TEATRO

Seguindo o caminho da autoficção, o franco-uruguaio Sergio Blanco apresenta uma peça que gira em torno da figura da sua mãe, Liliana Ayestarán, que morreu nos braços do dramaturgo em 2022, numa unidade de cuidados intensivos em Montevidéu.Numa homenagem à memória de sua mãe, reconhecida professora de literatura, o autor reúne três personagens que já foram alunos de Liliana, figuras marcadas pela perda de um familiar. Blanco recria o cenário escolar, com uma quadra esportiva e a escrivaninha da mãe, para entrevistar os personagens. A peça fala não só da forma como a existência se modifica após a morte de um ente querido, mas também da representação cênica.

Dois policiais (um homem e uma mulher) invadem repentinamente a casa de um casal a procura do filho deles, Bruno, cujo paradeiro os pais desconhecem. Começam a inventariar uma série de objetos que se acumularam num canto, retirando o significado que cada um tinha quando estava em determinado local. A sensação de que nada será como antes torna-se ponto de partida para que cada uma das personagens comece a perceber quem realmente é. Na catarse de cada personagem, as sombras revelam que na solidão, na tristeza e no desamparo sofrido por cada uma dessas criaturas está o cerne do mundo contemporâneo, em que os seres humanos desaparecem ou tentam escapar da melhor maneira que podem, porque, socialmente, não encontram apoio que lhes permita crescer de acordo com as suas necessidades pessoais.

Trazendo à cena o debate acerca do racismo estrutural, as violências de gênero e normatividades sexuais, Cavalos pretos são imensos apresenta cinco personagens em situação de cárcere e seus cotidianos marcados por uma rotina por vezes morosa, por vezes agitada.Com nada ou muito pouco a fazer, as personagens conversam sobre muitos temas: o que querem ao saírem dali, as visitas íntimas, as famílias, filhas e filhos, as relações sexo-afetivas ali dentro, as relações de poder, as disputas, os castigos, a saudade, muitas saudades.

A peça é um espetáculo solo de improvisação em tempo real, que tem seus pousos determinados por um oráculo. As cartas do Oráculo Selvageria, criado exclusivamente para o espetáculo, guiam o caminho dramatúrgico de cada apresentação, sendo escolhidas pela plateia. São elas o objeto que a personagem principal se apega numa tentativa de se livrar da agonia que mora em seu corpo, a agonia de ter vivido uma vida inteira tentando agradar, de não saber quem se é e qual o seu lugar.Durante os 60 minutos de percurso, os espectadores- participantes são guiados a diferentes narrativas que vivem dentro de cada carta e que norteiam o trajeto da personagem de volta para si e para a sua Natureza. Cada carta carrega em si um apanhado de textos, poemas, histórias e outras narrativas que nascem no improviso a partir do encontro com aqueles que assistem o espetáculo - garantindo que cada apresentação seja única e impossível de ser repetida.

Em cartaz desde 2016, o espetáculo solo de auto expressão Carta ao pai, de Franz Kafka dirigido e vivido por Dionisio Neto volta em cartaz em São Paulo, em celebração aos cem anos da morte do famoso autor de A Metamorfose e O processo. Um espetáculo para toda a família.Sinopse: em um sanatório, internado com tuberculose no auge do inverno, o oprimido e doente autor judeu Franz Kafka (Dionisio Neto) escreve uma carta para seu pai, o opressor comerciante Hermann Kafka, em que fala do seu medo da figura paterna e da sua relação com ele em um acerto de contas de anos. A carta presta contas sobre seu passado tirano e propõe soluções para o convívio pacífico entre os dois. Por interferência de sua mãe, a carta nunca foi entregue ao seu destinatário. O espetáculo aproxima e une pais e filhos ao propor uma reflexão sobre a relação entre pais e filhos, opressores e oprimidos e fala da leveza da vida, ao estilo do autor. Dionisio vive o pai e o filho.

Um show musical, um resto de banda, um resto de circo, um pedaço de lona e uma sobra de vodka em meio a murmúrios russos e rugidos felinos. Uma autópsia atemporal de quatro leões bufos que nos convocam ao testemunho de sua própria morte, de sua miséria e dos dias de fome na jaula de um circo.O espetáculo oferece uma reinterpretação única e provocadora do trágico evento do Circo Vostok. Com uma tessitura dramatúrgica tragicômica e uma narrativa não linear, buscamos usar os leões mortos para falar dos seres humanos encarcerados não apenas no sistema prisional brasileiro, mas também aprisionados e enjaulados nas mais diversas formas: dentro da estrutura social, política e religiosa, falamos também da exploração do trabalho, da fome, da injustiça, da desesperança, da violência e da liberdade, temas extremamente pertinentes à contemporaneidade.

Dois espetáculos teatrais se fundem e se atritam na criação de uma experiência cênica que parte de um processo de diálogo entre dramaturgias e encenações para gerar uma terceira experiência. Uma obra sobre a outra que se interseccionam em suas pesquisas naquilo que chamamos de SOBREMONTAGEM. Um espetáculo teatral "sobre" o outro e apresentados em sequência num diálogo cênico constantes. Portar(ia) Silêncio, espetáculo solo de Jhoao Junnior, criado a partir de depoimentos de porteiros de edifícios da cidade de São Paulo e A Cobradora, espetáculo da Zozima Trupe com Maria Rosa, concebido a partir de relatos de mulheres que trabalham como cobradoras da capital Paulista compõem esta experiência que se dá em dois atos: o feminino errante e o masculino migrante.

“Por trás das flores” aborda, por meio de uma linguagem poética que ultrapassa o realismo, a relação entre uma Filha (Helena Ranaldi) e uma Mãe (Martha Meola).Localizada no Norte do Líbano, mas também na imaginação da Filha, a ação da peça acompanha a tentativa de a Mãe convencer a Filha a voltar para o Brasil e viver entre os seus.Contrapondo tradição e modernidade, a história enfatiza as diferenças entre a cultura libanesa e a brasileira, além de revelar o abismo que separa o mundo de hoje daquele de meados do século XX, quando a Mãe migrou para o Brasil. O diálogo faz aflorar as subjetividades dessas duas mulheres tão próximas e tão distintas, numa relação que ressalta aspectos psicológicos, sociais e míticos.

"Daqui Ninguém Me Tira" é uma comédia musical que traz uma mensagem poderosa através da história de Velvet (Alexia Twister), uma Drag Queen que se vê prestes a ser despejada de seu antigo barracão para dar lugar a novos empreendimentos. Escrita por Noemi Marinho, a peça aborda de forma humorada e reflexiva o conflito entre o progresso representado por Herculano (Giovani Tozi revezando com Anderson Müller), um funcionário de uma grande incorporadora, e a preservação da memória e identidade de Velvet. Na trama, Herculano se vê dividido entre apoiar Velvet e cumprir suas obrigações profissionais, criando um embate interessante que não se resume a mocinhos e bandidos. A comédia musical explora os dois lados da história, questionando como conciliar o avanço urbanístico com a manutenção das raízes e do patrimônio cultural.

Inédita no Brasil, a peça Um Simples Judeu - escrita pelo suíço Charles Lewinsky com tradução assinada por Sylvia Lohn - estreia em São Paulo com direção de Carlos Baldim, interpretação de Ricardo Ripa e direção de arte de Rosa Berger.O solo conta a história do jornalista Emanuel Goldfarb, que recebe o singelo convite de um professor para compareça pessoalmente a uma aula e explique aos seus alunos o que é ser judeu. Emanuel passa então a refletir sobre atender ou não a esse chamado. Com legítimo "humor judaico", ele irá revisitar sua ancestralidade e acessar lembranças que há muito tempo estavam adormecidas. Suas memórias e reflexões passam pela origem familiar, pela diáspora do povo judeu desde a antiguidade até os dias atuais, pelas tradições e por sua própria hereditariedade, temas que são abordados por ele alternando emoção, razão e humor.

No ano de 1677, a Holanda é um dos polos culturais mais importantes do mundo. Em Amsterdã, em meio aos acontecimentos, um livre pensador, Baruch de Spinoza, questiona as doutrinas e dogmas religiosos e políticos. Ele é chamado a arrepender­se, mas não abre mão de seu pensamento. Assim é condenado pela comunidade, e passa pelo Herém, que equivale à excomunhão. Vai viver no exílio e muda o seu nome para Benedictus de Spinoza, do latim. Tem o apoio de seu amigo Jan Rieuwertsz, com quem pode desabafar e contar de seus planos futuros. Um convite à reflexão e à liberdade de pensamento. O espetáculo é pontuado por música sefardita e ladina do século XVII.

Um delírio circense, em forma de intervenção itinerante. É o circo em si, metaforizado por sua autonomia e liberdade potente de se chegar onde quer, adentrando território e diluindo fronteiras. E ao mesmo tempo, a charanga e o picadeiro de uma mulher só que conta – por seu acordeom – os sons de seu caminhar imersa no universo poético do fantástico.

Espetáculo que é a mais nova criação do artista multilinguagem Ricardo Gadelha, que intercala palhaçaria e acrobacias feitas em um tripé de bambu gigante.

Uma egrégora de três mulheres, que apresentam seus corpos, enaltecendo a virtuosidade e leveza, buscando nas trocas a poética das representações do gênero feminino. O espetáculo se configura com composições acrobática e ritmos não lineares, onde a narrativa apresenta mulheres fortes que buscam em seus corpos e vivências a superação.

Em cinco atos, Quase Infinito representa grandes enfrentamentos da condição humana inspirados no universo de Jorge Luis Borges: o confronto com a tentação do ódio; o confronto com o nada e o esquecimento, como ameaças de esvaziamento de si próprio e do mundo; o confronto com a incomunicabilidade; e as chances de renascimento disponíveis para agarrarmos, a cada novo dia.

Gaslight é o último trabalho de Jô Soares no teatro, e um dos maiores sucessos da história da Broadway. O texto, de 1938, ganhou versão no cinema em 1944, e o termo Gaslight, original da peça, é popular até hoje, sendo “gaslighting" eleita a palavra de 2022. A peça retrata um casal em crise. Jack desconfia que sua esposa Bella esteja louca. Ela teme, pois reconhece que tem agido de forma estranha. Com a ajuda de um inspetor bem humorado, Bella é provocada a desvendar os mistérios de sua loucura.

A peça é uma adaptação do filme homônimo de 1998, estrelado por Joseph Fiennes, Gwyneth Paltrow e Judi Dench, com o texto original para os palcos de Lee Hall, um dos mais premiados autores ingleses da atualidade e responsável também pelo roteiro de Billy Elliot, vencedor do Tony Award de Melhor Texto de um Musical em 2009. Antes de chegar a São Paulo, Shakespeare Apaixonado ganhou produções encenadas em Londres, Nova York, Japão e África do Sul. Rodrigo Simas interpretará um jovem cheio de sonhos, William Shakespeare, que, após um bloqueio criativo, encontra na aristocrata Viola de Lesseps (representada nesta montagem por Carla Salle) sua musa inspiradora. Lady Viola, por ser comprometida e também por não poder exercer o ofício de atriz, se veste em trajes masculinos para participar dos ensaios junto a Shakespeare, visto que, naquela época, as mulheres não tinham permissão para atuar. O trio se completa com a grande atriz Ana Lúcia Torre, que interpreta a Rainha Elizabeth I.

A peça conta a história de Evan, um estudante que possui transtorno de ansiedade e que se considera invisível dentre seus colegas, até que, surpreendido por um evento em sua escola, conta uma pequena mentira que acaba o envolvendo numa trama na qual ele não consegue sair e que o coloca no centro das atenções. Com todos os holofotes virados para ele, Evan conquista coisas que nunca imaginou. Mas... até quando? Apontando a teia que esta mentira provoca, o espetáculo trata da busca de compreensão e de pertencimento num mundo que, pelas lentes dos celulares, computadores e da internet, muitas vezes se mostra insólito, com sentimentos nada palpáveis e muitas vezes cruéis.

A peça conta a história de Evan, um estudante que possui transtorno de ansiedade e que se considera invisível dentre seus colegas, até que, surpreendido por um evento em sua escola, conta uma pequena mentira que acaba o envolvendo numa trama na qual ele não consegue sair e que o coloca no centro das atenções. Com todos os holofotes virados para ele, Evan conquista coisas que nunca imaginou. Mas... até quando? Apontando a teia que esta mentira provoca, o espetáculo trata da busca de compreensão e de pertencimento num mundo que, pelas lentes dos celulares, computadores e da internet, muitas vezes se mostra insólito, com sentimentos nada palpáveis e muitas vezes cruéis.O musical da Broadway, vencedor de seis prêmios Tony, foi escrito por por Steven Lenson e com músicas e letras de Benj Pasek e Justin Paul. No Brasil, com concepção e direção original de Tadeu Aguiar (diretor de Quase Normal, A Cor Púrpura, Beetlejuice...) e com produção geral de Renata Borges Pimenta e Eduardo Bakr, o espetáculo promete emocionar e apaixonar espectadores de todas as idades.

Em cena, uma seleção dos melhores números do repertório circense da Cia Suno, lapidados ao longo de centenas de apresentações no Brasil e no exterior. Em uma demonstração de habilidade, Duba Becker apresentará malabarismos com chapéu e claves, números de equilibrismos e rola-rola. Helena Figueira traz à cena números de contorção, ginástica rítmica com faixa e pirâmide humana, desafiando os presentes a participar dessa loucura. Os artistas executam ainda música ao vivo.

O espetáculo narra as histórias de vida de três mulheres que vivem em décadas distintas, demarcando as nuances do tempo e da época em que cada uma delas está inserida. Até que um dia, ao quebrar as barreiras do tempo cronológico, elas se cruzam e acabam percebendo que, independente do tempo em que se vive, todas as mulheres ainda caminham sob "olhos sociais" que ditam seus corpos, suas escolhas e suas atitudes. E seguem engolindo, em doses homeopáticas, toda a dor que carrega uma mulher.“Engolindo Mágoas em Doses Homeopáticas” retrata as opressões, abusos e violências que as mulheres sofrem no seu dia-a-dia através da linha do tempo traçada entre os anos de 1949, 1989 e 2024. As dores e sofrimentos dessas mulheres são representadas também por pequenas doses que, poeticamente, gotejam no palco ao longo de todo o espetáculo, até o momento que essas doses aumentam gradativamente.

Protagonizada por Lucas Drummond, Ernani Moraes e Rafael Queiroz, o espetáculo conta a história de dois irmãos órfãos que sequestram um misterioso homem de negócios e acabam encontrando a figura paterna com a qual sempre sonharam.Dirigida por Fernando Philbert, a versão brasileira de Órfãos, de Lyle Kessler, tem idealização e coordenação artística do ator e produtor Lucas Drummond, que está em cena ao lado de Ernani Moraes e Rafael Queiroz.Com extensa carreira internacional, o texto de 1983 deu projeção ao roteirista e ator norte-americano Lyle Kessler como dramaturgo e lhe rendeu comparações a Tennessee Williams pela crítica especializada.

Explorando os limites entre o cômico e o desafiador, "Comédia Nacional" apresenta uma abordagem única dentro da produção teatral, mesclando situações cômicas com reflexões mais profundas sobre escolhas e eternidade.

A peça é feita de narrativas de sonhos e de canções originais. Duas pessoas – a mulher que canta e o músico - são figuras de um mundo onírico, paralelo ao mundo real. Eles aparecem numa espécie de sala de concerto, transformando-a num espaço de fronteira entre a vigília e o sonho. O público, convidado a mergulhar em seus próprios sonhos, se dispõe em meio à música e a ação da atriz.

O espetáculo infantojuvenil traz para cena quinze artistas entre atores e atrizes, músicos e intérpretes de libras para contar a história de um povo surpreendido na Feira de Solstício de Verão pelo desaparecimento da Velha Presidenta e a ascensão ao poder d´Ele, um governante que ninguém conhece e se mostra autoritário. Aos poucos, esse governo vai tirando a vida – e as cores – do país.

A peça dirigida por Juliana Notari estreia no palco do Itaú Cultural, a obra é inspirada em Naná Vasconcelos, principalmente na gestualidade do artista e na relação íntima, profunda e religiosa que ele tem com a música, os instrumentos de percussão e o corpo.“Diálogo” é o nome de um ancião artista que se vê cansado e isolado do mundo atual – o dos comunicados, decretos e gritos. No palco, lugar em que se sente em casa e com esperança, ele propõe o encontro, a troca e a interlocução com a música, o desconhecido e o intangível.Juliana Notari é artista, marionetista, diretora, dramaturga e educadora teatral. Desde 2000, dedica-se à pesquisa de marionetes contemporâneas e à etnografia da matéria e do movimento. Em 2005, concluiu a graduação em artes cênicas na Universidade Estadual Paulista (Unesp). Em 2010, recebeu o prêmio de melhor experimentação nas artes da marionete no Festival de Praga. De 2014 a 2020, foi gestora do Condomínio Cultural em São Paulo, onde coordenou um atelier dedicado ao movimento da Marionete Livre.

Idealizado e escrito logo depois da pandemia de Covid-19, o distópico Um Céu de Assombro revela um diálogo entre duas pessoas em uma terra devastada, tentando lidar com a incerteza do futuro e o luto por aqueles que se foram. O espetáculo, com texto de Daniel Veiga, direção de Kleber Montanheiro e elenco formado por Daniela Flor e Daniel Costa.Num futuro devastado, dois estranhos se comunicam pelo rádio: um homem em busca da esposa desaparecida e uma mulher ferida, sua potencial inimiga, em busca de ajuda. Entre escombros e ruínas, a trama avança entrecortada por estações cheias de diálogos fragmentados e corpos arruinados, trazendo o vislumbre incerto do que pode vir a ser da humanidade.

Conhecido por investigar o diálogo entre teatro e histórias em quadrinhos em seus trabalhos, o Teatro Cartum estreia o solo O Grande Lapso de Berta Valentina, com direção de Toni D’Agostinho, atuação de Mônica Raphael, composição musical William Germano e produção Vanda Dantas. O texto, também escrito por Toni D’Agostinho, nasceu há quase 30 anos no Seminário de Dramaturgia do Teatro Arena, coordenado pelo saudoso Chico de Assis. O enredo conta as angústias de uma atriz veterana, que, na milésima apresentação do mesmo espetáculo, na noite mesma em que será premiada pelo conjunto de sua obra, esquece todo o texto, esquece do que trata a peça, esquece, a bem da verdade, de aspectos de sua própria identidade.

Sororidade, protagonismo feminino e violência de gênero são temas centrais deste espetáculo, cuja inspiração vem do icônico filme “Thelma & Louise”, dirigido por Ridley Scott.A trama segue a amizade entre Vera e Madu, que se conhecem nos anos 1990. Semelhante ao filme, um abuso sexual altera o curso de suas vidas. Com o tempo, a narrativa revela a trajetória das filhas dessas amigas, Teresa e Luiza. Com uma dramaturgia original baseada em uma gama de histórias reais de mulheres, a montagem explora as linguagens da cena contemporânea para delinear o jogo entre ficção e realidade. Assim como o voo final de Thelma e Louise, as personagens da peça se lançam em um futuro que teriam vivido se não tivessem enfrentado tal violência.

O premiado texto de Consuelo de Castro revela os momentos cruciais que precedem o inevitável: o fim das relações, das funções sociais e até da própria existência.Em cena, o casal ELA e Oz, se desdobra em diferentes situações, explorando com maestria o ciclo opressor no qual nossa sociedade foi construída. As questões levantadas permitem que o diálogo interseccional permeie o espetáculo e atinja o público sem aviso prévio.

A Caseira e a Catarina ou O Processo do Diabo é uma comédia de caráter popular e diálogo direto que une a estética sertaneja, inspirada no romanceiro nordestino, do trovador ibérico ao circo-teatro que tanto fascinava Ariano; uma combinação de arquétipos das manifestações e brincadeiras populares do povo do sertão. A cenografia - assinada por Manuel Dantas Suassuna (artista plástico, filho de Ariano) e Guryva Portela - traz painéis de traços e elementos característicos da cultura popular do nordeste e do universo visual de Suassuna. A trilha sonora original, executada ao vivo pelos atores, foi composta por Renata Rosa. Os figurinos foram criados por Carol Brada. E Rodrigo Bella Dona assina a luz da montagem.

A convivência de Aury Porto com sua mãe, que vive com Mal de Alzheimer há 15 anos, bem como a relação familiar com o lento processo de degeneração cognitiva e de memória acarretado pela doença, foram pontos centrais para a criação de MEU NOME: MAMÃE, espetáculo solo do artista, que marca sua primeira incursão no universo da autoficção, sob a direção de Janaina Leite. A dramaturgia de Claudia Barral centrada em duas personagens, Filho e Mãe, interpretados pelo ator Aury Porto, e dinâmica de troca de “máscaras”, transita entre a memória do portador da Doença de Alzheimer e o surrealismo na qual as imagens e situações se expressam diretamente do inconsciente.Escrita a partir de relatos bem-humorados de Aury Porto para os amigos mais próximos sobre as situações vividas por ele e sua família, que além dos cuidados da medicina, se vale da força de resistência característica da cultura sertaneja dos cearenses.

Dois homens e uma mulher se encontram em um balneário para um acerto de contas. Escrita em 1887, Credores de Strindberg projeta uma DR que atravessa dois séculos e, como diz a canção popular, ainda somos os mesmos como nossos pais.

Em uma homenagem à arte drag queen, a Cia. Extemporânea coloca nos palcos uma adaptação da tragédia Rei Lear, de William Shakespeare (1564-1616).O espetáculo traz os elementos da dramaturgia shakespeariana clássica para a linguagem drag contemporânea, sem que nem uma nem outra se desfigurem no processo – isso é, sem que Shakespeare perca em poesia e tragicidade, e sem que a drag se descaracterize naquilo que ela tem de mais autêntico: a dissolução das fronteiras estéticas e o desafio aos papéis tradicionais de gênero.Na tragédia de Shakespeare, Lear, rei da Bretanha, está muito velho e anuncia que decidiu dividir seu reino entre suas três filhas: Goneril, Regan e Cordelia. Antes de passar a coroa, o monarca pergunta: “qual das três me ama mais?”. Quem demonstrasse maior amor pelo pai ganharia a maior porção de terras. Cordelia, a mais nova e a única que o ama genuinamente, se recusa a participar daquele jogo. Furioso, Lear decide condenar a caçula ao exílio. Após o banimento da irmã, Regan e Goneril começam uma luta violenta pelo poder. Traído pelas filhas, o velho rei vê seu reino à beira de uma guerra e afunda em uma espiral de loucura, arrependido por banir a única pessoa que o amou de verdade

Dois espetáculos de curta duração com a temática que revela pequenos fragmentos do cotidiano da cultura caiçara, suas práticas e modos de sobrevivência em meio a natureza. Os espetáculos são apresentados em duas caixas cênicas de dimensões reduzidas, estruturadas na garupa de duas bicicletas, revelando seu caráter cênico itinerante, valorizando um aspecto presente na vida da população do litoral.

Era uma vez uma menina e um pássaro encantado… Uma história sobre amor, saudade e liberdade. Inspirada no texto homônimo de Rubem Alves, “A Menina e o Pássaro Encantado”, Bia Evrard narra essa história incorporando elementos circenses.

Em um mundo onde as cores foram banidas e onde tudo o que resta é cinza, a pequena Catarina testemunha um milagre: o nascimento de uma flor colorida. Agora está nas mãos da menina a missão enfrentar o brutamonte que proibiu as cores.

Augusto Cury lançou O Homem Mais Inteligente da História em 2016, após 15 anos de estudos e pesquisas sobre gestão da emoção. Sucesso nas livrarias pelo mundo, o romance chegou aos palcos em setembro de 2021. A obra conta a trajetória do cientista Marco Polo, especialista no funcionamento da mente, quando ele é desafiado pela ONU a estudar a inteligência de Jesus, o homem mais famoso da história. Além de abordar os principais aspectos da Gestão da emoção, o espetáculo também fala sobre autocontrole, criatividade, solidariedade e amor, e ainda trata com sensibilidade temas polêmicos como depressão e violência contra a mulher.

Entre Risos é um solo idealizado e encenado por Nico Serrano para homenagear os circos tradicionais e os comediantes que trabalham com humor físico. Em cena, o público acompanha o palhaço "Picuinha" que aguarda nos bastidores de um espetáculo circense a vez para apresentar seu número. Muito curioso e sozinho no camarim, aproveita a oportunidade para brincar com os apetrechos dos seus colegas e transforma a espera em momentos divertidos para o público, usando diversas linguagens: palhaçaria, mágica, sapateado, equilibrismo e manipulação de bonecos.A proposta de encenação é centrada no trabalho físico do ator. Por isso, há pouca utilização da fala – quando acontece é por meio de risos do personagem e de “grommelots” (linguagem vocal ligada à onomatopeia muito utilizada no teatro satírico).“Juntei tudo aquilo que aprendi ao longo da minha carreira para desenvolver um espetáculo alegre e emocionante. Eu queria resgatar aquele circo clássico e entreter toda a família”, conta Nico.

A Rádio Nacional convoca as crianças de todo país para um concurso de histórias. O primeiro lugar vai ganhar uma bicicleta colorida. Três crianças se juntam para conseguir a melhor história. Tentando conquistar o primeiro lugar no concurso eles aprendem lições valiosas sobre amizade e pertencimento.A cia Graxa inaugura seu trabalho no extremo leste de São Paulo. Se debruça sobre a formação do sujeito periférico, buscando constituir linguagem a partir do que nominamos poética da vivência.

A peça conta a história de Léo (interpretado por Ricardo Corrêa, que também assina a dramaturgia), professor de natação de uma escola infantil que decide se candidatar a adotar uma criança. Tudo vai bem, até acontecer uma situação na qual um de seus alunos de sete anos o chama de gay. Este professor, então, resolve falar abertamente sobre o que é ser gay, encorajando uma cultura de aceitação e inclusão entre os seus alunos.O olhar social transforma este homem em um ser monstruoso, não recomendado à sociedade. A partir do desejo de adoção, a peça faz um retrato sobre um homem que vai perdendo seus poucos direitos. Poderia ser a história de um homem que teve uma lâmpada estourada em seu rosto na Avenida Paulista, a de uma travesti que teve o seu coração arrancado ou a de um jovem morto e queimado por sua própria mãe. Mas é, sobretudo, a história de Léo.Monstro foi escrito em 2019, mas devido à pandemia, a estreia nos palcos presenciais foi adiada. Em 2021, foi realizada uma versão em teatro-filme, que recebeu uma indicação ao prêmio APCA de Melhor Espetáculo.

Celebrando seus 40 anos de carreira, Kiko Mascarenhas traz pela primeira vez a São Paulo o solo “Todas as Coisas Maravilhosas”, com texto dos ingleses Duncan MacMillan e Joe Donahuer e direção de Fernando Philbert (“O Caso”, “Três Mulheres Altas”, “O Escândalo Philippe Dussaert”).Aos seis anos de idade, um menino descobre que sua mãe sofre de depressão. A partir daí, ele começa a escrever listas de todas as coisas maravilhosas que podem fazê-la recuperar a vontade de viver e as deixa em locais estratégicos, para que ela encontre e redescubra "motivos" para continuar viva.

Com a idealização de Vanessa da Mata e a direção e adaptação de Jorge Farjalla, “Clara Nunes - A Tal Guerreira” surge como uma forma de celebração à brasilidade, trajetória, vida e sensibilidade da cantora que marcou o país. O musical faz curta temporada no Teatro Bravos.Sinopse: Um ritual! Reencontro com o sagrado na obra de uma das maiores cantoras do Brasil. Abram alas para Clara Nunes, A Tal Guerreira, uma viagem onírica pela trajetória da intérprete que escreveu seu nome na história da música popular brasileira através do samba e de sua busca na religiosidade de um povo ecumênico, miscigenado e plural, universalidade das raças dentro de um corpo-partitura, que cultua os santos, reza um canto e canta um ponto.

Nesta espécie de manifesto, um náufrago revi- sita a história brasileira desde a chegada dos portugueses, denunciando as violências que atravessam a formação da nossa sociedade, contra os povos originários, a população negra, passando ainda pelo período de ditadura militar. Com Denise Stoklos.

O musical apresenta a história de vida de um dos nomes mais importantes da música brasileira, Martinho da Vila, com um texto que busca reverenciar as ancestralidades simbolizar e movimentar um Brasil de sonhos, esperanças e novos futuros. Um espetáculo de Miguel Falabella, com idealização de Jô Santana e dramaturgia de Helena Theodoro.

Com direção e dramaturgia de Caio Silviano, ¡Cerrado!, é um espetáculo musicado do Grupo Pano. Sinopse: Um continente onde os colonizadores chegam tapando um determinado abismo o qual as montanhas originais sabiam ter que ser observado. Foi a partir desse buraco tapado pela civilização colonial que se funda a cidade fictícia de San Pablo del Desierto, uma cidade de vícios, virtudes e constante contradição. Nesse contexto, um guia turístico que vive sob condições precárias, se cansa de sua miséria e decide fazer um feitiço de desencanto para que o seu negócio prospere. Desse feitiço nasce um boneco, tirano de si mesmo, de sua garganta que irá comandar a cidade e acabar por regulamentar a dança e as festas de maneira restrita, para não atrapalhar o turismo da cidade.

Uma reflexão poética sobre memória e ficcionalização da vida. É assim que a atriz Danielle Rosa define o rito-espetáculo “Labirinto - Rios de Dentro”, que chega ao Teat(r)o Oficina para uma curta temporada no mês de setembro. A montagem tem direção de Thiago Carvalho e mescla música, vídeo, poesia e teatro para dividir com o público processos, sonhos e ritos vividos por uma artista até se tornar uma atriz profissional.Em cena, Danielle Rosa constrói a figura de uma poeta que é a Mãe-Filha e narra um livro vivoda “sua própria personagem”, com a qual confronta, junto com o público, as reminiscências de memórias reais com sua mãe e sua filha em sua trajetória. Cada pessoa presente é convocada então a examinar ativamente questões referentes ao risco da cena e ao processo de ficcionalização da vida, transformando “Labirinto - Rios de Dentro” num jogo de narrativas capaz de aproximar experiências e pesquisas da atriz a vivências cotidianas do público.

Conhecido por investigar o diálogo entre teatro e histórias em quadrinhos em seus trabalhos, o Teatro Cartum estreia o solo O Grande Lapso de Berta Valentina, com direção de Toni D’Agostinho, atuação de Mônica Raphael, composição musical William Germano e produção Vanda Dantas. O texto, também escrito por Toni D’Agostinho, nasceu há quase 30 anos no Seminário de Dramaturgia do Teatro Arena, coordenado pelo saudoso Chico de Assis. O enredo conta as angústias de uma atriz veterana, que, na milésima apresentação do mesmo espetáculo, na noite mesma em que será premiada pelo conjunto de sua obra, esquece todo o texto, esquece do que trata a peça, esquece, a bem da verdade, de aspectos de sua própria identidade.

Desde a sua estreia em Londres, em 2022, ‘Prima Facie’ seguiu uma trajetória meteórica. Escrito por Suzie Miller, o texto ganhou dezenas de montagens ao redor do mundo, conquistou a Broadway e o West End inglês. A peça recebe uma adaptação brasileira com direção de Yara de Novaes e estrelada por Débora Falabella. Em cena, Débora vive a bem-sucedida advogada Tessa, que tem acusados de violência sexual entre seus clientes. Vinda de uma família pobre, ela batalhou e venceu no complexo mundo da advocacia. Ao mesmo tempo em que experimenta o sucesso, ela precisa encarar uma crise que a obriga a rever uma série de valores e princípios, além de refletir sobre o sistema judicial, a condição feminina e as relações conturbadas entre diversas esferas de poder.

A companhia circense internacional apresenta no Brasil um novo espetáculo, cujo tema passa pelao mundo da patinação no gelo e das acrobacias. O público pode esperar testemunhar patinação sincronizada, estilo livre e patinação extrema ao lado de atos de circo tradicionais, como trapézio, alças aéreas e apresentações corpo a corpo. O espetáculo também traz uma cenografia que utiliza das projeções visuais no gelo, para criar um ambiente imersivo.

Com encenação inspirada no teatro do polonês Tadeusz Kantor e em histórias em quadrinhos e desenhos animados, a versão do grupo Garagem 21 para a peça Dias Felizes, de Samuel Beckett, volta em cartaz em São Paulo, desta vez no Teatro do Núcleo Experimental. A peça traz a história de Winnie, uma mulher de 50 anos que dialoga de modo otimista sobre um passado glorioso e a esperança de dias melhores. Nessa condição precária, em um cenário desértico, ela se agarra às palavras e a seus últimos pertences para enfrentar a passagem do tempo e comandar seu universo de esperanças contraditórias com a realidade em que está inserida.Na montagem, a violência do patriarcado, assim como as imposições relacionadas à construção do feminino, tornam-se o centro das discussões. Segundo o diretor, a voz que se ouve na peça é de Winnie, que o tempo inteiro retorna à expectativa de felicidade enquanto narra possibilidades de afeto perdidas no passado e a aridez do estado presente. Além da imobilidade ao estar enterrada, a memória é falha, o sol é constante e seu marido, interpretado por Edgar Castro, permanece indiferente, ao fundo da cena, absorto na leitura de manchetes de velhos jornais.

Escrito e interpretado por Vitor Rocha, o novo musical Donatello convida a plateia a mergulhar nas memórias de momentos marcantes na vida de todos nós. Através de uma proposta intimista que passeia pelos mais profundos sentimentos humanos, o espetáculo aborda temas universais como amor, família, memória e envelhecimento. Sinopse:Amendoim não é o nome do protagonista e narrador da história, mas foi assim que seu avô passou a chamá-lo depois de ter a sua primeira crise de Alzheimer. Tomar sorvete com o avô sempre foi a atividade preferida de Amendoim desde que se conhece por gente, mas o que fazer agora que a vida parece ter ganhado um outro sabor? É então que ele observa: o avô se esqueceu do seu nome, mas não do seu sabor de sorvete preferido, e a partir disso decide começar a transformar todas as memórias da vida em sabores de sorvete também. Quem sabe assim o avô não se lembra de tudo, mesmo com o avanço da doença.

Para montar a clássica tragédia grega Édipo Rei, escrita por Sófocles por volta de 427 a.C, a Cia Veneno do Teatro e o dramaturgo, adaptador e diretor Bartholomeu de Haro pautaram-se na temática do filósofo Michel Foucault (1926-1984). As tragédias de Sófocles são tão geniais que sempre retornam, elabora o grupo. A consciência dos atos e como se desdobram sem a devida percepção dos indivíduos que são vigiados permanentemente, pode desembocar no exercício do poder alienado.Todo o enredo da obra original está preservado bem como os personagens. Édipo na rua... no meio do cruzamento. Um grupo de pessoas que tenta encenar uma peça (O Inferno é para quem se acha no Céu), se amotina e toma o público como refém. O grupo decide contar a sua versão de Édipo-Rei em meio a uma encruzilhada urbana, desrespeitando a faixa de segurança onde Foucault tenta consertar o semáforo que entrou em pane.

O musical da Broadway Hairspray volta ao Brasil para uma montagem original estrelada e dirigida por Tiago Abravanel. O espetáculo nos transporta para a cidade norte-americana de Baltimore, nos anos 1960, onde a adolescente cheia de energia Tracy Turnblad sonha em dançar no programa de TV local, The Corny Collins Show. Desafiando as normas sociais e lutando contra a discriminação, Tracy se torna uma voz pela igualdade racial e pelo direito de todos dançarem juntos. Com humor, música e coreografias vibrantes, Hairspray aborda questões de inclusão, aceitação e amor próprio, enquanto Tracy e seus amigos trabalham para mudar a sociedade através da dança.

PARTO PAVILHÃO é um espetáculo de teatro solo com atuação de Aysha Nascimento e direção de Naruna Costa a partir do texto homônimo escrito por Jhonny Salaberg, acerca do universo do sistema carcerário brasileiro de mulheres negras e mães. Livremente inspirado na história real “A fuga dos bebês” na Penitenciária Feminina do Butantã na capital de São Paulo em 2009, a peça narra o cotidiano de Rose: uma detenta antiga de uma penitenciária feminina que criou um dos seus filhos atrás das grades e que ajuda outras detentas a cuidar de seus bebês. Rose vê seus filhos crescerem através de telefonemas semanais de quinze minutos e não pode receber visitas, como condição de manter a relação com eles. Respeitada pelo tempo e trabalho voluntário dentro do presídio, logo ganha a confiança dos guardas e da diretora da penitenciária Dona Glória, com quem conversa e tricota roupinhas de lã para os bebês quase todas as tardes. Tudo muda quando, durante um jogo da seleção brasileira, ela liberta dezenas de mães com seus bebês no colo.

Em cartaz desde 2016, o espetáculo solo de auto expressão Carta ao pai, de Franz Kafka dirigido e vivido por Dionisio Neto volta em cartaz em São Paulo para uma curtíssima temporada com oito apresentações especiais no Teatro Bor, em celebração aos cem anos da morte do famoso autor de A Metamorfose e O processo. Um espetáculo para toda a família.Sinopse: em um sanatório, internado com tuberculose no auge do inverno, o oprimido e doente autor judeu Franz Kafka (Dionisio Neto) escreve uma carta para seu pai, o opressor comerciante Hermann Kafka, em que fala do seu medo da figura paterna e da sua relação com ele em um acerto de contas de anos. A carta presta contas sobre seu passado tirano e propõe soluções para o convívio pacífico entre os dois. Por interferência de sua mãe, a carta nunca foi entregue ao seu destinatário. O espetáculo aproxima e une pais e filhos ao propor uma reflexão sobre a relação entre pais e filhos, opressores e oprimidos e fala da leveza da vida, ao estilo do autor. Dionisio vive o pai e o filho.

O espetáculo “Dora” traz à tona escritos e cartas trocadas entre a guerrilheira Maria Auxiliadora Lara Barcelos e sua mãe, bem como mensagens enviadas do exílio, recriando a “Represa de Dora”, um espaço de comunicação entre o confinamento e a imaginação utópica. Essa pesquisa conjuga palavras “reais” num tempo poético, mergulhando tanto nos processos que levaram seu corpo ao suicídio como o inverso: criando um campo vibrátil para que ela reviva, numa espécie de cartografia do “encarnar”, avessa a desistência, fomentando um campo subjetivo singular de resistência e memória, um chamamento para atualizarmos referências de luta, e de mulheres que se envolveram com a política no país.

A Cor Púrpura, o Musical iniciou sua temporada em setembro de 2019, fazendo um imenso sucesso de público e crítica, recebendo mais de 100 prêmios. Realizou temporadas em 2021, 2022 e 2023. Com versão musical inédita no Brasil, retorna aos palcos para sua quarta temporada. O espetáculo tem direção de Tadeu Aguiar e versão brasileira de Artur Xexéo, 17 atores, 90 figurinos, um palco giratório de 6 metros de diâmetro e uma escada curva com sistema de traveling em volta do cenário. Alice Walker foi a primeira escritora negra a ganhar o Pulitzer pelo seu livro A Cor Púrpura, lançado em 1982, e que continua contemporâneo ao retratar relações humanas, de amor, poder, ódio, em um mundo pontuado por estruturais diferenças econômicas, sociais, étnicas e de gênero. A Cor Púrpura é um musical baseado em uma história passada na primeira metade do século XX, na zona rural do Sul dos Estados Unidos, com personagens típicos dessa região. Com um elenco em sua maioria escolhido por meio de testes, o musical apresenta a trajetória e luta de Celie contra as adversidades impostas pela vida a uma mulher negra, na Geórgia, no decorrer da primeira metade do século XX. Na adolescência, a personagem tem dois filhos de seu suposto pai, que a oferece a um fazendeiro local para criar seus herdeiros, lavar, passar e trabalhar sem remuneração. Ela é tirada à força do convívio de sua irmã caçula Nettie e passa a morar com o marido Mister. Enquanto Celie resigna-se ao sofrimento, Sofia e Shug entram em cena, mostrando que há possibilidade de mudanças e novas perspectivas, esperança e até prazer. A saga de Celie é permeada por questões sociais de extrema relevância até os dias atuais como a desigualdade, abuso de poder, racismo, machismo, sexismo e a violência contra a mulher.

“Um determinado momento da vida em que surgem memórias repentinas, involuntárias e vívidas de experiências pessoais passadas. Em muitos casos, essas memórias poderosas estão intimamente ligadas a eventos traumáticos.” Esse é o conceito de Flashback, mas poderia ser sobre a vida de Édipo, não é? Então será! Vamos a Édipo Rec, a tragédia à la Magiluth.

Como se configuram e estabelecem as relações de amor, sexo e amizade na implacável e frenética cidade de São Paulo nos 2020's? E como elas acontecem entre os LGBTQIA+ com mais de 40 anos, pertencentes a uma geração em que assumir quem se era ou falar sobre o seu amor era quase proibido, ou melhor, não era de bom tom??Nos tempos de relações rasas, ghosthing, pouco envolvimento, facilidades para o sexo, hiperconexão, auto-privação, de liberdade explícita velada, da explosão dos multigêneros, um homem com pouco mais de 40 anos releva em cena um retrato íntimo e comovente da solidão de uma grande cidade, onde ter tudo à mão, poder ser o mesmo do que não ter nada. As migalhas reunidas pelo personagem central em busca de refazer a própria vida, em um prédio emblemático do Centro da capital paulistana - com seus personagens curiosos e tipos interessantes que costuram e compõem a narrativa - propõem uma conversa íntima, com muitas reviravoltas, altos e baixos, emoção, cumplicidade com o público, em um solo que traz à tona as questões a cerca das relações destes tempos.Protagonizado pelo ator e dramaturgo Vinicius Aguiar, que pertence à mesma geração do protagonista, o espetáculo inédito baseado no premiado romance autoficcional "Diga Que Não Me Conhece", escrito por Flávio Cafiero, vencedor do prêmio APCA de Literatura de 2021, tem co-autoria na adaptação e direção de Ester Laccava.

Neste novo trabalho, Jéssica Teixeira dá continuidade à pesquisa iniciada em seu primeiro solo, E.L.A., no qual seu corpo se tornou matéria bruta para a construção dramatúrgica. Agora, a atriz se propõe a revisitar a crueza do passado e derrubar mitos para construir outros imaginários possíveis. Faz isso a partir da história da mexicana Julia Pastrana, vulgarmente chamada de “mulher macaco” e transformada em atração de freak shows. Trazendo à tona o gênero do terror psicológico, a artista dança, performa e canta, assumindo sua estranheza, na vida e na cena.

A peça traz uma reflexão sobre a passagem do tempo e a importância do cuidado que os casais devem ter com o relacionamento, nas suas diferentes fases. A comédia começa com casal de meia idade e seu filho adolescente, que arrumam sua casa que está à venda, para receber compradores. Dois casais, em fases e objetivos distintos, chegam para a visitação e começam a compartilhar as experiências e os desafios que enfrentam em seus relacionamentos. As afinidades entre os gêneros vão se tornando evidentes até que sinais estranhos e misteriosos surgem, o que os leva a uma descoberta surpreendente. Tal situação desperta os casais a questionarem sobre como, no presente, lidam com o seu passado e o que desejam fazer pelo seu futuro.

Brad e Janet, recém-casados, enfrentam um pneu furado em uma noite de tempestade fria e impetuosa enquanto estão a caminho da casa de um velho amigo que os apresentou. Desesperados por ajuda, eles encontram um castelo no mínimo peculiar e decidem pedir para usar o telefone. Ao entrarem, são recebidos por uma série de personagens atípicos e selvagens, além do excêntrico Dr. Frank N. Furter, um médico, bioquímico e transformista. Em meio a raios e trovões, Frank convida Brad, Janet e os espectadores para seu laboratório, onde revela sua mais nova criação: Rocky, um ser humano meticulosamente moldado em laboratório, musculoso e bronzeado. A partir daí, Brad e Janet são arrastados para uma jornada surreal e misteriosa através dos cômodos do antigo castelo.

Após uma temporada de sucesso e com sessões esgotadas, a peça volta a entrar em cartaz no Teatro Unimed. Estrelado por Marília Gabriela e Theodoro Cochrane, o espetáculo discute temas como feminismo, conflito de gerações e homofobia abordando a relação entre mãe e filho com uma honestidade brutal.

O Teatro Oficina recebe a remontagem do espetáculo “Atotô – Silêncio, o Rei Está na Terra”, encenado pela Cia Odara. A peça, que tem direção e produção de Márcio Telles e um elenco de cerca de 40 pessoas, reúne importantes elementos sobre manutenção e resistência de narrativas Yorubás.Prestando homenagem a Obaluaê, a apresentação conta com artistas pretos em um elenco formado por atrizes, atores, bailarinos, dançarinos, cantores, músicos, percussionistas, capoeiras, sambistas, técnicos, produtores e promotores da cultura e das tradições de matriz africana. O espetáculo também conta com as participações da cantora Raquel Tobias, Jônatas Petróleo,Dogge, além das atrizes Lena Silva, Vera luz,Viviane Clara, Silvina Elias, Luzia Rosa, Stella Valentina e ainda , parte do elenco preto do Teatro Oficina. Em cerca de 90 minutos a peça se baseia nos confrontos da luz e a sombra, do amor e da dor. Inspirado em um dos Itans de Obaluaê, senhor da doença e da cura, ela se propõe a realizar “uma celebração à vida num rito-espetáculo que une diversas linguagens, sempre com um olhar espacial para a capacidade humana de adaptar-se à mudança, num eterno aprendizado que provém das coisas mais simples”, comenta o diretor Márcio Telles.

Após fazer sucesso nas redes sociais falando sobre moda, comportamento e estilo, Thai de Melo faz sua estreia nos palcos com o espetáculo Como é que eu vim parar aqui?. Com direção de Bruno Guida e produção de Dani Angelotti, a montagem traz as experiências e reflexões da comunicadora de forma cômica e questionadora. Com uma abordagem de autoficção, que busca conduzir o público por uma jornada profunda pela mente da protagonista, no palco são explorados os momentos em que ela se depara com situações inesperadas, questionando-se sobre as escolhas que a levaram até ali.

Os atores do conceituado grupo “Os Escafandristas” voltam a se reunir depois de um longo hiato para pensar em um novo trabalho teatral, porém o que poderia ser um promissor reencontro acaba de maneira surpreendente.

Fúlvio Stefanini celebra 70 anos de carreira com o 'O Pai', peça escrita por Florian Zeller e cuja montagem brasileira já foi apresentada 300 vezes. O Pai conta a história de André, um idoso de 80 anos, rabugento, porém muito simpático e divertido. Quando a memória dele começa a falhar, a sua única filha vive um dilema: deve levá-lo para morar com ela e contratar uma enfermeira para ajudá-la a cuidar dele ou deve interná-lo em um asilo – para poder curtir a vida ao lado de seu novo namorado?Com tom poético e um leve humor requintado, a peça trata desse tema comovente com leveza e sensibilidade, e nos convida a pensar sobre questões como a convivência familiar, o envelhecimento e as nossas escolhas na vida.

A comédia musical Forever Young aborda seis grandes atores que representam a si mesmos no futuro, quase centenários. Apesar das dificuldades eles continuam cantando, se divertindo e amando. Tudo acontece no palco de um teatro, que foi transformado em retiro para artistas, sempre sob a supervisão de uma enfermeira. Quando ela se ausenta, os simpáticos senhores se transformam e revelam suas verdadeiras personalidades através do bom e velho rock’n’roll e mostram que o sonho ainda não acabou e que eles são eternamente jovens.  Forever Young consegue relatar não apenas o problema da exclusão social na “melhor idade”, mas também aborda questões sobre a velhice com muito humor e músicas que marcaram várias gerações.

A Casa de Bernarda Alba mergulha nas complexidades das relações familiares e sociais, abordando assuntos como poder, repressão, desejo e liberdade. A peça tem direção de Rodolfo García Vázquez, co-fundador da companhia criada em 1989.A peça escrita pelo renomado dramaturgo espanhol Federico García Lorca, concluída em 1936, poucos meses antes de sua morte, trata da obra e vida de Bernarda Alba, uma mulher autoritária e controladora, que vive com suas cinco filhas em uma casa na Espanha rural, após a morte de seu segundo marido, que desencadeia, um período de luto de oito anos. Durante este tempo, as mulheres são proibidas de sair de casa ou se relacionar com homens, tornando o ambiente opressivo. Esta série de tensões é o pano de fundo para rivalidades e conflitos que surgem entre as irmãs que anseiam por liberdade e amor. O espetáculo conta com três formações, com as personagens sendo interpretadas por elenco somente feminino, somente masculino e misto, que se revezam ao longo da temporada, cada um apresentando uma versão de elenco diferente e oferecendo uma perspectiva única sobre os temas abordados.

Claudia Raia e Jarbas Homem de Mello se apresentam em São Paulo com a segunda temporada de Conserto para Dois. “Conserto para Dois, O Musical” conta a história de amor, encontros e desencontros entre o famoso escritor Ângelo Rinaldo (Jarbas) e a atriz internacional Luna de Palma (Claudia). Separados, os dois embarcam em um cruzeiro para esquecerem a desilusão amorosa. Eles só não contavam embarcar no mesmo navio, Sinfonia dos Mares, rumo à Antártida. É nesse cenário que se desenrola toda a história, criada por Anna Toledo a convite de Claudia e Jarbas.

Escrita e dirigida pela atriz e diretora Vanja Ca Michel, a montagem chama a atenção do público por abordar temas atuais e as últimas tendências do universo dos adolescentes, mostrando as dores e as delícias da transição da infância para a vida adulta. A montagem aborda assuntos como ansiedade, depressão e transtornos alimentares, além da relação com as redes sociais, o cyberbullying e a nomofobia (medo irracional de ficar longe do celular), parentalidade, entre outros.
O espetáculo conta com um elenco formado por 11 integrantes que se revezam entre os personagens e a peça está no ar desde 2002, tendo sido apresentada em 49 cidades e mais de duas mil sessões.

A peça AO VIVO – Dentro da cabeça de alguém é uma criação com dramaturgia original e direção de Marcio Abreu, inspirada em A Gaivota, texto seminal do autor russo Anton Tchekhov, e dá sequência a uma das linhas de pesquisa da companhia brasileira de teatro, que reflete os tempos atuais a partir de diálogos inventivos com os clássicos.A peça se passa dentro da cabeça de uma artista. Da Renata, da Nina, da Bianca, da Bárbara, do Bolzan, do Rafael, de todas que criaram esse trabalho. Como se pudéssemos perceber outras consciências, outras subjetividades, coisas que são, e de repente já não são mais. Coisas que se revelam, e desaparecem, algo que vejo e de repente, já não está mais ou já não é. Quais questões levantadas pelo texto de Tchekhov atravessam o tempo e chegam até nós, hoje? E de que modo? E que formas são possíveis, hoje? Há formas novas, futuros possíveis? Quais direitos estão garantidos para uma mulher numa sociedade ainda machista, etarista e conservadora? Como jovens artistas buscam sua própria voz hoje? Qual o valor da arte, para quem se produz, com quem? Que espaços ocupar e construir? Como renovar, como artistas, os sentidos da vida, da liberdade e do amor, com e para o público, numa experiência viva, no agora?Tudo isso habita a memória e o imaginário de uma atriz, que nos anos 70 participou de uma célebre montagem de A Gaivota, no Rio de Janeiro, e está a caminho do ensaio e lembra que, naquele momento, num dia em dirigia um carro indo para o ensaio, teve uma sensação inédita, como se o topo da sua cabeça se abrisse e ela tivesse uma súbita consciência do todo: tudo ficou nítido, ela mesma, as outras pessoas, seu lugar no mundo, as coisas, sua conexão com o universo, o tempo passado e o tempo futuro. Nesse outro estado de consciência ela revê personagens de sua vida e de sua arte, atravessando o tempo e ressignificando suas existências, ao vivo, hoje.

Adriana Birolli sobe ao palco para dar voz a uma personagem prestes a completar 36 anos e que não quer ir à comemoração do seu aniversário, mesmo quase pronta para sair, passa a refletir sobre a possibilidade de não comparecer. O celular não para de receber mensagens e a pressão não para de aumentar enquanto somos convidados a entrar na intimidade dessa personagem e sua comédia privada. Com texto e direção de Diogo Camargos, a trama reflete com humor sobre a jornada de uma mulher que vive em uma busca da liberdade de dizer não.

O espetáculo é a biografia musical por trás do ícone. Uma jornada musical com os maiores sucessos do Rei do Rock.

Um espetáculo cênico-musical que passa a limpo toda a trajetória dos Beatles. Os primeiros sucessos como Twist and Shout, She Loves You e I Wanna Hold Your Hand, passando pela fase psicodélica até atingir o êxtase na fase final de Hey Jude e Let it Be.

Um clássico da comédia dos anos 90, o filme “Uma Babá Quase Perfeita” conquistou gerações de fãs e transformou-se, em 2021, em um musical da Broadway, reafirmando a atemporalidade da obra e o Brasil ganha uma versão do musical, estrelada por Eduardo Sterblitch e dirigida por Tadeu Aguiar. A história de “Uma Babá Quase Perfeita” gira em torno de Daniel Hillard (Eduardo Sterblitch), um ator desempregado que fará qualquer coisa por seus filhos. Após um divórcio conturbado, Daniel encontra uma solução para não ficar longe dos seus filhos, disfarçando-se de Euphegenia Doubtfire, uma senhora idosa perfeita para ser babá das crianças. Enquanto cuida das crianças, ele aprende importantes lições sobre paternidade e responsabilidade.Em seu segundo musical, Eduardo Sterblitch dará vida à famosa Babá. O artista multifacetado estará ao lado de Thais Piza, responsável por dar vida à ex-esposa Miranda, Lara Suleiman no papel da filha mais velha Lydia Hillard, Bernardo Destri como Christopher e Bibi Valverde como a pequena Natalie. O elenco conta ainda com outros 20 talentos dos palcos e poderá sofrer eventuais alterações sem prévio aviso. Vitor Martinez assina a maquiagem de efeito e a perucaria fica por conta de Feliciano San Román. O musical conta com música e letras de Karey e Wayne Kirkpatrick, e texto de Karey Kirkpatrick e John O'Farrell.