Espaço dedicado ao brincar livre ao ar livre, promovendo experiências lúdicas relacionadas ao universo circense.

As crianças realizam o sonho de fazer parte do circo em um espetáculo cheio de habilidades circenses que são lições de vida. Traz as palavras para a evidência da comunicação e cada espectador se torna parte dessa sopa de letrinhas.

A guitarrista, compositora e letrista Ava Mendoza, conhecida por suas performances solo de guitarra e voz, e como líder da banda de rock experimental *Unnatural Ways*, lança seu terceiro álbum solo, “The Circular Train”.

A big band de funk e soul instrumental Black Mantra se une ao rapper e cantor BNegão para um show em homenagem à fase Racional do mestre Tim Maia. Neste período da vida, Tim Maia compôs músicas eternizadas como “Que Beleza!”, “Bom Senso” e entre outras.

A Princesa Anna de Arendelle adora sua irmã Elsa, mas um acidente envolvendo os poderes especiais de Elsa durante a infância fez com que seus pais as mantivessem afastadas uma da outra, crescendo isoladas no castelo da família.Após a triste morte de seus pais, chega o dia em que Elsa deve assumir o reinado de Arendelle.Com o reencontro das duas irmãs, um novo acidente acontece e Elsa decide partir para sempre e se isolar do mundo, deixando todos para trás e provocando o congelamento do reino.Anna decide se aventurar pelas montanhas de gelo para reencontrar sua irmã e acabar com o frio congelante que infestava o Arandelle.No caminho, ela faz novas amizades e acaba descobrindo o significado do amor verdadeiro.

Exposição individual da artista Deborah Engel na Galeria Marília Razuk. A artista propõe em sua pesquisa uma reinvenção da contemplação, tomando como interesse questões ligadas à fotografia expandida, à experimentação daperspectiva e do enquadramento e ao Cinetismo.A mostra traz um conjunto de sete novas fotografias criadas com colagens que instigam e provocam o olhar do espectador, desafiando a percepção de profundidade e perspectiva. Ao lado das fotografias, a exposição conta com uma instalação composta por linhas elásticas que dialogam com o ponto de fuga presente nas imagens, criando uma continuidade entre os elementos bidimensionais e tridimensionais. Engel apresenta ainda dois desenhos e quatro esculturas inéditas, sendo duas em metal e duas em madeira, todas explorando a questão do prisma e sugerindo uma quarta dimensão, convidando públicoa se perder no espaço e na vertigem.

A Casa Natura Musical recebe a banda Hotelo com o show Estranho Conhecido & Reviravolta. A noite ainda conta com a abertura do artista Lucas Andrade.Com 12 anos de carreira, o grupo paulistano lança seu quinto álbum, Estranho Conhecido, uma jornada introspectiva que convida o ouvinte a se conectar consigo mesmo e com o mundo ao redor. O novo trabalho traz melodias envolventes e letras que tocam fundo, explorando temas como identidade, amor e os desafios da vida adulta.

A Maglore, formada em Salvador em 2009 e atualmente baseada em São Paulo, celebra 15 anos de carreira em 2025. A banda passou por diversas mudanças, começando com os discos independentes “Veroz” (2011) e “Vamos pra Rua” (2013), e alcançando grande reconhecimento com o álbum “III” (2015), que marcou a transição de quarteto para trio e trouxe sucessos como “Mantra” e “Dança Diferente”. Em 2017, lançaram “Todas As Bandeiras”, um dos melhores discos do ano, e seguiram expandindo seu alcance com shows internacionais.Em 2022, lançaram “V” e, em 2024, um álbum acústico que trouxe novas versões de hits da banda. Ao longo dos anos, a Maglore se destacou por sua evolução sonora, colaborações com artistas renomados e uma conexão forte com seus fãs.

Sozinha em cena, Juliana Martins conta com naturalidade e humor suas vivências sexuais. São confissões pessoais misturadas com experiências de amigas e relacionadas à liberdade da mulher.Narrado com ironia e sinceridade, o texto é inspirado na vida real da atriz. Casada por 19 anos, dos 20 aos 39 anos, Juliana conta que depois que se separou, buscou viver intensamente sua liberdade sexual.

A exposição coletiva, com curadoria de Mario Gioia, apresenta uma seleção de trabalhos que discorrem sobre o tema da memória.

A galeria inaugura sua programação de 2025 com uma individual da artista mineira Jeane Terra. A mostra, com curadoria de Guilherme Wisnik, apresenta 13 obras que transitam entre pintura, escultura, fotografia, bordado, gravura e videoarte. Na exposição, as obras de Jeane dão fisicalidade à experiência da finitude, processos de apagamento e memória e têm como matéria-prima, camadas da psiquê da artista acerca do tema, entrecruzadas com o território da floresta amazônica - especialmente a reserva do Jaú e o arquipélago de Anavilhanas, no Rio Negro, onde estão as ruínas da cidade de Velho Airão.

A galeria inicia seu calendário de exposições em 2025 com a mostra individual do jovem artista cearense Higo José, nascido na cidade de São Benedito, em 1994, e residente em São Paulo desde 2007. A mostra reúne 35 trabalhos inéditos de Higo, que tem afirmado sua personalidade artística por meio de uma minuciosa técnica do bordado, presente em tapeçarias que trazem para a contemporaneidade a herança ancestral das pinturas rupestres, em uma pesquisa que também se manifesta na criação de esculturas que buscam inspiração na arte pré-histórica.

Exposição individual da artista peruana radicada no Brasil Nydia Negromonte. A artista apresenta uma pesquisa que convida à observação atenta da matéria, dissolvendo hierarquias entre as palavras e as coisas e desafiando expectativas de significados aparentes. Entre as obras expostas na individual, está um trabalho que reconfigura a instalação "Posta", desenvolvida pela artista em 2012 e exposta na 30a Bienal de Arte de São Paulo.

Identidade. Memória. Esquecimento. Quais histórias escolhemos lembrar e quais preferimos esquecer? Esse é o ponto de partida da exposição “Re-Utopya”, primeira individual de Hal Wildson em São Paulo. Com texto curatorial de Lucas Albuquerque, a mostra tem origem no Prêmio Breeze, no qual Wildson foi contemplado em 2024, e cuja exposição homônima foi apresentada na Embaixada do Brasil em Londres. Agora, na Galeria Lume, “Re-Utopya” ganha novas obras e expografia, enquanto o artista constrói narrativas que questionam os projetos de identidade e apagamento que moldam a história oficial do Brasil, dissolvendo as fronteiras entre arquivo e memória.

No enredo, os quatro personagens do Quintal estão prontos para realizar uma viagem de muita descoberta. Em cada parada, eles descobrem preciosidades da cultura brasileira e de tradições de cada região deste imenso Brasil. Em cena, o palco se transforma no itinerário da própria viagem.Eles passam por estradas que levam de um lugar a outro, param em vilarejos, visitam fazendas e, nessa saga, conhecem pessoas incríveis que trazem histórias ricas da tradição regional. A viagem será contada com recursos cenográficos e figurinos que aguçam a imaginação do espectador.

O que une as saudosas cantoras brasileiras Elizeth Cardoso, Maysa, Dalva de Oliveira e Dolores Duran com a norte-americana Maria Callas, as francesas Barbara e Edith Piaf, a argentina Mercedes Sosa e a alemã Marlene Dietrich? É justamente o fato de que todas elas, em seus diferentes tempos e sociedades, cantaram cada uma à sua maneira as delícias e dissabores do amor. O musical Território do Amor, com texto de Gabriel Chalita, lança justamente um olhar para o que essas vozes poderosas e icônicas cantam a respeito desse que é o mais complexo dos sentimentos humanos.

Dirigida por Elias Andreato para o texto do premiado autor americano Mark St. Germain, a trama apresenta um encontro fictício entre Sigmund Freud (Odilon Wagner - o pai da psicanálise, e o escritor, poeta e crítico literário C.S. Lewis (Marcello Airoldi), dois intelectuais que influenciaram o pensamento científico filosófico da sociedade do século 20.Durante esse diálogo, Sigmund Freud, crítico implacável da crença religiosa, e C.S. Lewis, renomado professor de Oxford, crítico literário, ex-ateu e influente defensor da fé baseada na razão, debatem, de forma apaixonada, o dilema entre ateísmo e crença em Deus. O texto de Mark St. Germain é baseado no livro Deus em Questão, escrito pelo Dr. Armand M.Nicholi Jr. - professor clínico de psiquiatria da Harvard Medical School. Freud quer entender por que um ex-ateu, um brilhante intelectual como C.S. Lewis, pode, segundo suas palavras, “abandonar a verdade por uma mentira insidiosa” - tornando-se um cristão convicto.No gabinete de Freud, na Inglaterra, eles conversam sobre a existência de Deus, mas o embate verbal se expande por assuntos como o sentido da vida, natureza humana, sexo, morte e as relações humanas, resultando em um espetáculo que se conecta profundamente com o espectador através de ferramentas como o humor, a sagacidade e o resgate da escuta como ponto de partida para uma boa conversa. O sarcasmo e ironia rondam toda essa discussão. As ideias contundentes ali propostas nos confundem, por mais ateus ou crentes que sejamos.

Em abril, os encontros de mediação são voltados à Primeira Infância e são conduzidos por Ivani Magalhães. A pedagoga, psicóloga e contadora de histórias Ivani Magalhães, que desenvolve o projeto “Hora do Conto para Bebês”, traz seu conhecimento para apresentar o mundo mágico da leitura para os bebês.

Oficina lúdica de composição de lambe-lambes e pôsteres, a partir de letras em diversos formatos como carimbos, stencil, tipos e material impresso reaproveitado. Aqui as letras funcionam como imagens, como figuras e formas que podem ser montadas, desmontadas, carimbadas, recortadas, coladas, pintadas e desenhadas. É lançada uma nova maneira de olhar para os alfabetos que aciona nosso processo cognitivo atuando sobre a percepção (sensorial, leitura visual), sobre a seleção (memória) e na produção de novas narrativas (raciocínio e invenção).

A banda pioneira do reggae nacional está pronta para celebrar quatro décadas de trajetória com uma turnê que promete ser marcante no cenário musical. Formada em 1985, em São Luís do Maranhão, a Tribo de Jah é considerada a banda pioneira do reggae no Brasil e uma das principais referências do gênero. Com uma história que começou na Escola para Cegos de São Luís, a banda se destacou desde o início por contar com músicos cegos que provaram que a verdadeira visão está na música e na superação.

Espetáculo para bebês de 0 a 3 anos, contando a história de Bento, um menino de pés descalços e sujos de terra rachada, que trilha uma jornada longe de sua mãe e de seu povo em busca de água. Encontra bichos da chuva e músicas de bença! Ganha presentes da seca e descobre que sua pisada forte faz brotar água.

Um quintal, um varal, um lençol e dois velhos palhaços que se reencontram para viajar ao passado e relembrar seus tempos de criança. Entre baldes, prendedores, séries antigas, cinema mudo, super-heróis, cachorros, bruxos, sombras e risadas eles vão transformando quintais em lugares mágicos, trazendo ao palco o clima de ingenuidade da palhaçaria clássica em um espetáculo singelo e poético, onde o fio condutor da história é dado a partir da inocência das velhas brincadeiras e reminiscências da infância. O espetáculo utiliza manipulação de bonecos, objetos, teatro de sombras e luz negra para contar diversas histórias, livremente inspiradas em obras da literatura clássica como Robinson Crusoé, Rei Arthur, séries clássicas antigas como Ultraman, Homem-Aranha, Ilha da Fantasia, entre outras, com momentos de magia, poesia e aventuras divertidas e emocionantes conduzidas por dois palhaços que vão transformar seus “erros” em deliciosas situações.

“Não Verificado em Primeira Pessoa” é um solo de dança, fruto de uma investigação teórico-prática iniciada em 2019 e materializada em 2023. A peça é marcada por três momentos na linha de duração, estruturando-se em três blocos de ferramentas de composição instantânea e partituras coreográficas que exploram as noções de gravidade, tempo/espaço, objeto, imagem e corpo. Outros corpos em cena auxiliam na construção da seguinte pergunta: “Qual a distância entre acontecer e não acontecer?”

O casal formado por Dona Maria e Cosme decide viajar até a cidade de Barbalha (CE) para pagar uma promessa na Festa do Pau da Bandeira. Eles são acompanhados pelo filho Benedito e os sobrinhos Bruna e Matheuzinho. Enquanto exploram a natureza local e os costumes do Sertão, as três crianças vivem uma aventura que as unirá para sempre.Este road movie brasileiro cheio de aventuras é uma homenagem às paisagens, histórias e riquezas culturais do Sertão nordestino. Neste cenário os três personagens vivem contratempos que, milagrosamente, sempre dão certo do jeito que deveriam, sem perderem o encantamento e a afetividade que os une.

O espetáculo conta a história de Bela, uma menina que sonha em ser palhaça profissional e é baseado no livro “Quando crescer, quero ser palhaça” de Joana Barbosa. A peça celebra a coragem e os sonhos de uma menina que não quer ser chamada de princesa mas, ao contrário, quer ser chamada de palhaça.

SQUARE é um espetáculo inédito, no qual o piano interage com um instrumento metafísico: um quadrado luminoso que flutua acima do piano. Um alter-ego abstrato, o quadrado ora pulsa em frequências graves, ora como uma voz robótica, tal como o HAL 9000 de 2001. Idealizado pelo compositor e pianista Manuel Pessoa de Lima, square é uma entidade autônoma, numa lógica composicional generativa.

Gritos e Silêncios: Fragmentos de Otelo, baseada na obra de William Shakespeare, é a 15ª peça teatral do “Bardo” encenada pela ShakeCena Cia. de Pesquisa Teatral.Em comemoração ao aniversário de 10 anos de atividades da companhia, pela primeira vez, a atriz Eliete Cigaarini sobe ao palco de uma montagem de seu grupo de pesquisa para interpretar Emília.Otelo, o mouro de Veneza, sob o ponto de vista dos personagens principais da trama: Otelo, Desdemona, Iago, Emília, Cássio e Rodrigo. Esses personagens são apresentados em uma linguagem “brechtiana”, inspirada no mestre Bertold Brecht, célebre diretor alemão, idealizador do conceito que propõe que a função do teatro seja pedagógica, institui para este papel a função de um narrador para suas obras , ainda, seus personagens distanciam-se de seus papéis para ocupar esta função e denunciar uma crítica social da trama encenada.

A vida e a obra do autor norte-americano Tennessee Williams (1911-1983) inspirou a criação do espetáculo metateatral Tennessee Williams Deve Morrer!, que tem sua segunda temporada no Teatro Sérgio Cardoso.Com texto de Luiz Filipe Caivano e Marcelo Braga, que também assina a direção, o novo trabalho encerra a trilogia metateatral de dramaturgia autoral da Cia. Filhos do Dr. Alfredo, composta ainda por Montanha Russa (2018) e Quem Fica com Quem (2019). No elenco, estão Vivian Bertocco e Luciano Schwab. Tennessee Williams Deve Morrer acompanha dois irmãos e artistas de teatro, Rose e Tom, que, enquanto se preparam para entrar em cena, recebem a crítica do espetáculo que estão prestes a iniciar. Frente à dureza da análise do crítico, Tom – que além de ator também é dramaturgo – resolve reescrever a peça como uma resposta à exclusão artística e à intolerância às novas ideias de construção teatral. Ele pretende sublinhar a atitude conservadora e homofóbica da crítica de então. E essa “peça dentro da peça” percorre fatos relevantes da vida, as relações com Kip, Pancho e Frank - seus mais significativos amores - e aspectos importantes da obra de Williams, que é, sem dúvida, um dos autores mais importantes do Teatro Moderno do século XX.

Nascido no Recife há 25 anos, IVYSON se mudou para a capital paulista em 2022, focado no trabalho musical e no crescimento artístico. Sem perder um milímetro do sotaque que cativa fãs Brasil afora com lirismo e sensibilidade raros no panorama nacional.Após se projetar nas redes com “Girassol”, e de trilhar um caminho original com a mixtape “Poemas Para Quem Chora”, o EP “Retalhos” e o álbum de estreia “O Outro Lado do Rio” (2022), IVYSON expande agora seu discurso amoroso, pós-amoroso e além-amoroso neste novo trabalho made in SP, “AFINCO”. “Eu falo nas minhas músicas: o amor amadurece, o amor cura, destrói... e também faz crescer. Eu gosto do romantismo, deescrever sobre isso. Mas às vezes, pode parecer que uma canção é sobre amor, e não é”, elabora.

Lançamento de seu álbum de estreia, “É a primeira vez que isso me acontece”. É a primeira vez para Ana Deriggi: o primeiro álbum e o primeiro pacote de composições próprias que se tornam públicas. E isso depois de cerca de vinte anos de carreira, com os altos e baixos característicos do músico brasileiro da noite e um acidente grave no meio do caminho. Mas de maneira involuntária, essa já longa trajetória parece ter preparado a cantora, compositora e violonista para este momento.

Um quintal, um varal, um lençol e dois velhos palhaços que se reencontram para viajar ao passado e relembrar seus tempos de criança. Entre baldes, prendedores, séries antigas, cinema mudo, super-heróis, cachorros, bruxos, sombras e risadas eles vão transformando quintais em lugares mágicos, trazendo ao palco o clima de ingenuidade da palhaçaria em um espetáculo singelo, onde o fio condutor da história é dado a partir da inocência das velhas brincadeiras e recordações da infância de outras gerações.

"Restinga de Canudos" enxerga as ruínas de Canudos, cidade submersa, e mergulha nas águas do açude de Cocorobó em busca das histórias de suas gentes. Para além da visão de Euclides da Cunha e da narrativa do massacre, o espetáculo recria, a partir dos olhos de duas professoras, uma comunidade viva, forte, próspera e vitoriosa na invenção de formas próprias de existência. "Restinga de Canudos" traz professoras, beatos fazendo reza, guerra e festa numa Canudos recriada para o tempo presente.

“As andorinhas são os animais mais felizes do mundo. Muito triste ver o animal mais feliz do mundo em pedaços. O mais feliz. As andorinhas explodem todo começo de dia, e também no fim da tarde, aquela coreografia absurda e exata demais num ser com um espaço tão ridículo para os miolos. Fazem a farra”. A primeira frase inicia o livro e o espetáculo, que pareia o modus operandi das andorinhas ao dos homens gays, em uma livre adaptação do romance de Flavio Cafiero, realizada pela dupla Ester Laccava e Vinicius Aguiar, diretora e ator do espetáculo, respectivamente.A obra explora a dinâmica das relações de amor, sexo e amizade na intensa cidade de São Paulo nos anos 2020, com um foco particular nos desafios enfrentados por pessoas LGBTQIA+ acima dos 40 anos, perfil do personagem central. Essa geração, que viveu em uma época na qual assumir sua identidade ou falar abertamente sobre o amor era visto como tabu. Agora, com o fenômeno dos aplicativos e da liberdade nas relações tão extrapoladas, quanto rarefeitas, se depara com um estranhamento sobre como ser e amar.

Com direção original de Munir Kanaan, o espetáculo leva aos palcos o embate entre o Papa Bento XVI, um teólogo conservador vivido por Zécarlos Machado, e o carismático cardeal argentino Jorge Bergoglio, de visão progressista e futuro Papa Francisco, interpretado por Celso Frateschi. A peça ganhou a sua primeira montagem em 2019, na Inglaterra, baseada no livro homônimo de Anthony McCarten, que também inspirou a adaptação cinematográfica da Netflix dirigida pelo brasileiro Fernando Meirelles. Dois Papas marca um reencontro de Celso Frateschi e Zécarlos Machado nos palcos. A dupla esteve junta em Santa Joana, de Bernard Shaw, na década de 80.

O espetáculo voltado para famílias com bebês a partir de 6 meses e crianças de até 8 anos apresenta uma combinação de música, dança e interatividade. No palco, a educadora , cantora e atriz Fabiana Godoy conduz o público por uma série de temas do universo infantil. Ela é acompanhada do passarinho Leco, músicos e bailarinas.

Cícero Dias – com açúcar, com afeto apresenta a obra do artista brasileiro que se tornou compadre de Picasso. Vivendo a maior parte de sua vida em Paris Cícero nunca abandonou suas raízes, fincadas em Pernambuco. Apresentando 42 obras vindas de instituições e de coleções particulares, a exposição faz um recorte que evoca o aspecto doce, lírico e afetuoso da produção artística do eterno menino do Engenho Jundiá.Utilizando as cores marcantes da paleta de Cícero Dias a expografia evidencia a circularidade proposta pela curadoria, integrando as várias fases do artista. Uma exposição colorida, calorosa e afetiva que propõe ao visitante um olhar para a eterna juventude da arte.

Dois casais de gerações diferentes se encontram em um quarto de hotel. Segredos e mentiras começam a ser revelados e trazem à tona um divertido turbilhão de sentimentos, com muita emoção e desafios, que mudarão a vida deles para sempre.

Vozes da Várzea é uma homenagem à história de resistência, criatividade, comunidade e amor à bola que se desenvolveu às margens dos rios paulistanos e se espalhou pela cidade de São Paulo. Uma viagem no tempo pela maior cidade da América Latina.

Um show-síntese de canções brasileiras e estrangeiras com seu lado poético e teatral muito acentuados, no qual Cida Moreira, atriz, pianista e cantora, dá voz aos compositores fundamentais ao longo de sua trajetória como artista.

Isabella Taviani convida o público para uma experiência única e intimista na turnê "Voz e Violão", que vem circulando por diversas cidades do Brasil. Com um repertório focado em grandes sucessos de sua carreira, além de canções mais recentes, a cantora estabelece uma conexão profunda com o público, proporcionando momentos de pura emoção e espontaneidade."Diga Sim Pra Mim", "Último Grão", "Digitais", "A Canção Que Faltava" e "Luxúria" são alguns desses clássicos. "Repito", "Dois Babies e Uma Casa de Campo", "Me Deixa Entrar na Sua Vida", "Pare" (liberada em dobradinha com Bia Ferreira) e a recém-lançada "Colcha de Retalhos", um feat com Padre Fábio de Melo, fazem parte da safra mais nova.

Brincadeiras musicais e vivências de criatividade e fantasia para despertar a imaginação das crianças, construindo novas e futuras realidades de mais igualdade e respeito às diversidades.Dinâmicas com diferentes ritmos como samba de coco, cacuriá, boi e ciranda possuem cantos que poderão ser cantados juntos, alguns desses cantos trazem consigo brincadeiras próprias da cultura popular brasileira, de diferentes regiões.

O projeto Jazz na Casa chega para transformar o meio da semana em uma experiência única, com shows intimistas que celebram o jazz e as sonoridades brasileiras. Com curadoria da Música para os Ouvidos, do músico e produtor cultural Felipe do Amaral, essa série de encontros promete uma nova vivência na Casa Natura Musical.No dia 30.04, o duo paraibano Salomão Soares e Guegué Medeiros celebra o álbum Baião de Dois com um show que captura a energia das festas nordestinas através do forró em versões instrumentais. A apresentação ainda conta com a participação especial de Nailor Proveta.A apresentação une a música nordestina ao jazz, explorando o forró com a formação singular de piano e zabumba. Combinando tradição e inovação, o duo recria clássicos da cultura regional, entregando um som autêntico e envolvente que exalta a riqueza musical do Nordeste.

A Galeria Jacques Ardies apresenta a exposição "12 Caminhos", uma mostra que reúne o talento e a singularidade de 12 artistas de renome na arte popular brasileira contemporânea. A mostra conta com a participação dos artistas Ana Maria Dias, Cristiano Sidoti, Edivaldo, Edna de Araraquara, Enzo Ferrara, Francisco Severino, Helena Coelho, Isabel de Jesus, Lucia Buccini, Luiz Cassemio, Mara D. Lopes e Vanice Ayres.

Zeca Baleiro apresenta o show de seu álbum autoral de sambas, O Samba Não É de Ninguém. Com produção de Swami Jr., o álbum começou a ser gravado há pouco mais de 10 anos e só em 2023 chegou ao público. No repertório, além de autorais do novo álbum, Baleiro toca alguns de seus sambas prediletos e maiores influências. O show inclui músicas de Monarco, Martinho da Vila, Paulinho da Viola, Elton Medeiros, Fundo de Quintal e Leci Brandão, entre outros bambas.

Devido ao grande sucesso das primeiras edições, o Teatro Oficina volta a apresentar Dorival e a Mar, um rito-espetáculo em homenagem a Dorival Caymmi. Assim como Itamar Assumpção, João Gilberto e Torquato Neto, Caymmi é também um dos artistas-fundamento do trabalho do Teatro Oficina.Foram criadas cenas a partir das atmosferas propostas por cada canção, criando uma conexão entre elas, uma dramaturgia. Neste dia, o teatro feito carro-naval vai atravessar o mar de imagens criadas por Dorival em clássicos como O Mar, O Bem do Mar, Saudade de Itapoã, Dora, O Vento e Canção da Partida.

Mariana Manhães apresenta a exposição individual ‘O lado de fora dos olhos fechados’, na Central.Um conjunto que mescla escultura, instalação e vídeo reorganiza a ambientação da galeria. Seguindo os procedimentos de sua última individual na Central, ‘Montanhas nos observam em time-lapse’ (2019), Manhães propõe alterações na iluminação do espaço e recorre a recursos sonoros para compor a percepção de uma "floresta inventada", como pontua a artista.‘O lado de fora dos olhos fechados’ marca a mudança na prática da artista, que, após um período de silêncio, experimenta novos materiais e soluções formais para as obras apresentadas.

O espetáculo Copo Vazio, com direção de Bruno Perillo, fez sua estreia no Sesc Belenzinho, com ingressos esgotados antes do fim da temporada. A peça é a primeira adaptação do livro de Natalia Timerman, muito reverberado na literatura, feita pela dramaturga Angela Ribeiro, e reflete sobre a necessidade de se desenvolver a responsabilidade afetiva.Com idealização de Carolina Haddad, o espetáculo tenta reconstruir a trajetória de Mirela e Pedro, personagens do romance que viveram um intenso relacionamento por três meses até que Pedro decide sumir de maneira repentina.

A turma do Mundo Bita (animação que é um fenômeno entre as crianças) apresenta o seu show musical e educativo, que busca enfatizar a importância da educação inclusiva e democrática, por meio de um repertório com canções inéditas e clássicos de outras temporadas.

A curadoria propõe um recorte de obras, realizadas entre as décadas de 1960 e 1970, no Brasil, por artistas representativos da nova figuração, do teor político e da explosão colorida do pop, como Wesley Duke Lee, Claudio Tozzi, Antonio Dias, Cildo Meireles, Nelson Leirner, Raymundo Colares, Rubens Gerchman, Carlos Zilio, entre outros.

A galeria apresenta uma exposição individual do artista Claudio Tozzi, com obras realizadas pelo artista entre 1968 e 2024, percorrendo mais de cinquenta anos de intensa produção, durante os quais refletiu sobre o poder da imagem construída em um trânsito visual entre o espaço público e o espaço privado. A mostra conta com texto crítico assinado pelo curador Diego Matos.O artista teve um papel importante na pintura brasileira durante a década de 70, dentro do contexto da Nova Figuração Brasileira, uma leitura crítica sobre a emergente cultura de consumo de massas que se integrava a uma Ditadura Militar recém-instaurada. Dedicava, nesses primeiros anos, uma especial atenção aos símbolos ligados à militância popular, como as imagens da multidão em protesto ou do rosto de Che Guevara.

Primeira individual do artista Jean Araújo (Vitória da Conquista, 1975) na galeria Luciana Caravello. Com curadoria de Roberto Bertani, a mostra reúne 22 obras inéditas que marcam uma constante evolução da pesquisa pictórica do artista, apresentando as recentes experiências com a cor e suas interações com a luz e o espaço. Diferentemente da pintura tradicional, sinônimo de permanência e eternidade, as obras desta exposição produzem um acontecimento cromático que evolui continuamente junto com o espectador e com a mudança da luz, em aberta contradição com a natureza e os cânones do espaço pictórico tradicional.O trabalho e a pesquisa de Jean Araújo constroem um diálogo com os principais nomes da arte óptica e cinética, como Carlos Cruz-Diez, Jesús Rafael Soto e Júlio Le Parc. Tal como os mestres, a obra de Araújo explora o movimento de maneira peculiar: em vez de elementos físicos em deslocamento, é a própria experiência visual do espectador que "se move" conforme ele interage com as cores.

Dois grandes nomes da história da música dividem espaço com uma compositora que só recentemente tem recebido devida atenção. A direção cabe ao franco-suíço Joseph Bastian, regente principal da Orquestra Dijon Bourgogne e da Orquestra Jovem da Ásia, além de maestro titular da Sinfônica de Munique.A ópera Lohengrin pertence ao período intermediário de Richard Wagner, antes que ele escrevesse obras seminais como Tristão e Isolda e a tetralogia O anel do nibelungo. O tocante prelúdio inicial da ópera inicia este concerto.Apesar das oito sinfonias que escreveu e de ter sido figura popular no século XIX – a ponto de ganhar elogios sexistas como “Schubert de saias” ou “Beethoven feminino” –, Emilie Mayer, como a maioria das compositoras de seu tempo, foi quase esquecida após sua morte. Sua obra tem sido recuperada nos últimos anos, e uma das mais impressionantes é a Sinfonia nº 7.Reunindo importantes solistas brasileiros, o programa se encerra com o Réquiem de Mozart. Doente e com outros compromissos, Mozart morreu antes de concluir esta encomenda, que foi finalizada por seus alunos. Isto não impediu, no entanto, que a obra se tornasse uma das mais importantes do autor.

Gesualdo Brilhante, um motorista de aplicativo com dificuldade em dizer não, é surpreendido por três soldados do exército que, desesperados com a ausência de um colega em uma missão inesperada, o convencem a assumir o lugar do desertor. O soldado ausente, preso após um roubo malfadado em um terreiro de candomblé, desencadeia uma cadeia de eventos que obriga Gesualdo a mergulhar em um universo de autoritarismo e violência.Em meio à tensão crescente de uma guerra iminente, Gesualdo, incapaz de resistir ao fluxo, se transforma em uma engrenagem implacável de um sistema bélico. Em meio a tambores e confetes, mesclando a iminência do conflito à efervescência de um desfile de carnaval, os personagens transitam entre o riso e o desespero, entre o grotesco e o sublime. Livremente inspirado em “Um Homem é um Homem” de Bertolt Brecht.

CRYSÁLYDA é um solo de dança que parte da obra autoral “Casulo”, criada em 2021, e utiliza a metamorfose da borboleta como metáfora para as transformações de um corpo trans não binárie, originarie, gorde e periférico. A obra denuncia a pobreza, a violência e o preconceito contra povos originários e negros no Brasil, enquanto narra, poeticamente, um “mundo de dentro” em constante construção e reinvenção. Dialoga com temas como o colorismo, parte essencial das inquietações da identidade de quem cria. Entre ovo, larva, pupa e borboleta, a obra é um manifesto de resistência e reinvenção, ecoando sentidos e pulsões em busca de liberdade.

A exposição apresenta trabalhos variados cuja temática está centrada nos mitos da criação do mundo das religiões afro-brasileiras. Na mostra, estarão reunidos trabalhos de 14 artistas, em técnicas diversas, em cujas obras as narrativas afro-brasileiras estão fortemente representadas. Pinturas, desenhos, esculturas, fotografias, instalações e as mais variadas expressões, linguagens e técnicas dão forma à exposição.Entre o Aiyê e o Orun tem como objetivo colocar em pauta a produção artística afro-brasileira influenciada pela cosmologia africana, num movimento de reconhecimento e valorização das matrizes culturais. Além da relevância artística dos trabalhos expostos, ainda se destaca a diversidade de suportes e técnicas apresentadas, exaltando a diversidade da produção artística oriunda da Bahia, berço da cultura africana no Brasil. A mostra contempla expoentes das artes plásticas como Agnaldo dos Santos (1926- 1962), Carybé (1911-1997), Emanoel Araújo (1940-2022), Jayme Figura (1959-2023), Mario Cravo Jr. (1923-2018), Mario Cravo Neto (1947-2009), Mestre Didi (1917-2013), Pierre Verger (1902-1996), Rubem Valentim (1922-1991), Ayrson Heráclito, Caetano Dias, J. Cunha, José Adário e Nadia Taquary

Artista Visual voltada para as infâncias, Maria Ezou apresenta uma instalação interativa, que materializa uma cidade imaginária e biocêntrica, uma fortaleza onírica onde os seres humanos, seus corpos, as casas e o restante da natureza são partes de um mesmo sistema: harmônico e fantástico. A artista criou 15 esculturas chamadas de "casas-corpos", moldados a partir do tronco de seu próprio corpo e que apresentam, em cada um, pequenas miniaturas.

Diversas e inusitadas soluções de design e processamento sustentável de recursos naturais ganham destaque na exposição inédita "Princípios japoneses: design e recursos". A mostra reúne 16 projetos de 14 criadores que apostam em formas de aproveitamento máximo e minimização de desperdícios dos recursos e materiais, além de iniciativas para valorização de recursos e técnicas tradicionais japonesas. Com muitas possibilidades, a exposição apresenta iniciativas em áreas como arquitetura, design, artesanato tradicional, têxteis, itens de esporte e instrumentos musicais.A inspiração para a mostra nasceu da longa tradição do “não desperdício”, parte da filosofia japonesa mottainai – junção do vocábulo de origem budista “mottai”, que se refere à essência das coisas, com a partícula “nai”, que indica negação na língua japonesa.

A exposição parte da curiosa coleção máscaras mortuárias — moldadas sobre o rosto de pintores como Almeida Júnior e Pedro Alexandrino — para investigar os modos como artistas lidam com o tempo e sua experiência. Reunindo cerca de 40 esculturas, que vão do século XII aos dias de hoje, a mostra é uma oportunidade para refletir sobre a linguagem, ver e rever obras fundamentais do acervo da Pinacoteca.

A exposição apresenta um panorama de 40 anos da fotografia contemporânea feita por mulheres amazônicas. Projeto do Museu das Mulheres, com curadoria de Sissa Aneleh, a mostra nasce de um extenso trabalho de pesquisa que vem sendo realizado há mais de uma década e propõe reflexões sobre identidade, território e memória, a partir da perspectiva de temáticas de 11 fotógrafas.A exposição reúne cerca de 160 obras – incluindo fotografias, jornais artísticos, propostas fotográficas, áudios e vídeos – distribuídas em cinco andares do edifício do CCBB.

Maior exposição realizada pelo Museu Judaico de São Paulo desde sua inauguração em 2021, Judeus na Amazônia abre suas portas ao público no dia 2 de novembro. Reunindo mais de 220 itens entre obras de arte, vídeos, documentos históricos e fotográficos, a mostra propõe dar conta de um capítulo pouco conhecido da história brasileira: a imigração judaico-marroquina para a Amazônia, que aconteceu entre 1810 e 1930, trazendo centenas de famílias que viviam em cidades como Tânger, Tetuan, Fez e Marrakesh. Na região se estabeleceram como regatões, os mascates dos rios, e atuavam no período do auge da economia da borracha levando e trazendo mercadoria das cidades para os seringais. Com curadoria conjunta de Aldrin Moura de Figueiredo, Ilana Feldman, Mariana Lorenzi e Renato Athias, a panorâmica é fruto de uma pesquisa de dois anos realizada pelo Museu e ocupa três andares de sua sede. Com obras de artistas como Claudia Andujar, Donna Benchimol, Thomaz Farkas, Arieh Wagner, Sergio Zalis, Abrão Bemerguy e Mady Benzecry – além de três obras comissionadas –, o projeto propõe um olhar ampliado sobre como a cultura judaica se ambientou em diferentes localidades amazônicas, influenciando e sendo influenciada, sem perder suas raízes.

Adrian Younge apresenta em São Paulo a turnê que celebra o lançamento do álbum final da trilogia Something About April III. O show promete uma noite inesquecível, com uma orquestra de 40 músicos e participações especiais de Samantha Schmütz, Céu, Luiza Lian, Hyldon e Carlos Dafé, artistas que colaboraram com Younge em suas produções.A data coincide com o aniversário de Adrian Younge, tornando o evento ainda mais especial. Não perca essa celebração única da música que une grandiosidade orquestral, soul cinematográfico e influências da psicodelia brasileira.

A homenagem à madrinha do samba terá Arlindinho, Sombrinha, Mosquito, Lu Carvalho e Prettos, em única apresentação

Para celebrar os 20 anos deste importante momento de sua carreira, o IRA! preparou uma turnê especial em 2025, revivendo o repertório do álbum em formato acústico, com a companhia de músicos de apoio, aproximando ao máximo o público e matando as saudades dessa experiência incrível que foi o “IRA! Acústico MTV”.

O percussionista, compositor e arranjador Caíto Marcondes (1954) é um músico versátil, prolífico e inquieto, que tem especial relação com os instrumentos de cordas. Carioca crescido no interior de São Paulo e radicado na capital, na juventude dedicou-se ao piano e ao violão, além de estudar composição com Hans-Joachim Koellreutter e harmonia com Mário Ficarelli. Sua produção e atuação desafiam as fronteiras entre a música clássica e a popular: como percussionista, já colaborou com artistas como Marlui Miranda, Hermeto Pascoal, Toninho Horta, Milton Nascimento, Francis Hime, Joyce e Monica Salmaso. Ao lado do violinista norte-americano Tracy Silverman, seu parceiro de longa data, foi solista de diversas peças para orquestra de sua própria autoria. Compôs para balé, teatro e cinema (angariando vários prêmios); criou e dirigiu projetos musicais e séries; além de conceber e apresentar um programa na Rádio Cultura. Lançou sete discos, no Brasil e no exterior. Seu primeiro álbum solo, Porta do Templo (Califórnia, 1995), teve colaboração do premiado Turtle Island String Quartet, quarteto de cordas norte-americano que se dedica a repertórios da música popular e do jazz, e do trombonista François de Lima, integrante da Banda Mantiqueira. Caíto assina a autoria da maioria das músicas, além de todos os arranjos para essa formação original de quarteto de cordas, trombone e percussão – que ele mesmo toca no disco. Relançado na Alemanha em 1998, o álbum foi indicado como um dos 150 melhores do ano na Europa no World Music Charts Europe, e chamou a atenção de Marcelo Jaffé, violista do Quarteto de Cordas da Cidade de São Paulo – que já conhecia a escrita para cordas de Caíto por seus arranjos para a Orquestra Jazz Sinfônica, da qual ele foi tanto músico como diretor artístico. Assim, surgiu a ideia da colaboração do Quarteto com Caíto – que se materializa agora, quase três décadas depois.

O artista Zé Tepedino apresenta sua segunda individual na galeria. A mostra “Vento Corta” reúne um conjunto de obras recentes que exploram diferentes materialidades, escalas e ritmos, construindo sistemas poéticos em constante diálogo. Elementos corriqueiros se aproximam e se repetem, mas nunca de maneira idêntica.Muitos trabalhos são atravessados tanto pela ideia de vento - como nas obras com bandeiras - quanto pela ação de cortar, um gesto recorrente.Assim como o vento, quase invisível, a mostra se revela na relação com o tempo, afirmando sua presença no instante e na memória.“O vento é sutil, muitas vezes imperceptível, assim como muitos dos materiais com os quais escolho trabalhar. No entanto, pela repetição de gestos simples, esses materiais ganham presença e se afirmam no corte—uma marca física e evidente”, explica Tepedino.

A galeria apresenta, em suas duas salas, a exposição individual de Marcius Galan, com obras inéditas que exploram a resistência, a instabilidade e o equilíbrio dos corpos no espaço. O artista apresenta instalações e objetos que parecem à beira do colapso, mas mantêm suas funções, tensionando matéria e movimento.Entre os destaques, a instalação Cinema (2025) simula o voo de vaga-lumes em uma sala escura, em homenagem a Pier Paolo Pasolini; Anti-horário mostra um galho desenhando círculos no deserto; e Infinito (1999), único trabalho anterior, é um tubo de vidro interrompido por cera.Na Sala 2, obras com pedras, carvão e ferro confrontam peso e equilíbrio, como em Memória geológica, Força resultante e Baixa resolução, evocando desde tensões físicas até paisagens devastadas. Já Orbital combina pintura e pedras minerais em movimentos circulares que gravam marcas na superfície.

A artista Lia D Castro apresenta obras inéditas na exposição individual "Passantes". Em sua nova série, Lia D Castro parte de um gesto simbólico: a compra de pinturas com os temas de naturezas-mortas e paisagens em antiquários, sobre as quais intervém ao pintar pés masculinos. Esses pés pertencem a homens que foram criados por mulheres — mães, tias, avós —, dentro de um sistema matriarcal. A proposta de Castro inclui, ainda, um jogo visual que desestabiliza a leitura comum desse gênero de pintura ao posicioná-las de ponta cabeça, criando um contratempo ótico que nos convida a olhar para o trabalho de arte sob um novo ângulo. Essa inversão também sugere uma releitura do museu e da própria história da arte, desafiando a persistente “retina colonial”, termo utilizado pela artista para descrever o olhar eurocêntrico que moldou a produção e a recepção das imagens ao longo dos séculos.

Nessa ação a proposta é de uma pequena instalação lúdica com diversos brinquedos sensoriais não estruturados, criados com reaproveitamento de materiais. Esses brinquedos despertam a curiosidade e a imaginação das crianças, provocando uma pergunta que é disparadora de um processo lúdico e criativo: O que é isso?

Espetáculo infantil indígena que aborda os direitos das crianças indígenas em contexto urbano, explorando três dimensões fundamentais da vida em sociedade: Infância, Corpo e Territorialidade. Idealizado por Lenise Oliveira, o espetáculo tem direção de Marina Esteves, direção musical e produção musical de Dani Nega, direção de movimento de Marina Esteves e Key Sawao, e dramaturgia de Lenise Oliveira e Idylla Silmarovi.

Para celebrar os 20 anos deste importante momento de sua carreira, o IRA! preparou uma turnê especial em 2025, revivendo o repertório do álbum em formato acústico, com a companhia de músicos de apoio, aproximando ao máximo o público e matando as saudades dessa experiência incrível que foi o “IRA! Acústico MTV”.

A Simões de Assis apresenta um conjunto de 10 obras de Jorge Guinle, sendo nove em grande formato, realizadas pelo artista durante sua temporada em Nova York, entre 1985 e 1986. Pela primeira vez reunidas e trazidas ao Brasil, essas pinturas marcam um momento singular em sua trajetória, combinando maturidade artística com a densidade emocional que permeou seus últimos anos de vida.No período em que produziu essas telas, Guinle participou da 17ª Bienal de São Paulo e realizou exposições individuais em importantes galerias. Paralelamente, enfrentava o impacto de um diagnóstico de doenças relacionadas à aids, que levaria ao seu falecimento em 1987. As telas dessa fase nova-iorquina revelam um percurso intenso e visceral, no qual suas composições se tornam mais diluídas e translúcidas, sem perder a vibração gestual e cromática que caracterizou sua obra.A exposição conta com texto assinado por Vanda Klabin, curadora, historiadora e amiga próxima do artista, que contextualiza a importância desse conjunto dentro da produção de Guinle. Reconhecido por sua abordagem singular dentro da pintura contemporânea brasileira, ele estabeleceu um diálogo intenso com as tendências internacionais da época, como o expressionismo abstrato e a pintura norte-americana do pós-guerra. Ao longo de sua curta, mas intensa carreira, Guinle foi um dos grandes incentivadores da revalorização da pintura nos anos 1980, sendo uma referência fundamental para a chamada Geração 80.

Espetáculo infantil indígena que aborda os direitos das crianças indígenas em contexto urbano, explorando três dimensões fundamentais da vida em sociedade: Infância, Corpo e Territorialidade. Idealizado por Lenise Oliveira, o espetáculo tem direção de Marina Esteves, direção musical e produção musical de Dani Nega, direção de movimento de Marina Esteves e Key Sawao, e dramaturgia de Lenise Oliveira e Idylla Silmarovi.A história acompanha Dalú, uma criança indígena que é obrigada a deixar o território de seu povo, em Mairi (Belém do Pará), e migrar com a mãe para a periferia de um grande centro urbano, Nhe’e ry (São Paulo). Na cidade, mãe e filha enfrentam desafios como o preconceito e a violência policial. Durante uma operação policial, Dalú vê sua vizinha implorando por compaixão – uma palavra que desperta nela um sentimento profundo. Quando sua própria casa é invadida, a menina clama por seus ancestrais e embarca em uma jornada através de seu rio de memórias, acompanhada por seus amigos boldo, alecrim e capim-cidreira.Ao longo dessa travessia, Dalú imagina novas cartografias e camadas de mundo, conectando-se às cosmovisões dos povos originários. Em um universo onde os vivos não estão distantes dos encantados, ela busca as M’bae (riquezas) de seu povo e aprende com os ensinamentos da natureza. Nessa jornada, reafirma valores fundamentais como sabedoria, intuição e coragem.

O célebre drama giocoso, com pitadas de comédia e toques sobrenaturais, fruto da parceria explosiva entre Wolfgang Amadeus Mozart e o libretista Lorenzo Da Ponte, volta ao Theatro Municipal de São Paulo numa nova e vibrante encenação assinada por um mestre do picadeiro: Hugo Possolo.

Exposição individual da artista paulistana Cristiane Mohallem. Suas obras convidam o público a adentrar um universo onírico por meio de onze tapeçarias bordadas e seis pinturas que transitam entre o abstrato e o figurativo.Inspirada pelo poema "Eros e Psique", de Fernando Pessoa, Mohallem transforma experiências e memórias em paisagens imaginárias. Partindo de lugares que fazem parte do seu cotidiano, como uma praça em São Paulo até um pequeno vilarejo na Islândia, suas obras entrelaçam cores e formas que evocam tanto familiaridade quanto estranhamento.

A proposta desses livros é possibilitar um diálogo entre sensorialidade, imaginação e histórias. Eles foram confeccionados com diferentes texturas, diversos elementos e propostas interativas, a fim de permitir ricas explorações e investigações, como apertar, puxar, girar, movimentar, entre outras.

1300° (qual a saúde de um vulcão?) explora a sobreposição entre formações vulcânicas e a estratificação social, propondo um diálogo entre processos de destruição e saúde. Malu Avelar utiliza intensas propostas corporais para abordar a descolonização do corpo, trazendo a argila e a energia vulcânica como orientações, refletindo sobre o humano como caco, potência da matéria destruída, conectando carne e espiritualidade.Comparações entre processos vulcânicos e estruturas ou normas humanas, como, por exemplo, os processos de atrito e destruição que compõem ciclos de saúde, levantam imaginários e provocações que são respondidas em cena pela artista por meio de intensas propostas corporais. Viver tais processos vulcânicos torna-se um modo de propor a descolonização do corpo, indo além da concepção tradicional de humanidade. Essas energias vulcânicas, assim como o viver a argila, são trazidas como uma orientação possível para encontrar a saúde através da destruição, é a destruição como meio. O espetáculo se afasta da noção de cura enquanto fim e se apresenta como um processo de saúde. Diversas mitologias abordam o barro como matéria de formação humana, como a base da criação da forma humana. A artista nos entrega um movimento que emerge da carne e se conecta ao espiritual, o que, para ela, é a missão do corpo que se propõe a dançar.

Nome importante do rock, a banda O System Of A Down apresenta uma turnê pela América do Sul em 2025, marcando o retorno da banda após quase 10 anos.

Com curadoria de Renato De Cara, curador do Paço das Artes, a exposição traz 58 trabalhos de 18 artistas que, por meio de suas obras, refletem sobre os impactos significativos e, muitas vezes, irreversíveis das ações humanas ao meio ambiente. Para além das mudanças nas paisagens, os artistas exibem exercícios de imaginação para um futuro fantasioso, investigando linguagens, representações utópicas, apocalípticas e objetos ficcionais.Artistas convidados: Alexandre Ignácio Alves, Ariel Spadari, Brunøvaes, Chico Santos, Felipe Góes, Hugo Fortes, Lalo de Almeida, Leila de Sarquis, Luanna Jimenes, Marcelo Moscheta, Mauricio Parra, Meia, Mercedes Lachmann, Rafaela Foz, Ricardo Barcellos, Rosa Hollmann, Uýra, Virginia de Medeiros.

Em meio aos prédios e todo o cenário urbano de São Paulo, a exposição mergulha Nhe´ ẽ Se nas formas como os povos indígenas enxergam a vida, a comunidade e a natureza. Desde a origem do mundo, os rios são vistos como as veias da terra e canais que conectam o mundo físico ao espiritual, fornecendo sustento e equilíbrio. A mostra reúne obras de treze artistas indígenas contemporâneos de diversas regiões, evocando uma jornada de memória, resistência e renovação através das vozes, visões e fluxos de Guaranis, Pankararus, Mura, Tukanos, Molina, entre outros povos. A exposição mescla artistas já renomados com novos nomes: Aislan Pankararu, André Hulk, Auá Mendes, Daiara Tukano, Day Molina, Déba Tacana, Edgar Kanaykõ Xakriabá, Glicéria Tupinambá, Paulo Desana, Rodrigo Duarte, Tamikuã Txihi, Xadalu Tupã Jekupé, e Yacunã Tuxá. A curadoria é assinada por Sandra Benites e Vera Nunes.

Escrita por Edward Albee (1928-2016) no início da década de 90, ‘Três Mulheres Altas’ logo se tornou um clássico da dramaturgia contemporânea. Perversamente engraçada – como é a marca do autor –, a peça recebeu o Prêmio Pulitzer e ganhou bem-sucedidas montagens pelo mundo, ao trazer o embate de três mulheres em diferentes fases da vida: juventude, maturidade e velhice.Dirigida por Fernando Philbert, a nova versão da peça traz no elenco Suely Franco, Deborah Evelyn e Nathalia Dill, tem tradução de Gustavo Pinheiro e produção da WB Produções, de Bruna Dornellas e Wesley Telles.Em cena, as atrizes interpretam três mulheres batizadas pelo autor apenas pelas letras A, B e C. A mais velha (Suely Franco), que já passou dos 90, está doente e embaralha memórias e acontecimentos, enquanto repassa a sua vida para a personagem B (Deborah Evelyn), apresentada como uma espécie de cuidadora ou dama de companhia. A mais jovem, C (Nathalia Dill), é uma advogada responsável por administrar os bens e recursos da idosa, que não consegue mais lidar com as questões financeiras e burocráticas.Entre os muitos embates travados pelas três, a grande protagonista do espetáculo é a passagem do tempo e também a forma com que lidamos com o envelhecimento. ‘O texto do Albee nos faz refletir sobre ‘qual é a melhor fase da vida?’, além de questões sobre o olhar da juventude para a velhice, sobre a pessoa de 50 anos que também já acha que sabe tudo e, fundamentalmente, sobre o que nós fazemos com o tempo que nos resta. Apesar dos temas profundos, a peça é uma comédia em que rimos de nós mesmos’, analisa o diretor Fernando Philbert.

Um clássico da comédia dos anos 90, o filme “Uma Babá Quase Perfeita” conquistou gerações de fãs e transformou-se, em 2021, em um musical da Broadway, reafirmando a atemporalidade da obra e o Brasil ganha uma versão do musical, estrelada por Eduardo Sterblitch e dirigida por Tadeu Aguiar. A história de “Uma Babá Quase Perfeita” gira em torno de Daniel Hillard (Eduardo Sterblitch), um ator desempregado que fará qualquer coisa por seus filhos. Após um divórcio conturbado, Daniel encontra uma solução para não ficar longe dos seus filhos, disfarçando-se de Euphegenia Doubtfire, uma senhora idosa perfeita para ser babá das crianças. Enquanto cuida das crianças, ele aprende importantes lições sobre paternidade e responsabilidade.Em seu segundo musical, Eduardo Sterblitch dará vida à famosa Babá. O artista multifacetado estará ao lado de Thais Piza, responsável por dar vida à ex-esposa Miranda, Lara Suleiman no papel da filha mais velha Lydia Hillard, Bernardo Destri como Christopher e Bibi Valverde como a pequena Natalie. O elenco conta ainda com outros 20 talentos dos palcos e poderá sofrer eventuais alterações sem prévio aviso. Vitor Martinez assina a maquiagem de efeito e a perucaria fica por conta de Feliciano San Román. O musical conta com música e letras de Karey e Wayne Kirkpatrick, e texto de Karey Kirkpatrick e John O'Farrell.

Com uma carreira de mais de três décadas, a música do portugês Mário Laginha passa ainda pelas sonoridades brasileiras, indianas e africanas; pelo pop, rock e clássico. Colabora regularmente com os principais grupos de seu país, como Orquestra Gulbenkian ou Casa da Música, bem como artistas brasileiros, como André Mehmari, Gilberto Gil e Lenine. Neste encontro inédito, com o destacado Pau Brasil, teremos dois pianos, com Laginha e Nelson Ayres. Com mais de 40 anos de atividade, o grupo reúne alguns dos melhores músicos do país: Rodolfo Stroeter, Paulo Bellinati, Teco Cardoso e Ricardo Mosca.

A exposição apresenta imagens feitas pelo fotógrafo Marco Alves em São Roque de Minas, na Serra da Canastra (Minas Gerais). As cerca de 40 fotografias expostas apresentam um registro de um modo de vida simples e de tradições que correm risco de desaparecer no futuro próximo, algo que se reflete no nome da exposição: “A escolha do nome também vem para afirmar sobre a dramaticidade e a certeza do desaparecimento desse tempo, o fim dessa”, aponta o artista. No dia da abertura da exposição, será lançado também um livro com estas imagens da expedição do fotógrafo pela Serra da Canastra.

Uma das referências no trabalho de memória política no país, o Núcleo de Preservação da Memória Política - NM, em parceria com o Centro MariAntonia da USP, apresenta a exposição “Ausências Brasil”, do fotógrafo argentino Gustavo Germano. A primeira versão de "Ausências" foi lançada em outubro de 2007, após um longo processo de busca para retratar, através de paralelos fotográficos, a "presença das ausências" dos assassinados e desaparecidos da ditadura argentina. O fotógrafo Gustavo Germano retornou ao país 30 anos após o golpe militar de 1976 para, junto com familiares de desaparecidos políticos – incluindo a do próprio artista – recriar fotos antigas nos mesmos locais, agora marcadas pela ausência dos entes queridos.O projeto se expandiu para outros países da América Latina, retratando vítimas da "Operação Condor". A exposição conta com 12 histórias de pessoas brasileiras desaparecidas durante a ditadura militar, cobrindo locais do Ceará ao Rio Grande do Sul.

Pedro Abrunhosa é um dos nomes mais marcantes da música portuguesa, conhecido por sua trajetória única. Ele começou na música pelo Conservatório, estudando com mestres como Álvaro Salazar e Jorge Peixinho, e integrou o Grupo de Música Contemporânea de Madrid. Após mergulhar na música erudita, explorou o jazz, estudando e tocando com grandes nomes internacionais, além de fundar importantes projetos como a Escola de Jazz do Porto e a banda Bandemónio.Sua carreira como cantor e compositor ganhou força com o álbum Viagens (1994), que misturava rock e jazz e trouxe colaborações de artistas como Maceo Parker. Desde então, Abrunhosa lançou diversos sucessos e álbuns premiados, como Tempo (1996), Silêncio (1999) e Espiritual (2019), consolidando-se como um artista capaz de dialogar com públicos variados.Com canções marcadas por letras envolventes e sonoridades diversas, ele lota festivais e turnês ao redor do mundo. Multiplatinado e premiado, Pedro Abrunhosa é sinônimo de inovação, poesia e conexão com o público, sendo um dos maiores nomes da música contemporânea de Portugal.

A galeria Gomide&Co com uma exposição em duo, com trabalhos das artistas Julia Isidrez e Maria Lira. Baseada em projeto apresentado pela galeria em Nova York no ano passado, durante a feira Independent 20th Century, a exposição é uma oportunidade para o público brasileiro ter contato com o diálogo entre as obras dessas duas artistas visuais que têm muito em comum, apesar das particularidades regionais e culturais que demarcam suas produções, apresentando as afinidades que são perceptíveis entre seus contextos distantes. Ambas as artistas trabalham a partir de antigas tradições indígenas ou afro-indígenas, criando, nos dias atuais, obras que escapam do programa tradicional da arte no Ocidente.

Em 1970, o cantor e compositor João Ricardo estava em Ubatuba e se deparou com um armazém cuja placa indicava “secos e molhados”. Os dizeres lhe chamaram a atenção, e imaginou que seriam um excelente nome para sua banda. No ano seguinte, formou-a ao lado de Ney Matogrosso e Gérson Conrad e, em 23 de maio 1973, essa nova banda entrou em estúdio para gravar o seu primeiro disco: Secos e Molhados. A impactante capa deste trabalho, de autoria do fotógrafo Antonio Carlos Rodrigues, foi eleita em 2000 pelo jornal Folha de São Paulo como a melhor já produzida no país. Secos e Molhados amalgamou estilos musicais como folk, pop, glam rock, free jazz, rock progressivo e baião, o que possibilitou a conquista de fãs de gêneros musicais completamente distintos, inclusive os admiradores do mundo underground. Com a maioria dos arranjos escritos por Zé Rodrix, Secos e Molhados utilizava instrumentos elétricos, tinha um forte apelo cênico em suas performances e uma estreita relação com a poesia. Neste concerto, em que o Coral Paulistano apresenta as canções desse icônico disco de estreia de Secos e Molhados, ouviremos vertidos em música poemas de Cassiano Ricardo, Manuel Bandeira, Vinícius de Moraes e João Apolinário, pai de João Ricardo.

Para marcar um novo momento da galeria, com a inauguração de sua sede ampliada e reformada, Paulo Kuczynski apresenta uma exposição inédita dedicada à obra da pintora de origem alemã Eleonore Koch (1926-2018), artista que figurou em algumas edições da Bienal de São Paulo, e única discípula do mestre Alfredo Volpi. A mostra reúne um conjunto representativo de obras que traçam um panorama da trajetória de Eleonore, desde seus primeiros trabalhos até suas últimas criações. A exposição é um convite para refletir sobre a sensibilidade técnica e emocional da artista, que soube capturar, em cada tela, o ordenamento das coisas do mundo como resposta à desordem ao seu redor.

Tchaikovsky é um nome fundamental do Romantismo e, nesta temporada, a Osesp fará a integral das sinfonias do compositor. Das seis que escreveu, as três últimas são muito populares, enquanto as primeiras são menos conhecidas, tocadas e gravadas. De grande colorido orquestral, a Sinfonia nº 1 começou a ser escrita logo que o compositor se mudou para Moscou, aos 25 anos, e leva o subtítulo de “Sonhos de inverno”.Também será executada uma das obras mais conhecidas de Tchaikovsky, a abertura-fantasia Romeu e Julieta. A peça baseou-se na obra homônima de Shakespeare, evocando a tragédia a partir de três pontos transformados em temas musicais: Frei Lourenço; a rivalidade entre os Montéquio e os Capuleto; e o amor entre os dois jovens. Switch, do norte-americano Andrew Norman, é estruturada como uma espécie de jogo entre a orquestra e o percussionista. Com referências a filmes, programas de televisão e videogames, cada instrumento de percussão é um comando que controla outros instrumentos. A obra foi dedicada a Colin Currie, premiado músico escocês que retorna a São Paulo especialmente para fazer a estreia latino-americana.

A distopia criada por Nelson Baskerville a partir da tragédia carioca de Nelson Rodrigues ressurge como um espelho cruel das hipocrisias brasileiras, amplificadas pelo recente avanço da extrema direita. Edgard, um homem marcado pela miséria apesar de anos de dedicação ao patrão Werneck, recebe uma proposta tentadora: casar-se com Maria Cecília, jovem rica e "bonitinha" , mas envolta em um passado controverso. O dilema entre dinheiro e moralidade o arrasta por um universo de desejos reprimidos, traições e valores distorcidos.

Inaugurada no dia que marca os 111 anos do nascimento de Carolina Maria de Jesus, a exposição celebra o legado da escritora para a arte e cultura a partir dos trabalhos de 11 artistas negras contemporâneas, de diversas linguagens artísticas. A mostra busca destacar o legado de Carolina Maria de Jesus nas novas gerações e reforçar o impacto de sua multifacetada produção artístico-literária para a arte e cultura brasileira.A exposição conta com obras de múltiplas técnicas e elementos, como pinturas, esculturas, bordados, entre outros, reunindo as artistas: Ana Paula Sirino, Antonia Maria, Bianca Foratori, Chris Tigra, Gugie Cavalcanti, Isa Silva, Mayara Amaral, Negana, NeneSurreal, Siwaju e Soberana Ziza. Reunidas, essas artistas apresentam obras que permeiam o universo de Carolina e/ou trazem referências em suas cores e simbologias.

O pianista italiano PAOLO ANDRÉ GUALDI já se apresentou extensivamente nos EUA e, no exterior, na Itália, Reino Unido, França, China, Brasil e Uruguai. Gravou para a Mark Records e IFO Classics, e suas apresentações foram transmitidas por rádios como BBC, NPR, Clásica 650 e Radio Vaticana.Começou a estudar piano com seu pai aos cinco anos, continuando no Conservatório de Santa Cecília em Roma, Itália, com Carmela Pistillo. Obteve seu Diploma com as mais altas honras no Conservatório Arrigo Boito, em Parma, sob a orientação de Roberto Cappello. Tem ainda Mestrado pela Universidade Carnegie Mellon e Doutorado pela Universidade da Georgia.Gualdi trabalhou extensivamente com Carlo Maria Dominici, Enrique Graf e Evgeny Rivkin, e participou de master classes com György Sandor, Earl Wild, Sergio Perticaroli e Menahem Pressler, entre outros.Foi premiado em vários concursos de piano, incluindo o Concurso Europeu de Ostuni, o Concurso Nacional Altruda de Vasto e o Concurso Nacional Françoise Grimaldi de San Polo. Ganhar o “Prêmio De Martino” no Concurso Internacional de Piano Ibla permitiu que ele estudasse na Universidade Elon com Victoria Fischer.

Apaixonado pela funcionária de uma pet shop, Rocky Balboa é um boxeador talentoso, mas com resultados irregulares, que ganha a vida cobrando dívidas para um agiota. Por conta de um golpe de sorte (e marketing), ele é desafiado pelo campeão dos pesos-pesados. O azarão treina, corre pelas ruas da Filadélfia e vira popstar da noite para o dia.

Neste concerto, o escocês Colin Curie convida a classe de instrumentos da Academia de Música da Osesp e a Orquestra jovem de São Paulo para uma apresentação com peças de Anna Meredith, Louis Andriessen, Helen Crime e James Macmillan.