Mocidade Alegre, traz uma interface entre a pesquisa de Mário de Andrade sobre o Carnaval e o enredo de 2024 da escola paulistana Mocidade Alegre “Brasileia Desvairada: A busca de Mário de Andrade por um país”, tecendo o fio condutor do discurso curatorial, tendo como guia o personagem do Arlequim, que pela visão do escritor, representa tanto a cidade de São Paulo, quanto a personificação do próprio poeta.

Comandado pelos produtores musicais Adrian Younge e Ali Shaheed Muhammad (A Tribe Called Quest), selo e gravadora de Los Angeles Jazz Is Dead convida o público a explorar a evolução da trajetória musical desses artistas, desde os arranjos pioneiros de trompa de Taylor até a entrada de Thomas na lendária banda de highlife The Blue Monks.Essa noite celebrará o legado dos dois artistas e suas contribuições para o cenário musical global, prometendo uma fusão inesquecível de sons e culturas.Nascido em 1936, o guitarrista, compositor, arranjador, líder de banda e produtor ganense Ebo Taylor tem sido uma presença vital na música africana por mais de meio século. Ele é um dos principais nomes da história do highlife, gênero musical ganense que combina a música local da região com ritmos ocidentais, como jazz, blues, soul e música latinaPat Thomas é um renomado vocalista e compositor ganense, conhecido por seu trabalho com as bandas de highlife de Ebo Taylor e por suas próprias gravações de Afrobeat e Afro-pop. Na década de 1970, ele se juntou à lendária banda The Blue Monks, de Ebo Taylor, marcando sua presença no icônico Tip Toe Night Club, um ponto importante na história cultural moderna de Gana. Nos últimos anos, Pat Thomas se mudou para a Costa do Marfim, onde produziu vários discos que misturam afrobeat, sons afro-latinos, reggae e funky disco africano.

A Casa Natura recebe o show Jazz Is Dead com Ebo Taylor e Pat Thomas. O guitarrista, compositor e produtor ganense Ebo Taylor se une ao vocalista e compositor Pat Thomas para uma apresentação especial.Comandado pelos produtores musicais Adrian Younge e Ali Shaheed Muhammad (A Tribe Called Quest), o icônico selo e gravadora de Los Angeles Jazz Is Dead convida você a explorar a evolução da trajetória musical desses artistas, desde os arranjos pioneiros de trompa de Taylor até a entrada de Thomas na lendária banda de highlife The Blue Monks.Ebo Taylor - Nascido em 1936, o guitarrista, compositor, arranjador, líder de banda e produtor ganense Ebo Taylor tem sido uma presença vital na música africana por mais de meio século. Ele é um dos principais nomes da história do highlife, gênero musical ganense que combina a música local da região com ritmos ocidentais, como jazz, blues, soul e música latina.Pat Thomas - Pat Thomas é um renomado vocalista e compositor ganense, conhecido por seu trabalho com as bandas de highlife de Ebo Taylor e por suas próprias gravações de Afrobeat e Afro-pop. Na década de 1970, ele se juntou à lendária banda The Blue Monks, de Ebo Taylor, marcando sua presença no icônico Tip Toe Night Club, um ponto importante na história cultural moderna de Gana. Nos últimos anos, Pat Thomas se mudou para a Costa do Marfim, onde produziu vários discos que misturam afrobeat, sons afro-latinos, reggae e funky disco africano.

O arquiteto Rino Levi foi protagonista no processo de modernização e verticalização da cidade de São Paulo. Entre o início de carreira em 1926 e sua morte em 1965, contribuiu para que a construção de programas contemporâneos – edifício de apartamentos e de escritórios, cinema, teatro, escola, banco, indústria, comércio e infraestrutura – ocorresse sob premissas modernas.Em seus vários módulos, a exposição apresenta a vida das obras, da concepção até a atualidade. Diversas edificações do arquiteto ainda marcam a paisagem paulistana: as sedes do Banco Sul-Americano, do Banco Paulista do Comércio, do Instituto de Arquitetos do Brasil, da Ordem dos Advogados do Brasil, da Cia. Seguradora Brasileira e do Instituto Sedes Sapientiae. E obras restauradas – teatro Cultura Artística (edifício, por Paulo Bruna; painel de Di Cavalcanti, por Isabel Ruas), edifício Prudência (térreo e jardim, por Guilherme e André Paoliello) e Casa Castor Delgado Perez (convertida na Luciana Brito Galeria pelo Piratininga Arquitetos Associados).

Kylie Minogue apresenta sua aguardada "TENSION TOUR" para 2025,programada para ser a maior turnê de Kylie desde 2011. Começando no país natal de Kylie, Austrália, em fevereiro, a turnê mundial visitará a Ásia, Estados Unidos, Canadá, Reino Unido e Europa antes de parar na América Latina em agosto de 2025. “Tension II” - uma nova coleção de 13 músicas - foi lançada em 18 de outubro de 2024 pela BMG. A sequência de alta energia e alta octanagem do álbum número 1 e sucesso global “Tension”, vê Kylie se aprofundar ainda mais no espaço eletrônico e está repleta de hinos de pista de dança. O disco inclui nove novas faixas de estúdio de Kylie, além do mais recente hit de dança “Edge of Saturday Night” com The Blessed Madonna, bem como suas recentes colaborações com Orville Peck, Bebe Rexha e Tove Lo, e Sia.

A dupla que marcou o britpop e é um dos nomes mais importantes da década de 90 se reencontra nos palcos após um longo hiato. Juntos, os irmãos Gallagher se apresentam com sua turnê mundial, celebrando seus hits e os trinta anos do álbum de estreia Definitely Maybe.

A 36ª Bienal de São Paulo apresenta uma edição conduzida pelo curador geral Prof. Dr. Bonaventure Soh Bejeng Ndikung com sua equipe de cocuradores composta por Alya Sebti, Anna Roberta Goetz e Thiago de Paula Souza, além da cocuradora at large Keyna Eleison e da consultora de comunicação e estratégia Henriette Gallus. A mostra se inspira no poema enigmático da poeta afro-brasileira Conceição Evaristo, “Da calma e do silêncio”.A proposta central dessa Bienal é repensar a humanidade como verbo, uma prática viva, em um mundo que exige reimaginar as relações, as assimetrias e a escuta como bases de convivência a partir de três fragmentos/eixos curatoriais. A metáfora do estuário – local onde diferentes correntes de água se encontram e criam um espaço de coexistência – guia o projeto curatorial, inspirado nas filosofias, paisagens e mitologias brasileiras. Tal conceito reflete a multiplicidade de encontros que marcaram a história do Brasil e propõe que a humanidade se una e se transforme por meio de uma escuta atenta e da negociação entre seres e mundos distintos.A exposição vem acompanhada, ainda, de uma mudança histórica na organização do evento, que tradicionalmente é realizado de setembro a dezembro. A mostra se estenderá por quatro semanas adicionais, sendo apresentada gratuitamente ao público entre setembro de 2025 e janeiro de 2026.

A galeria é um espaço de estudo e formação resultante de uma parceria entre a Terra Foundation for American Art e o MAC USP, para que um conjunto da coleção da fundação viesse a São Paulo. São 36 obras selecionadas em diálogo com a pesquisa e as disciplinas de graduação e pós-graduação do MAC USP e sua atuação no Programa Interunidades em Estética e História da Arte (PGEHA USP), a linha de pesquisa em História da Arte e da Cultura do Instituto de Filosofia e Ciências Humanas da Unicamp, e o Departamento de História da Arte da Unifesp. Além disso, nos próximos dois anos, elas também permitirão criar pontes de interpretação com obras do acervo do MAC USP.A Terra Collection for American Art é uma associação sem fins lucrativos, com sede em Chicago, nos Estados Unidos que, desde os anos 1980, coleciona obras de arte do país e fomenta a pesquisa sobre sua arte. Através de seu Programa Collection- in-Residence, o MAC USP se insere em uma rede de 12 museus universitários internacionais de arte em uma visada crítica sobre a história da arte dos Estados Unidos e suas possíveis articulações com outros países. No caso do Brasil e da proposta feita pelo MAC USP, a seleção de obras partiu das questões já colocadas em outras parcerias da instituição estadunidense com o país.